Por Jesús Beades

Lo inefable

En cierto sentido, hacer una reseña de un concierto es un absoluto despropósito, equivalente a describir un olor o un sabor. ¿Cómo describir la primera semana de florecimiento del naranjo en Sevilla? Es una experiencia de intoxicación emocional, que empieza en la pituitaria y pasa por el corazón. O el exacto sabor del guiso de papas con choco de nuestra madre, momento de recapitulación vital que describe muy bien la película Ratatouille. Como si uno fuera su propia muñeca rusa, un juego de espejos se despliega hacia el pasado, ahora desvelado en un golpe de brisa, en un cucharada de caldo, en unos acordes combinados. De eso estamos hablando cuando uno vuelve fascinado de un concierto, experiencia colectiva de desencadenamiento y revelación. Hablar de lo inefable. Lo dice Pablo, el saxofonista de El lobo estepario de Herman Hesse: «hablar sobre música no sirve para nada. Yo soplo mi tubo cada noche y la gente baila». (Nota: puede que la cita no sea literal).

Rock sin guitarras

El festival KIMERA SANTA, organizado con toda la osadía (y el éxito de público esperable) un Sábado Santo en Sevilla, contó con DJs, un cantaor flamenco, traperos/reggaetoneros y, aquello que nos ocupa, la actuación de RAMOS DUAL Y YUL NAVARRO. Empezamos ya en un contexto ecléctico, que es el tipo de esdrújulas que los pedantes ponemos cuando no sabemos bien qué decir. Ecléctico, ácido, irónico, excéntrico, superferolítico… ¿Ven lo que ocurre cuando se quiere hablar de lo inefable? Se despeñan los palabrejos decorativos. Pese a esta barrera de impenetrabilidad –término que recuerda a colegio mayor femenino – seguiremos adelante. Empecemos con el cartel.

El cartel introduce una breve definición entre paréntesis bajo el nombre del grupo: rock electrónico. Esto ya es provocativo, puesto que el rock puede llevar el apellido que quiera –rockabilly, rock duro, rock industrial, hard–rock, hasta rock cristiano– pero el hecho indiscutible es que todos esperamos una guitarra eléctrica al menos, a menudo dos y, en casos de exceso como los IRON MAIDEN, hasta tres. Y el bajo, claro, con quien nadie cuenta. Resulta que en el show de RAMOS DUAL Y YUL NAVARRO no hay ni una guitarra. Ramos sí actúa a veces en formato acústico, con guitarra y lo que surja, pero este espectáculo que hemos visto en la sala Even es el grande y ruidoso, el potente dúo que hace esta música tan singular. Os digo una cosa: dan más caña, son en esencia más rock que muchos chavalitos con pesadas Les Paul parte-espaldas y Marshalls del tamaño de una lavadora industrial. Lo que hacen Ramos y Yul es algo hardcore, desde luego, de gran octanaje.

Ve de una vez al grano, por favor

– Pero ¿quieres ir al grano ya y decir qué tipo de música hacen?

– ¡Bueno, bueno! ¿se ha notado que eludo la cuestión porque es muy difícil de definir? Vale, vale. Al menos ha quedado claro que soy partidario. Que este cuarentón interesante que les habla, viejuno fan de Iron Maiden, Helloween, Yes, Pink Floyd, Hendrix, Vangelis, Isao Yomita, Charles Mingus, Zappa, Bach, Gesualdo, todos los bluesmen del delta y la música irlandesa, ha encontrado gozo y exaltación en la música de RAMOS DUAL Y YUL NAVARRO. Es más, que ha sentido la necesidad de dejarlo por escrito.

– Otra vez te estás escaqueando…

¡Está bien! RAMOS DUAL Y YUL NAVARRO hacen una mezcla entre música techno industrial, psicodelia, breakbeat, punk… con letras en español que operan como introducciones líricas, como recitativos en una Pasión, como recordatorio de que aquel aparente caos primordial tiene un sentido humano, un mensaje doliente sobre la vulnerabilidad del corazón, interpretado por Ramos con un toque aflamencado que recuerda quizá a CALIFATO ¾ , pero con esteroides. Jesús de la Rosa subido a una montaña del Tibet. Ramos dirige el caos como chamán de una tribu que se dispone a entrar en trance, poniéndose de pie para llamar a la acción, y canta como el muecín desde el minarete unas saetas sangrientas, unos introitos proféticos antes de sentarse y empezar a tocar la batería. Ramos toca la batería como si tuviera que matar el dolor con cada pulso, arrancar el corazón de las tinieblas en cada bit, como una maquinaria gigante de demolición industrial. Nuestra mirada se queda hipnotizada en un temblor de los platillos hasta que reparamos en Yul.

