Pues aquí tenemos calentito el nuevo trabajo de los polacos CRYSTAL VIPER, la banda liderada por Marta Gabriel. Vaya por delante que para mí es como un descubrimiento, ya que no conocía a esta banda y es raro, porque es de las bandas de mi estilo más predilecto, el heavy metal más tradicional y más heredero de la new wave of british heavy metal.

 

Del resto de la discografía de la banda, queda en mi deber el escucharla, ya que como dije antes, me enfrento a ellos por primera vez.

 

Empezando por una gran y llamativa portada en la cual se representa a una ciudad sobrevolada por un ser, llámale extraterrestre, llámale maquina infernal, que representa para mí, en lo que se está convirtiendo este mundo, en ciudades controladas por máquinas y acabando con la música. Estamos ante uno de los trabajos que dará mucho que hablar en 2021, porque saldrá a la venta a finales de enero de este año.

 

La banda esta formada actualmente por:

 

Marta Gabriel a la guitarra y voz
Andy Wave a las guitarras
Eric Juris a las guitarras
Blazej Grybiel al bajo
Cederick a las baterías

 

Y musicalmente, pues estamos delante de once temas de heavy metal clásico a más no poder: guitarras dobladas al más puro estilo Iron Maiden, ritmos más pesados al más puro estilo Judas Priest, pasajes más rápidos aproximados al power alemán a lo Gamma Ray o Primal Fear, pero todo ello aderezado con un toque muy especial y muy característico que hace que el disco resulte bastante atractivo.

 

Aunque le he encontrado un defecto, no en lo musical, pero sí en la distribución del orden de las canciones, ya que intercalan temas más rápidos y cañeros con otros más lentos y densos, que hace que el disco sea como una montaña rusa. Peo ya digo, es una apreciación de gustos, pues yo hubiera preferido una tongada de temas más cañeros seguidos para darle mas dinamismo al disco.

 

Empieza el disco con la intro Providence que está bien, tranquila, con unos teclados que se antojan futuristas por el sonido y que desemboca en la canción The Cult, tema homónimo del disco. Trallazo a lo Maiden, guitarras veloces y dobladas, ritmo trepidante de batería y la agresividad en la voz de Marta que retumba por todos los poros del tema. Tema ideal para empezar un bolo y hacer que todo el mundo salte con la sección rítmica.

 

Sigue el tema Whispers from Beyond y aquí ya vemos el primer “parón”, pues nos entregan un tema denso y lento pero con unos coros envolventes y grandilocuentes. Medio tiempo muy efectivo para mover la cabeza y la melena (quien la tenga, yo no…).

 

Continúa el trabajo con el corte Down in the Crypt y vuelve la caña con otro tema NWOBHM 100%: Ritmos cabalgantes, guitarras dobladas, y coros doblados muy efectivos. Otro tema ideal para directo. Ojo a la parte central del solo, pues es vertiginoso. Sleeping Giants es el próximo corte y volvemos al medio tiempo. Otro tema denso y a medio gas con un aire a medievo realmente atractivo. Aquí vuelven a utilizar la fórmula de los coros ideados para cantar y saltar puño y cerveza en alto.

 

El siguiente es Forgotten Land y aquí, vuelta a la carga. Tema heavy y rápido 100%. Todos los estandartes y clichés del género representados en un tema. Velocidad, agresividad, solo vertiginoso, guitarras dobladas y coros pegadizos. No hace falta nada mas. Asenath Waite es la siguiente canción y aunque tiene una intro muy tranquila que invita a pensar en una balada, nada más lejos de la realidad. Es un tema rápido y duro, con un sonido que me ha recordado a bandas de power alemán tipo Gamma Ray o Primal Fear. Ojito al solo de guitarras dobladas sobre el colchón del bajo, realmente espectacular.

 

The Calling es el siguiente corte y nos presentan otro corte más a medio tiempo. Vuelta a los ritmos galopantes, ideales para saltar sin parar. El estribillo está realmente bien, pegadizo y con un aire a rock americano de los 80…. Flaring madness es la continuación y aquí volvemos a los CRYSTAL VIPER más rápidos y agresivos. Un inicio con riffs de guitarras doblados dan paso a la velocidad pura y dura. Dureza, agresividad y rapidez por bandera en este tema. Un ejercicio de puro metal y unos coros realmente efectivos. Quizás de lo mejor de todo el disco junto al tema homónimo The cult.

 

Lost in the Dark es el último tema “propio” del disco y que sigue la estela de los temas mas rápidos del disco. Caña pura y dura. Repito, como he dicho antes, heavy metal 100%.