Sacerdotisa del Theremin

YUL NAVARRO toca los sintes, y el theremin Moog con distorsiones; cuando se aproxima a la antena para producir los diferentes tonos, aquella coreografía manual posee una energía sexual turbadora, sobre todo cuando frota la antena arriba y abajo con sus dedos con uñas pintadas de rojo. Ciñendo vestido también rojo que transparenta ropa interior negra –se diría que en homenaje a Stendhal–, y con un sombrero jerezano sobre su cabello negro liso, la imagen de Yul es poderosa. Como sacerdotisa del theremin, conduce los sonidos a oleajes que van desde el candor de Jean-Michel Jarre en Oxygene 4 al bronco repetir del riff de Firestarter de THE PRODIGY, aunque desde luego son evidentes sus influencias de la escena alemana. No podemos dejar de recordar como el disco Pop de U2, desde su desdeñado mainstream, nos abrió a muchos los oídos a la música techno. Nuestra mente divaga, mientras los tímpanos tiemblan casi al límite, entre las manos de Yul, la vibración del sinte pasado por un ampli de válvulas, cuando vuelve la mirada al estrado –altar– donde predica Ramos. Sus eslóganes gritados al unísono con Yul son como de RAGE AGAINST THE MACHINE, pero sumergidos en el Guadalquivir.

Cucarachas, sombra y Gracia

El espectáculo que hemos escuchado –pues ya ha terminado, para nuestra tristeza– se llama Arrastramos sombras y es el título del último trabajo de este dúo, anterior al que RAMOS DUAL estrenó en solitario, Nuestra Señora de la Luz. Ha empezado con Cucharas de ego sobre un agujero negro, ha llegado a su cenit con Estamos llenos de gracia y se ha despedido con Somos visita. La sala está llena de aficionados al trap y al flamenco (tan cerca unos de otros ahora gracias a Rosalía) y los gritos de «¡Otra! ¡Otra!» hacen que el dúo interprete una más: Ancá la Conso, con su entrañable sabor utrerano. Les aseguro algo: lo de rock electrónico no era ninguna tontería. Salgo de la sala con la sensación de haber participado en un pogo con música punk o grunge. Casi con agujetas.

Y con ganas, por supuesto, de entrar a Thomann a comprarme un theremin.

El pasado viernes seis de mayo tuvo lugar en la sala Trinchera de Málaga el festival Goetia Sessions, que reunió a LUNAVIEJA, RED EYE y ELEPHANT RIDERS en un triple concierto espectacular. A la hora indicada en el cartel había cuatro gatos en la puerta de la sala, cinco incluyendo a un servidor. En ese momento el aspecto solitario del lugar no auguraba un gran éxito del evento, sin embargo, cuando abrieron las puertas media hora más tarde, el discreto flujo de gente que iba apareciendo consiguió crear algo de ambiente y, otra media hora después, dio comienzo el primero de los tres conciertos con un decente número de espectadores.

LUNAVIEJA fueron los encargados de dar el pistoletazo de salida. El cuarteto malagueño está formado por Stefy Otero a la batería, Javier Luque como guitarra, Paco González como cantante y bajista y Javier Cereto manejando los sintetizadores y la segunda voz. Presentaron su primer disco, del mismo nombre, Lunavieja. El atrezzo de calaveras y flores secas y la indumentaria siniestra de Stefy y Cereto iban en consonancia con la estética general del grupo y sus letras. Centrados en aquelarres, brujería y misticismo, los LUNAVIEJA emplearon una ambientación oscura en general y una iluminación escasa y amarillenta, esto último algo no muy positivo para los fotógrafos que estábamos presentes en la sala.

La voz melódica de Paco contrasta muy bien sobre el fondo de riffs graves y repetitivos, por otro lado, el reverb intenso, aunque muy acertado para la ambientación sonora perseguida hacía que no se entendiera bien la letra en el directo. La banda de doom psicodelico es el único de los tres grupos que escribe sus letras en español. El hecho de cantar en castellano es para mí un buen punto a favor en un panorama musical en el que las letras en inglés no dejan de ganar terreno. En el breve speech que el cantante dirigió al público transmitió varias veces su agradecimiento a los espectadores, se apreciaba claramente su emoción e incluso un deje de nerviosismo “…gracias por compartir estos momentos con nosotros, para nosotros es muy importante…”, “…llevamos poco tiempo pero esperamos estar mucho más tiempo…”

Tocaron el disco íntegro, haciendo un bis al final de su single La Güestia, un tema muy pegadizo que tiene como protagonista un elemento de la mitología asturiana, algo así como las almas en pena de la santa compaña. En una hora de concierto encajaron con acierto un álbum que no alcanza los cuarenta minutos. Cabe destacar también la alta proporción de seguidores que la banda tenía en la sala de acuerdo al número de camisetas de LUNAVIEJA que vestían los presentes, algo reseñable para ser el más joven de los tres grupos de la noche.

Tras un brevísimo descanso de unos diez minutos, lo justo para las tareas básicas de tramoya, la solemnidad de Foresaga, el tema introductorio del segundo álbum de los RED EYE, ya resonaba con fuerza en la sala, pillando desprevenidos a la mayoría de los asistentes, que estaban aún en la puerta tomando el aire. Al contrario de lo que ocurría con el grupo predecesor, los RED EYE no cuentan con un atrezzo muy especial, pero tampoco lo necesitan para crear una intensa atmósfera de misticismo.

Los antequeranos vinieron a La Trinchera a presentar The Cycle, un disco conceptual basado en una historia de fantasía centrada en los orígenes de su tierra natal. Tras tocar de seguido varios temas del nuevo lp, como Flyht o Morpor, comenzaron a intercalar otros temas del disco anterior Tales from the days of Yore.

En gran parte de la actuación utilizaron un juego de luces coloridas intensas que recuerdan directamente al patrón de colores vivos utilizados en el diseño de la portada de The Cycle. Alternando los ritmos más pausados con otros muy acelerados, tras una contada hora de concierto los RED EYE dejaron claramente justificada la repercusión internacional que su música está comenzando a tener.

Como final de fiesta ELEPHANT RIDERS puso la guinda al pastel. El grupo originario de Vélez Málaga, en activo desde hace más de una década, presentó su nuevo trabajo, Impure. Los cabeza de cartel dieron un concierto con un sonido stoner hard rock diferente a lo anterior, menos pesado, aportando frescura al recital, con un escenario más iluminado y un sonido más limpio.

Con cuatro álbumes a sus espaldas y un frontman con mucha garra el grupo encandiló al público con un buen repertorio de temas amenizado por diferentes speeches de un animado José Carlos González. Como muestra de la energía que transmiten en su directo, en la recta final del concierto se pudo ver un buen pogo, el único de la noche en la Trinchera.

Finalmente los ELEPHANT RIDERS respondieron a la petición de tocar otra una vez que se marchaban con un bis de lo que el cantante definió como un “clasicazo”: Escape from planet earth del álbum Supernova, dando por finalizada la noche dejando al público en lo más alto.

Como acto de clausura del festival de poesía de Cordoba: Cosmopoética, la actuación de VIVA BELGRADO en la Sala Orive, pone la guinda con sus letras cargadas de angustia, melancolía y desesperación millenial a uno de los festivales referentes en cuanto a lírica se refiere.

Y es que los cordobeses saben muy bien lo que hacen, con una buena trayectoria encomiable para una modesta banda que siempre mira con cariño a su ciudad natal, los hemos visto crecer, abrir las alas, despegar y volar muy alto. Y la pasada noche del sábado 20 de noviembre fue uno de sus vuelos en un entorno único.

Encorsetados en una magnifica sala que antiguamente fue una iglesia iluminada con todo tipo de luces y presidida por una grieta en la pared iluminada por dentro, la música nos recordaba a esa calma y tempestad que contrastaba con el lugar, como una furia entre el tiempo y la tierra que hacían temblar un escenario que se iba haciendo más y más pequeño conforme las canciones avanzaban.