 

Y para finalizar el disco, nos incluyen una versión de King Diamond, del tema Welcome Home y a fe, he de decir que les ha quedado realmente bien, Marta ha conseguido que su voz se parezca al máximo a la del Rey Diamante y musicalmente es bastante fiel al original. Incluso yo que no soy muy seguidor de King diamond, la reconocí a los primeros acordes.

 

En resumen, un muy buen disco y que dará bastante que hablar durante el 2021. Será una buena forma de empezar el año…

 

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Hoy, día 4 de enero, se confirma una muy mala noticia para el mundo del metal: Alexi Laiho, guitarrista de CHILDREN OF BODOM, BODOM AFTER MIDNIGHT y SINERGY entre otras bandas, ha fallecido a la temprana edad de 41 años. Nacido el 8 abril del 1979, este músico ha sido guitarrista y cantante en la banda CHILDREN OF BODOM desde 1997 hasta 2019 donde la banda sufre la escisión de los miembros. Alexi forma BODOM AFTER MIDNIGHT junto a Daniel Freyberg al perder los derechos legales del nombre de CHILDREN OF BODOM.

 

También formó parte de la banda SINERGY junto a Kimberly Goss e incluso llegaron a casarse en 2002 aunque se separaron en 2004. Se dice y él mismo ha reconocido que ha tenido problemas con depresiones desde los 17 años llegando a autolesionarse, hasta tal punto que lo llevaron a un psiquiátrico en dos ocasiones, una por mezclas de pastillas y alcohol y la otra por ataques de nervios.

 

También siempre se ha dicho e incluso visto que las adicciones al alcohol y drogas han estado presentes en su vida. Posiblemente los problemas hepáticos y renales causados por los excesos hayan sido los causantes de la muerte, aunque esto de momento no se ha confirmado oficialmente. Para el recuerdo siempre quedarán grandes álbumes como Hatebreeder, Follow the Reaper y Hate Crew Deathroll (como se conocían por aquí en círculos de amigos, el verde, el azul y el rojo de CHILDREN OF BODOM).

 

Tuve la oportunidad de verlo en directo una sola vez, en Rock Fest Barcelona 2019 y la verdad es que dieron un concierto bastante insulso, no sé si debido a los problemas que ya arrastraba pero para mi fue una de las decepciones del festival. En definitiva, una persona reconocida dentro de la escena que nos deja y no hay peor noticia para empezar el año. Esperemos que sea la última. Mis condolencias a toda la familia, amigos y fans.

 

D.E.P.

 

Aquí el comunicado oficial:

 

«Fallece el guitarrista Alexi Laiho.

 

Falleció uno de los guitarristas más reconocidos del mundo, Alexi Laiho. El músico, más conocido como el líder de Children of Bodom, murió en su casa en Helsinki, Finlandia, la semana pasada. Laiho había sufrido problemas de salud a largo plazo durante sus últimos años.

 

Alexi Laiho y el baterista Jaska Raatikainen fundaron Children of Bodom en 1993 y la banda fue uno de los actos de metal más aclamados internacionalmente en Finlandia hasta su último concierto de despedida en diciembre de 2019. El año pasado, Alexi Laiho armó Bodom After Midnight, quien grabó tres canciones y filmó un vídeo musical, que será lanzado más adelante póstumamente.

 

Además de Children of Bodom, Laiho era conocido por actuar en Warmen, Sinergy, Kylähullut y The Local Band. Galardonado con un Metal Hammer Golden Gods y varios otros premios internacionales, el guitarrista también fue la estrella principal, liderando a un grupo de cien guitarristas en el Festival de Helsinki en 2015 en ‘100 Guitars From Hell’, una enorme pieza de concierto que compuso.

 

Estamos destrozados por el repentino fallecimiento de nuestro querido amigo y miembro de la banda. ‘Las palabras no pueden describir este impacto y la profunda tristeza que sentimos’, Daniel Freyberg, Mitja Toivonen y Waltteri Väyrynen de Bodom After Midnight.

 

El talentoso guitarrista y músico disfrutó de sus papeles como padrastro en su familia, y como tío y padrino. Especialmente durante los últimos años, los importantes lazos familiares trajeron un equilibrio bien recibido a su vida y la gira activa. Laiho era particularmente cercano a su hermana mayor, sus padres y la hija de su hermana. La hermana de Laiho dice ‘Estamos todos absolutamente consternados y devastados. Pedimos privacidad y comprensión durante estos tiempos difíciles. El funeral de mi hermano pequeño se llevará a cabo en privado’.