El arranque de VIVA BELGRADO acostumbra a ser sobrio y a la cara, y en esta ocasión (una de tantas del que escribe) no fue distinto. Si has leído hasta aquí y si no los conoces, creo que indudablemente deberías como mínimo escucharlos, pero si tocan cerca de ti, acercarte a verlos. Porque si por algo destacan es por un formato donde forma no lo es todo y priman el mensaje, letras y melodías que susurran a estados de ánimo y problemas existenciales. Tanto es así que como acostumbran, entre sus particularidades, Cándido a la guitarra y las voces apenas dirige la mirada al público desde un micrófono que siempre le queda pequeño y Ángel el bajista que siempre toca dando la espalda a la audiencia. Álvaro no defrauda nunca y su manera de pegarle a la caja con rápidos ritmos de hi-hat lo hacen el indiscutible protagonista de la noche con un retumbante sonido que parecía invocar a los demonios internos de todos los presentes en aquel sagrado lugar. Sorprendió la aparición de un nuevo miembro en la formación en sustitución de Pedro Ruiz; Jaime Ladrón a las guitarras que se une a la gira de la banda que acaba de empezar y al que, desde aquí, le mandamos nuestros mejores deseos en los próximos bolos.

El concierto comenzó con un modesto salto de los miembros de la banda que rápidamente arrancaron con Una soga y con unos buenos golpes de batería seguidos de Bellavista. primeros dos temas de su último trabajo completo: Bellavista, letras que nos hablan del pánico escénico y un Cándido que nos canta en primera persona de problemas con la fama, dejarse llevar, la promiscuidad y una visión hedonista del paso del tiempo. Tras un despliegue de melodías, una intensidad variable siempre de menos a más como una montaña rusa orquestada por la melodicidad de la guitarra, bajamos revoluciones con su último trabajo hasta la fecha, el single Un relato.

Es hasta el término de cuatro temas cuando la banda se toma un respiro, el justo para que un público, ya emocionado, rompa en un aplauso ante la explosión de sentimientos, rabia e ira desbocadas que la banda estaba creando en los espectadores. Y es que apenas una mirada atrás, en las butacas, podíamos ver cabezas asintiendo con energía y puños cerrados con fuerza, una especie de resistencia encorsetada por la formalidad social que se opone a un exorcismo catártico que cada vez era más necesitado entre la audiencia. Especialmente tras una pandemia y una banda como VIVA BELGRADO.

Hechos que se acentúan cuando empiezan a sonar los acordes de su tema Báltica, el cual abre su aclamado álbum Flores, Carne que despegó a la banda a una ola, en la que en mi opinión aún se mantienen. Báltica ofrece una magnífica melodía basada en trémolos y golpes de caja que nos ascienden a una furia desgarradora que solo sube y sube. Tema muy querido por el público, y en mi opinión, uno de los mejores inicios de álbum que nos pudo dejar el 2018 nos deja versos en estado puro que nos acaricia con dolor el rostro hasta ese tan sentido “El dolor me sienta bien” que hizo eco en la sala. Gritos desgarradores, al más puro hardcore melódico, son en realidad gritos de ayuda y auxilio en un “volveremos a nacer” al final de los últimos versos.

Una emocionante onda de choque para los sentidos y la piel que se erizaban a cada cambio de estructura y en especial en aquellas donde la guitarra era la protagonista.

Los temas se suceden uno tras otro, pasado por su nuevo trabajo Un relato el cual presentaban a la audiencia local y que en directo sonó como un vértice destacable pero bien integrado dentro del setlist. El arranque de la misma, con los ritmos frenéticos de Álvaro hizo retumbar la sala siendo reconocidos por un público ya entregado y cohibidos en sus asientos que escuchaban por primera vez la ejecución en directo de este tema. Es necesario destacar el colofón final del tema donde Cándido hizo retumbar los corazones de los presentes con un desgarrador “Si un árbol cae sin testigos no hace ruido. Si vivo sin testigos tal vez no he vivido, ¿no?” gritando agónicamente lejos del micro para dar paso a pulsos de música interrumpidamente que acentuaban el dramatismo de lo existencialista del mensaje.

Sin apenas descansos, la montaña rusa no paraba y rápidamente Annapurna se abrió paso con una ejecución canónica con ese verso “Esta vez será para siempre” que hizo que la grieta que preside el escenario de la Sala Orive se hiciese un poquito más grande.

Nos dieron algo de respiro al publico con Apaga la Llum de su álbum Ulises, tema bastante más tranquilo que reflejó una calma intermedia entre la tempestad, con una melodicidad marcada, un discurso de versos cortos y seguidos que hicieron reflejar un aura más melancólico y nostálgico. El live speak de Cándido nos recuerda al más puro estilo hardcore melódico que tanto nos gusta tanto (Y que parece que se está perdiendo), y el colofón de sus últimos versos nos dejaban alzar el vuelo desde un acantilado, sintiéndonos flotar durante unos breves instantes.