 

Alexi Laiho también será profundamente extrañado por su familia en Australia.

 

‘Alexi fue el esposo y padre más cariñoso y magnífico. Nuestros corazones están eternamente destrozados’, dice Kelli Wright-Laiho.

 

Los miembros restantes de Bodom After Midnight no conceden ninguna entrevista en este momento.

 

Jouni Markkanen – Gestión de Bodom After Midnight».

 

DREAM THEATER es sinónimo de calidad y punto. No hay mayor discusión. Cada producto que la banda edita destila profesionalidad y calidad por los 4 costados.

 

Desde que los descubriera a allá por el 1992 con el Images and Words, han llevado la calidad por bandera, en cada trabajo, en cada directo y en cada edición, dando a todos los fans un plus a la hora de decidirnos por comprar su material, porque su calidad como músicos es indiscutible y, para un servidor, son la mejor banda de metal progresivo.

 

Decir de antemano, que la edición más especial de este trabajo incorporaba los vinilos en color rojo, pero que un servidor, al no tener reproductor de vinilo, no ha comprado. Pero la edición que he comprado y que estoy disfrutando es en tamaño y formato vinilo, pero con los cds del directo más el propio directo en bluray y dvd.

 

Esta edición es la gira de “presentación “ de su último trabajo Distance over Time, más la interpretación de su Metropolis 2: Scenes from a Memory al completo ya que celebraban su vigésimo aniversario del disco, desde 1999 a 2019 aunque la gira se extendiera por 2020. Gracias a eso, un servidor pudo disfrutar del espectáculo del teatro de los sueños, en el Sant Jordi club de Barcelona, en una noche memorable, a pesar de los problemillas de sonido que tuvieron. Y de la edición de la que voy a comentar, es tan sublime, hermosa y fascinante que todas las palabras y adjetivos se van a quedar cortos.

 

Partimos de la base del tamaño, cercano en dimensiones al vinilo, con 7 discos, 3 cds con el concierto íntegro, 2 blu-ray y 2 dvd con el mismo material pero en audiovisual. La calidad de las fotografías que acompañan el libreto es sublime, espectacular y con un tratamiento de calidad y de cara al fan alucinante. No me canso de ver las fotos y rememorar la noche mágica que viví en Barcelona.

 

Y en cuanto al audio, conciertazo dividido en dos partes diferenciadas, al igual que en el concierto que pude vivir. La primera parte con temas de todas las épocas pero presentando temas de su ultimo trabajo Distance over Time. Enorme derroche de técnica y energía. Comenzando el concierto con Untethered Angel de su último trabajo, continuando con uno de los mejores temas para un servidor: A nightmare to remember. Acto seguido, continúan con la presentación de su Distance over Time, con los siguientes temas: Fall into the ligth y Barstool Warrior, para desgranar su In the presence of Enemys Part 1 de su álbum Systematic Chaos y Pale blue dot de su último trabajo, todo esto para completar el “acto 1 “ de este directazo.

 

Después de esto, parón para el “cambio” de escenario y la preparación de lo que es la segunda parte del concierto. La interpretación de su Metropolis 2 al completo.

 

No hay palabras suficientes para describir lo que se siente y lo que se vive al ver y recordar tan magna interpretación. Fue sublime, espectacular, apoteósica y todos los adjetivos que podáis poner. Y eso que en Barcelona, algún problema técnico con el sonido tuvieron, pero en esta edición, con los posibles fallos retocados, queda magna e imperial. Todo un disco entero, del principio al fin, sin saltarse una corchea ni un redoble. Sublime y demostración de lo que ya sabemos. Son la banda mas técnica de hoy en día.

 

Y si no hubiéramos tenido bastante, como bises, se marcan dos temazos como son At wit’s End y Paralized de su último trabajo Distance over time.

 

Y en la parte visual, disfrutar del concierto en imágenes con la calidad que le han imprimido, nos deja delante de una obra de arte. Conciertazo en imágenes, que comienza con una intro llamada Atlas, en la cual se ven imágenes del robot que protagoniza la portada del Distance over time, programando y moviendo imágenes de las portadas de la propia banda, tan espectacular como embaucador. Y del concierto en sí, en imágenes, es muy destacable la complicidad de toda la banda, sobre todo hacia y para con Mike Maginni, que después de varios años, parece haber hecho que la sombra de Mike Portnoy se haya desvanecido (aunque para un servidor, nunca se desvanecerá del todo).