Un pequeño vuelo el cual rápidamente se torna en una tormenta descomunal, porque la calma duró poco porque la frase: “Cuando el Gran Danés abre las fauces…” Cayó como un rayo en la sala. Y es que las luces se apagaron y un espectáculo de iluminación entró en acción en uno de sus mas memorables temas de su primer trabajo El invierno. Un espectáculo de éxtasis y furia explosiva que retumbó con fuerza en un colofón perfecto para un viaje cargado de sentimiento, emoción y lamento que con ira termina poniendo punto y final. El increíble juego de luces mezclado con un instrumental nos deja piezas para el recuerdo erizándonos el vello al recordar el crudo lamento “no hay nadie, no hay nadie”.

En definitiva, una actuación estelar en la que VIVA BELGRADO supo estar a la altura de las expectativas, con una energía fulminante para unos espectadores obligados a estar sentados que se reprimían las ganas enormes de desfogar una ira y dolor efervescentes en su interior y acompañar a la banda en su periplo multidimensional. La potencia, delicadeza y crudeza características del sonido de la banda, nos recordó a actuaciones pre-pandemia sintiéndonos, de alguna manera, como el regreso a lo que solía ser habitual. En definitiva, en palabras de Cándido, “El único relato es que no hay ningún relato” tan solo el momento y la vivencia de estar allí, la genuina y autentica sensación de miles de emociones de todo tipo purgando nuestras almas en una genuina catarsis bella, cruda y salvaje. Un colofón perfecto para un festival como Cosmopoética en la ciudad de Córdoba. VIVA BELGRADO nunca defrauda. Volveremos.

MÄGO, ha llevado mucho tiempo, pero por fin podéis decir que habéis vuelto a vuestros inicios sin reciclar partituras pasadas, por fin y no puedo más que felicitaros por un discazo, pero discazo, esto es lo que habéis hecho siempre, sin oler a naftalina. Os presento Bandera negra.

La isla de las 7 Calaveras: intro MUY épica, sin voz, pura instrumentación para “lololear” en directo, declaración de intenciones sin voz.

Al abordaje: empezamos a cantar, declaración de intenciones con voz, piratas, metal, buen rollo, mucho folk y mucho “diggidi diggidi” del bueno a las guitarras (como siempre Patricia dando el aire fresco al metal patrio, recordándonos que las chicas saben lo que es molar).

Resacoxis en Pandemia: amigos, tenemos otro título de Resacoxis, y todos sabemos lo que significa ese título, tema de pogo en conciertos, buen rollo y regarse en cerveza al aire.

Nunca te fallaré: el tópico de que MÄGO DE OZ siempre mete un tema sobre la importancia de sobreponerse a los palos de la vida se cumple otra vez, aunque en esta ocasión con una letra especialmente bonita. Gente de corazón, pedid ayuda, siempre hay alguien dispuesto a oír.

La Dama del Mar: Folk patrio del que siempre nos da Mägo, destacando la limpieza de los momentos donde Patri se luce.

El aplauso herido: el tema de Patri, con el que todos los que hemos sido heavys desde adolescentes (o antes) nos sentimos identificados, por aquella lucha defendiendo nuestra identidad y “el puto rock’n roll”. De los mejores temas del disco.

Tu madre es una cabra: No me esperaba un tema de ska a estas alturas, como tampoco me esperaba la colaboración de LA PEGATINA. Ni bien ni mal, un tema muy simpático donde mezclan lo mejor de la instrumentación de ambos grupos.

Guerra y Paz: Vamos a ver, a priori podría parecer el típico tema de MÄGO DE OZ, pero hay una oscuridad en la instrumentación, y una solemnidad en la voz de Escobedo… amigo, eres un templo en este país, le das calidad a lo que tocas.

El Cervezo: la idea está bien, pero ya habéis hecho una canción de temática fiestera, quizá habéis abusado. Como idea está bien, aunque le falta agilidad.

Abrazos que curan: Igual que con el Cervezo, ya tenéis suficiente temática de sobreponerse, seguir adelante etc, es un tema precioso, muy rock americano, pero no para este disco.