 

Ver a Petrucci cómo ejecuta los solos y los riffs es un ejercicio de hipnosis, deleitarse con la forma de tocar el bajo de Myung no tiene parangón y lo de Ruddes a los teclados es simplemente de otro planeta. Lo de Mike Maginni a las baterías, es tan raro como espectacular. Su forma de clavar y tocar la batería me parece tan espectacular como inusual. Eso de levantar tanto los brazos para tocar los platos y los bombos pequeños mientras el resto del kit está en plano sobre sus brazos, y lo del doble pedal con un bombo en el centro, aparte de darle espectacularidad al kit, me parece de una complejidad a la hora de tocar bastante difícil, pero él lo ejecuta como si fuera un juego de niños.

Así que estamos ante uno de los lanzamientos del año, en cuanto a directos se refiere. Agradezco a los astros que se alinearan para que, después de una jugarreta del destino, me hicieran disfrutar de tan magno evento. Y agradezco la posibilidad que he tenido de poder adquirir esta edición tan especial y que con tanto cariño tendré entre mi colección, ya que creo que se marcaron una de las giras de la historia de la banda.

 

Recomendable al 100% a cualquier seguidor de la banda y para el que no lo sea también, ya que descubrirá la elegancia y la grandilocuencia de un género sublime, aparte de una calidad de producción tan enorme que difícil será que se pueda replicar.

 

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Granada y rock. Mezcla perfecta. Mis raíces y mi música se unen y me dan el privilegio de poder entrevistar a una grandísima banda con motivo de la edición de su primer disco completo, LP que se llamaba antiguamente, y que nos dan una lección de buen hacer y buena música. Ellos son SAEDÍN.

 

MK: Hola soy Enrique, redactor de Metal Korner y os doy las gracias de antemano por atenderme. La primera pregunta, obligada, por la situación tan irreal que vivimos, es ¿Cómo estáis de salud?

 

SAEDÍN: Muchísimas gracias a ti por la entrevista. Hasta el momento, ninguno de nosotros ha caído enfermo, y esto, vista la situación en la que estamos, ya es un logro. En lo que a la banda respecta hemos sido muy cuidadosos con mantener la distancia de seguridad y el uso de la mascarilla en el local de ensayo.

 

MK: Juntáis dos de las cosas que más me gustan, el rock y Granada (mi madre es de Granada). ¿Cómo surge la idea hace años, de montar una banda que una el rock y los rasgos arábicos que predominan en Andalucía y Granada?

 

SAEDÍN: La idea surgió cuando los cuatro miembros fundadores, todos excepto Antonio que se incorporó en 2018, nos reunimos en 2015 y recordamos las canciones que hacíamos cuando teníamos en 2004 una banda de heavy metal melódico llamada Abbadon. A Ángela, la cantante, se le ocurrió cantar los temas dándole un aire andaluz y decidimos que podíamos retomar la música haciendo un estilo completamente diferente. Los distintos matices y la inspiración en Granada ya fueron viniendo solos, conforme le dábamos forma al proyecto, y creemos que en este segundo disco, hemos logrado el definitivo estilo de SAEDÍN.

 

MK: Viendo vuestra biografía veo que este es vuestro primer disco como tal. ¿Qué se siente al editar el primer trabajo completo?

 

SAEDÍN: Entre Ríos es nuestro primer LP, cierto, Amor en Granada es un EP. Sentimos un gran orgullo del trabajo realizado, estamos muy satisfechos del producto final. Todo el esfuerzo que hay y que ha habido detrás merece la pena teniendo en cuenta, además, la aceptación que está teniendo entre el público y los medios.

 

MK: Entrando en materia, veo que la portada no es una portada al uso. Me ha recordado a las portadas ochenteras, con la imagen de los componentes del grupo sobre un fondo. ¿De quién fue la idea, o fue consensuada por toda la banda?

 

SAEDÍN: Inicialmente no era esa la idea, pero al ver el gran trabajo de Carmen Pascual que realizó un proyecto fotográfico espléndido, se llegó a la conclusión de utilizar alguna de las imágenes como portada. Como bien dices, en los ochenta era muy normal este tipo de trabajos que con el paso de los años y la llegada del diseño digital perdieron peso. Pensamos que podría gustar, ya que no es un tipo de portada que esté muy vista en esta época.

 

MK: Estamos delante de un gran disco, con muchos matices y muy rico. ¿Cómo habéis conseguido conjugar tantos estilos musicales y vocales?