Quiero que apagues mi luz: la balada del disco, LA balada del disco. Muy bonita, muy tranquila, un respiro con picardías muy rockeras, 10/10.

La Vida Pirata: tema muy corto, muy enérgico, muy festivalero, para corear, una adaptación de una coplilla muy chula.

Bandera Negra: el tema que da nombre al disco llega al final, un tema guerrero, totalmente metido en la temática del disco, piratas y metal.

Después de la tormenta: el outro del disco es muy tranquilo, como nos han acostumbrado desde Gaia, una lavada de cara con agua fría después de una hora de mucho frenesí

Que el viento sople a tu favor: ¿Qué puede pasar si juntas a SAUROM con MÄGO DE OZ? pues que te faltan amplis, te faltan ojos para seguir arcos, flautas, oídos para aguantar la maravilla de voces que se juntan entre Miguel Ángel, Patri y Zeta. En fin, que te falta metal, chaval.

PRO del disco: renovando viejas melodías, suenan como siempre, pero mejorados, los feats del disco son impresionantes, y en general estoy satisfecho con el disco, ha quedado tremendo, y tengo ganas de oírlo en directo.

CONTRAS: los elementos electrónicos sobran totalmente, no pegan nada y suenan forzados. Algunas canciones tienen temáticas repetidas y dan frenazo al espíritu del disco.

P.D: gracias por la portada, me ha dado tranquilamente media hora de buscar todos los detalles.

Enlaces de interés:

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La banda ucraniana STONED JESUS acaba de publicar un comunicado en el cual anuncia el aplazamiento de su gira de décimo aniversario por causa de la rápida expansión del virus COVID-19 (coronavirus).

A continuación os dejamos el comunicado en cuestión:

«Some bad news on this stormy Monday…

The third leg of Xth Anniversary Tour, which starts this week, consists of shows booked in Italy, France, Switzerland and Spain. These are FOUR countries out of FIVE affected by coronavirus in Europe the most. Oh, and we should’ve landed in Germany, so it’s five out of five!

Taking into account that all three of us have just been through nasty seasonal flu, we’re pretty sure our immune systems are simply not ready to face the new threat – nor do we want to become a danger to our dearest fans. A Stoned Jesus show must remain ‘a sick place to be’, not become ‘a place to get sick’.

Unfortunately we have no other choice but to POSTPONE our upcoming March dates. This is not something we decided overnight since we live off touring, but don’t worry, the rest of Xth Anniversary Tour stays intact. IT, SP, CH and FR – we’ll definitely see y’all later in the year.

Stay hydrated and wash your hands! Sorry and thanks for understanding.»

«Malas noticias en este tormentoso lunes…

La tercera etapa del «Xth Anniversary Tour», que comienza esta semana, cosiste en espectáculos reservados en Italia, Francia, Suiza y España. Estos son CUATRO países de los CINCO más afectados por el coronavirus en Europa. Ah, y deberíamos haber aterrizado en Alemania, ¡así que son cinco de cinco!

Teniendo en cuenta que los tres acabamos de pasar por una gripe estacional desagradable, estamos bastante seguros de que nuestro sistema inmunológico simplemente no está listo para enfrentar la nueva amenaza, ni queremos convertirnos en un peligro para nuestros más queridos fans. Un espectáculo de STONED JESUS debe seguir siendo ‘un lugar enfermo para estar’, no convertirse en ‘un lugar para enfermarse’.

Lamentablemente, no tenemos otra opción que POSPONER nuestras próximas fechas de marzo. Esto no es algo que decidimos de la noche a la mañana ya que vivimos de gira, pero no os preocupéis, el resto de la gira Xth Anniversary queda intacta. Italia, España, Suiza y Francia: definitivamente os veremos más adelante este año.

¡Manteneos hidratados y lavaos las manos! Lo sentimos y gracias por entendernos.»

Desde la redacción de Metal Korner también nos sentimos apenados por la noticia, pero para dejaros una sabor de boca un poco menos amargo, ahí os va un temazo, disfrutadlo.

ANIMA AETERNA

 

Noemí como siempre estuvo muy comunicativa, la dupla de guitarristas no dudó en varios ocasiones en bajarse entre el público, ya en este momento algo más numeroso, dejando un buen recuerdo entre los presentes. Incluso su «líder» Germán se unió a ellos armado con su nuevo «teclado» (de juguete), y es que el buen humor saben compaginarlo a la perfección con la seriedad al actuar, regalando algún que otro momento gracioso en sus actuaciones, como cuando le regalaron unos guantes de protección a su bajista Roski, ya que el pobre volvió a tocar con un dedo accidentado.

Al igual que su nuevo álbum que narra «la historia de un peregrino que viaja en busca de la felicidad», como bien nos lo presentó su vocalista, nos sumergieron a todos los presentes en un viaje musical lleno de misticismo desde que comenzaron a sonar las primeras notas de The God Who Didn’t Knowen. El grupo pese a no contar ese día con su teclista Victor Fernández, no acuso su falta y supo adaptarse a la perfección a los samplers, creando una atmósfera que nos trasladó directamente a tierras lejanas.

Como era de esperar basaron su setlist mayoritariamente en su último álbum con temas como Lotus and the Bright Dawn o Bodhisattva donde Nane nos cautivó a todos con su gran voz sobre el escenario y fuera de el, pues fueron varias veces las que se bajó a cantar entre el público, una actitud cercana que se se prolongó incluso fuera de los escenarios entre todo el grupo. Musicalmente también estuvieron impecables tanto David Noisel incasable al bajo como Juanjo luciéndose en los solos, que junto a Sebastián no solo se limitaron a las seis cuerdas, si no que también enriquecieron las composiciones con sus coros.

Snake Charming no podía faltar en el setlist, sin duda de mis favoritas dentro del disco, con Nane hipnotizándonos al son de de la música mientras se contorneaba como una serpiente sobre el escenario. Tras esta todavía hubo tiempo para recordar su anterior disco Lust For Wonder con dos temas como Erin Go Bragh, que con su épico estribillo me trajo a la memoria el tema Castle Burn de Voodoo Circle, o Queen of Spades. No sin antes regalarnos uno de los momentos de la noche con la especial Love Letter to a Butterfly, gracias al dueto donde María Barragán (Light Among Shadows) se encargó de sustituir a Patricia Tapia en la grabación original.

Entre coros guturales y la batería demoledora de Ezequiel, quizás demasiada alta durante ese tema, se despidieron por todo lo alto con To Shambhala que sirvió como broche de oro a una gran actuación con la que seguramente ganaron algún que otro adepto más en Málaga.

Setlist completo:

8. To Shambhala

 

LIGHT AMONG SHADOWS

LIGHT AMONG SHADOWS es uno de eso tesoros desconocidos de la escena nacional. La banda liderada por Adrien es una muestra de la calidad que reina en la escena actual con unas composiciones perfectas y cuidadas. Le acompaña Chris al bajo, fiel socio que con las cuatro cuerdas más que formar parte de la base rítmica es parte de la melodía. Y como no María con su voz aterciopelada.

 

 

Sigo pensando que donde mejor se expresa la banda es en directo. Su último trabajo Under The Waves es un gran disco, pero la manera que tiene la banda de llevarla al directo transforma los temas. María sabe ocupar el escenario y cautivar a la audiencia, mostrando su increíble complicidad con sus dos compañeros con miradas, contactos y poses que llegan a lo más profundo del corazón del público. Aunque ellos reniegan de su lado oscuro, la experiencia de ver LIGHT AMONG SHADOWS es, siguiendo con la temática del disco enfocada al agua, como estar atrapado en una tormenta en alta mar, con truenos, olas y relámpagos, un espectáculo a la vez aterrador y fascinante que nos deja sin voz.

 

El setlist está ocupado mayormente por el antes nombrado Under The Waves con nada más y nada menos que 7 temas completados por Lost In A Sea Of Nightmares, o Tale Not To Fall Asleep de sus dos primeros trabajos, quienes junto a Deep Blue Sea y Leaves In The Wind fueron los temas que más me gustaron durante la actuación. En esta velada le acompañaba Isaías de Eternal Dream a la batería, un puesto que sigue vacante después de la salida de su titular hace unos meses. A pesar de ese contratiempo, la banda ha dado un paso adelante en directo, y hoy por hoy es una gran experiencia.

 

Una vez terminado su actuación, LIGHT AMONG SHADOWS en lugar de sacarse una foto con el público ellos solo, llamaron a sus compañeros de la noche haciendo que la foto sea un símbolo de hermanamiento entre las tres bandas, invitando a soñar con repetir el cartel en el futuro.