 

SAEDÍN: Realmente todo va saliendo solo conforme vamos componiendo. En el origen de las composiciones están la voz y el piano, ahí ya hay una parte de la esencia de la banda que se plasma en los temas, melodías de voz y teclados que funden lo andaluz, lo arábigo y lo sinfónico. A eso luego le añadimos las bases metaleras, los ritmos progresivos, cada uno le da forma a su instrumento y va aportando ideas para la canción hasta que estamos completamente satisfechos con el tema. No hay unas reglas o una receta para que salga, ni pensamos en que tiene que llevar todos esos elementos, pero sí tenemos claro que nos tiene que emocionar, que tiene que haber riqueza musical, nos tiene que divertir y cuando todo hace que eso suceda, ya sabemos que es una canción de SAEDÍN.

 

MK: La voz de Ángela me parece algo tan sublime y especial que me deja embobado. ¿Dónde la conocisteis? ¿Cómo se suele decir, de dónde salió tanto arte?

 

SAEDÍN: Nosotros ya nos conocíamos desde antes de que surgiera SAEDÍN. Los miembros fundadores de la banda hemos estudiado en el mismo instituto y es ahí donde empezamos a hacer nuestros pinitos en obras de teatro y musicales. Fue en uno de ellos, la ópera rock de Jesucristo Superstar, donde escuchamos cantar a Ángela por primera vez. Fue en el año 1995. Hacía de María Magdalena y os podemos asegurar que es la representación más bonita que jamás hemos escuchado de este papel.

 

MK: En cuanto a lo musical, veo que tocáis muchos palos: Progresivo, rock, toques arábigos al más puro estilo Orphaned Land, solos y punteos a lo Maiden. ¿Cuáles son vuestros grupos de referencia?

 

SAEDÍN: Realmente no vas desencaminado con esos estilos y bandas que nombras. Cada uno escuchamos estilos de música muy diferentes, tanto dentro como fuera del rock y del metal, esto hace que haya riqueza en las composiciones, pero lo que nos une a todos es el metal y sí que hay bandas que a todos nos gustan como Dream Theater, Simphony X, Myrath, Nightwish o bandas españolas como Warcry o Avalanch… no hemos tomado ninguna como referencia, pero sí que en nuestra música se reflejan esas influencias de alguna manera.

 

MK: En cuanto a las canciones del disco, tengo una especial predilección por Ni Una Menos. Canción que habla de los maltratos a las mujeres y que cada vez que escucho me hace brotar lágrimas de impotencia. ¿Os habéis basado en alguna experiencia cercana o surgió sin más?

 

SAEDÍN: Afortunadamente se trata de una historia ficticia para nosotros pero que refleja a la perfección vivencias de mujeres reales, con nombres y apellidos. Hemos querido poner el foco en el ámbito del maltratador, instando a la sociedad a que no mire hacia otro lado cuando se encuentren con una situación como la descrita en la canción.

 

MK: Veo que le cantáis mucho a Granada. ¿Es toda la banda de Granada? ¿Todos compartís la pasión por Granada?

 

SAEDÍN: Granada es una tierra embrujada, mágica, cargada de historia y de leyendas. Es la tierra que nos vio nacer y crecer a los 5 integrantes de SAEDÍN.

 

MK: En cuanto a la parte letrista, ¿en qué os basáis para crear las letras, ya que veo que algunas son muy directas como Ni una Menos, pero otras como Mala Hierba o la Corazón Nazarí tienen más interpretaciones?

 

SAEDÍN: Hasta el momento son los hermanos Mesbailer los encargados de las letras. Ángela se centra más en experiencias personales haciendo letras muy directas y viscerales. Juanjo, por su parte, es más literario, basándose en vivencias de personajes que él mismo ha creado transmitiendo el mensaje a través de una historieta o cuento.

 

MK: En cuanto a la producción, el disco suena de lujo, con un sonido nítido y contundente. ¿Dónde habéis grabado?

 

SAEDÍN: La verdad es que el resultado ha sido increíble. Las baterías han sido grabadas en los Estudios FJR, con Cheluis como ingeniero de sonido. El resto de instrumentos, se han grabado en el Estudio de Antonio Ferrara que es nuestro productor. Él es el responsable de que hayamos logrado este sonido.

 

 

MK: Al hilo de esto, ¿Cómo ha sido el proceso de creación y grabación, sin poderos juntar en un estudio debido a la pandemia esta?

 

SAEDÍN: El proceso de creación no se vio afectado, ya que teníamos todas las canciones compuestas, pero sí se vio interrumpida la grabación debido a la pandemia. El disco estaba casi terminado antes del confinamiento, pero quedaban por grabar voces y guitarras de un tema, así que tuvimos que esperar a que se pudiera para terminarlo, y además posponer el lanzamiento del álbum y la grabación del videoclip. Todo estaba previsto para abril o mayo y al final ha sido en septiembre, pero creemos que la espera ha merecido la pena por el resultado.

 

MK: Tal y como está el panorama actual, ¿Cómo os planteáis la promoción de vuestro primer disco?

 

SAEDÍN: Pensamos que, en ese sentido, la pandemia va a favorecer a la difusión y expansión del álbum ya que la gente está más conectada a las redes sociales y medios digitales. La idea es mover el disco a nivel mundial. Pensamos que es un producto novedoso que va a funcionar bien no solo en España, sino también en países de Latinoamérica. Por otro lado, reforzaremos toda la promoción posible en medios digitales, radiofónicos, televisivos, etc.

 

MK: ¿Tenéis en mente, como otras bandas, hacer conciertos en streaming?

 

SAEDÍN: Lo hemos valorado y, por el momento carecemos de los medios suficientes para que el producto que le llegue al espectador esté dentro de los estándares de calidad que nos hemos autoimpuesto. Por este motivo y, pese a habérnoslo planteado, por ahora no vamos a participar en festivales en streaming.

 

MK: Viviendo como estamos viviendo esta historia de la pandemia, ¿Qué opináis de usar las redes sociales y plataformas digitales para daros a conocer?

 

SAEDÍN: Actualmente es el mejor método para darse a conocer. Intentamos estar muy presentes y le damos gran importancia en la banda. Estamos cruzando fronteras y siendo conocidos. Sin este tipo de plataformas sería muy difícil llegar a la gente tanto en España como fuera de ella.

 

MK: Cuando todo esto pase, si pasa, ¿se os podrá ver por Barcelona? Porque me encantaría estar ahí junto a mi padre (que le convertido en fan vuestro) viéndoos y cubriendo el concierto para Metal Korner

 

SAEDÍN: Eso es lo que más ansiamos, volver a los escenarios en cuanto se pueda y hacer gira. Esperamos que vayan surgiendo más fechas y entre ellas nos encantaría que esté Barcelona, ojalá se haga realidad y nos vemos pronto por allí.

 

MK: Por último, gracias por atenderme. ¿Queréis dejarnos algún mensaje a los lectores de Metal Korner y a vuestros seguidores?

 

Ha sido un placer pasar este ratito contigo. Animamos a todos los lectores a que le den mucha caña al metal y les invitamos a abrir la mente a las nuevas bandas cargadas de propuestas innovadoras.

 

Esto es todo. Una charla muy amena con SAEDÍN, una banda que dará mucho de qué hablar para bien, pues hacen un rock con toques arábigos de muchísimos kilates.

 

Pues aunque parezca mentira, no estamos ante un nuevo disco o una nueva formación. Resulta que HERÉTICA ya grabó este disco en 2007, pero tras un largo parón de 13 años, han decidido darle un nuevo enfoque y un nuevo arranque a la banda.

 

De los antiguos HERÉTICA solo quedan Jose Antonio Perez “Pete” y Javier Vijande y para esta nueva andadura han decidido contar con una colaboración de auténtico lujo: Pacho Brea a las voces. Andan a vueltas con la formación de banda estable, ya que pretenden meterse en estudio y editar nuevo trabajo, ya sí nuevo, con Pacho a las voces de nuevo y pretenden editarlo y sacarlo al mercado en el primer trimestre de 2021. Toda una declaración de intenciones.

 

El disco tiene una portada bastante buena con la representación del hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci en blanco sobre un fondo de sombras grises y negras, le da un toque enigmático muy sugerente. Y dentro nos encontramos con power metal de muchos quilates, toques neoclásicos, y reminiscencias a todos los grandes del género, desde Helloween, pasando por Ankhara, Avalanch, Stratovarius, Tierra Santa… en fin, infinidad de grupos de power que durante los 90 y los 2000 dieron el do de pecho.

 

Empieza el disco con Nubes negras. Tema power metalero al 100%, que te recuerda a los primeros Helloween o los primeros Ankhara, según venga el día. La voz de Pacho aquí está soberbia y el doble bombo es endiabladamente rápido y preciso y los coros son sencillamente geniales, se te clavan en el cerebro y ya no salen. Enrome tema y perfecto para empezar el disco.

 

Continúa el plástico con Mientras haya un sueño, un tema que arranca a toda máquina, con unos aires entre Mägo de Oz (de la época del Gaia 2) y Stratovarius que me han dejado noqueado. Es un tema  con coros grandilocuentes, melodías pegadizas y todos los elementos del power de manual. Retorno a la época dorada del género. Y con dos temas ya me han ganado.

 

Perder el miedo es el tercer corte, tema que comienza a toques de piano y que va evolucionando a variaciones de tempos, más rápidos y más lentos. Es un tema cambiante y que nos deja a un Pacho brillando por encima del resto, con unos juegos de voces dobladas muy interesantes. Aun hay quien llora es el siguiente tema y el que da nombre al trabajo. Y aquí la velocidad prima por encima de todo, los dobles bombos son apisonadoras, los teclados me recuerdan a Stratovarius sobremanera y las guitarras desgranan unos riffs vertiginosos. El ABC del power metal de los 90. Sin más, de lo mejor del disco y los estribillos y los agudos de Pacho te pondrán los pelos de punta.

 

Desterrados del Edén es el próximo envite y el tema más parecido a Ankhara, pero a los Ankhara de Dueños del tiempo. Enormes los cambios de ritmo de la batería y las melodías vocales de Pacho me han evocado tanto a los primeros Ankhara que he tenido que ponerme ese disco más de una vez. Mención especial al principio del estribillo con “mírame, padre cruel, porque no quieres hablarme, o tal vez donde estés, no haya un lugar para mí” frase que me pone los pelos como escarpias.

 

La piedra filosofal es el siguiente corte y aquí vemos a los HERÉTICA más sorpresivos, pues el tema tiene unos tintes power acercándose a vertientes más tranquilas e incluso cercanas a un medio tiempo denso con un teclado que envuelve todo el tema pero con una sorpresa, ya que en los estribillos vemos a los HERÉTICA más festivo. Unos estribillos folkies que bien te pueden recordar, de nuevo a los Mägo de Oz. Tema sorprendente sobre todo por las partes de los estribillos.

 

Y acaba el trabajo con el tema Isaac. Aquí HERÉTICA demuestran de lo que son capaces y hacia dónde quieren ir. Gran mezcla de ritmos, temas, ambientaciones, evoluciones progresivas y arte. Es un tema extenso, más de ocho minutos y donde dan rienda suelta a toda la musicalidad que albergan dentro: Ritmos cercanos al speed, interludios más calmados y voces épicas y dobladas, dan a entender hacia dónde enfocan su futuro musical y la verdad es que apunta muy bien y muy alto.

 

En resumen, lo que yo me esperaba como debut, ha resultado, después de indagar un poco, en una vuelta de una banda de los 2000 y que apuntan muy muy alto.

 

Habrá que tenerlos muy en cuenta para 2021 con su nuevo material, pues esta ”regrabación” me ha dejado muy buen sabor de boca después de varias escuchas.

 

Tracklist

1 – Nubes negras
2 – Mientras haya un sueño
3 – Perder el miedo
4 – Aun hay quien llora
5 – Desterrados el Eden
6 – La piedra Filosofal
7 – Isaac

 

Nota. Buscando por youtube, he encontrado el tema Desterrados del Edén en la versión original de 2007 y la versión de 2020, para que comparéis y veáis la evolución de la banda…

 

Descubrimiento enorme es el de esta banda procedente de Bangkok. Formados en 2007, MELODIUS DEITE practican una mezcla de power y metal sinfónico con tintes progresivos. Formados en principio por los hermanos P. Phanrath (Biggie y Bokkie) en la guitarra y la batería, se unen Oatdy Keartpanich a la segunda guitarra, Ohm Dejkong al bajo y Ake Keartpanich a la voz. En los primeros años se llamaban solo Melodius pero por unos problemas legales se cambiar el nombre a MELODIUS DEITE en 2012.

 

Tras 3 discos a cada cual mejor (por lo poquito que he podido escuchar) y evolucionando hacia un estilo mas progresivo y épico, dando rienda suelta a toda la técnica posible y la versatilidad de cada miembro, en este cuarto disco llamado Elysium y lanzado el 23 de octubre por Art Gates Records, tras varios cambios de formación en el transcurso de los años, presentan el siguiente line-up: Mashahiro Yamaguchi a la voz (ex-Galneryus), Biggie Phanarth a la guitarra, Chanin Sinkenn al bajo, Saton Tinnaluk a la batería y Diego Zapatero a los teclados.

 

En este cuarto trabajo mezclan con suma maestría los elementos mas característicos del power metal, del metal progresivo, del metal sinfónico y del death metal, dejándome atónito la capacidad de incorporar elementos de todos estos estilos en una misma canción. El disco tiene una portada sublime, preciosa y representativa de la mezcla de mundos con un guerrero robótico enfrentando con dos caminantes sobre un fondo de estatuas y torres. Es como si mezclaras el Señor de los Anillos con Transformers pero con una calidad suprema. Obra de arte realizada por Dusan Markovic.

 

Y en lo musical estamos delante de 11 temazos que mezclan todos los estilos descritos anteriormente. Empieza el plástico con Destructive Chaos, una introducción instrumental que como su nombre indica es como una orgia caótica de música. Todos los instrumentos dando rienda suelta a su creatividad e imaginación. Aplastante forma de empezar el disco. Continúa el disco con el tema Love or Lust, donde la voz de Yamaguchi, melódica y embriagadora se entremezcla a la perfección con los tintes power y progresivos del tema. Aquí dan las primeras muestras de las mezclas de estilos ya que también incorporan voces guturales y teclados sinfónicos. Toda la magia del grupo representada en un tema.

 

Gluttonous Being es el siguiente corte, algo más acelerado, más power metalero y donde Yamaguchi deja unos agudos más que interesantes. Grandes juegos entre guitarras y teclados destacan sobre todo el tema. Y La batería de Saton da muestras de lo que es cambiar de ritmos a la velocidad de la luz sin despeinarse, ¡qué barbaridad! El próximo tema es Covetousness. Tema que empieza con notas de piano clásico, rollo neoclásico y unos cantos de ¡Aleluya! que le dan un toque épico más que llamativo. Aquí aparte de la mezcla de estilos, se acercan algo más al speed e incluso en algunos pasajes me han llegado a recordar a Angra. Coros doblados y con guturales de fondo en los coros, le dan una nota muy extravagante que me ha encantado.

 

 

Acts of Failure es la continuación y aquí se desmarcan con un principio con unos teclados muy setenteros apoyados con unos guturales y un cambio a voz limpia para marcar el estribillo, todo en los primeros segundos del disco. Este tema me ha recordado mucho a una banda de aquí, a Orion Child, por la mezcla de estilos y voces. Tema muy interesante y con constantes cambios de registros. Sigue el disco con Wrath of the Zealots y aquí nos adentramos en la velocidad y la dureza. Registros super acelerados, voces limpias llegando a agudos casi imposibles, voces guturales mas presentes que en ningún otro tema, como si una batalla de voces se librara dentro del tema. Teclados dándole épica y guitarras haciendo solos inverosímiles. Toda la calidad y la creatividad al servicio de la música. Tema para escuchar muchas veces y poder extraerle todo el jugo que contiene.

 

Malicious Envy es el siguiente corte que comienza con unos redobles de doble bombo que me parecen casi inhumanos y que casi rozan el blast beat de bandas de black metal. Tema oscuro, denso, con unas orquestaciones que le dan un toque como cinematográfico. Pero tema que sobre todo, sobresale la batería de Sato, con una velocidad endiablada y con una facilidad para con el doble bombo que me ha dejado alucinado. Vainglorius Pride es la pieza que continua y el tema quizás mas clásico y fiel al estilo power metal pero con su visión del mismo. Velocidad, cambios de ritmo, coros grandilocuentes y guitarras y solos vertiginosos.

 

Seguimos con el tema Neo Utopia. Tema instrumental que sirve para ver la grandísima calidad de los músicos, y por qué no decirlo, también sirve para descansar un poco, después de la orgia de estilos por la hemos ido transitando durante los temas anteriores. Y vuelve la caña, con Novelist (new version). Este tema está originalmente en su disco Dream On de 2018 y lo que hacen es darle un lavado de cara al tema. En este tema la velocidad esta al servicio de la técnica. Doble bombo atronador y que no para, guitarras con aires neoclásicos y voces que llegan a extremos. Es power metal de corte más italiano, más cercano y parecido a Skeletoon. Es más, si no es porque sé cuál es el disco que estoy escuchando, diría que este tema es de los propios Skeletoon. Balazo directo a mi línea de flotación.

 

Y para finalizar tenemos un bonus track, Various Seasons. Otro tema instrumental, donde aparecen todas las influencias de la banda, pasando del power al progresivo con una facilidad asombrosa, con toques que van desde Dream Theater hasta Angra. Con melodías que incluso rozan el funky, la bosa nova, incluyendo un pasaje que me ha recordado a una canción de un videojuego de los 80 llamado Out Run. Vamos, una explosión de música y estilos para dar por finalizado este disco. Una clase magistral de entremezcla de estilos es este disco. Una gratísima sorpresa el descubrir esta banda y la demostración de que en cualquier parte del mundo pueden aparecer músicos con una calidad sublime y con un «arte» espectacular.

 

Disco y banda a tener muy en cuenta en un futuro, pues darán que hablar y mucho.

 

Tracklist

1. Destructive Chaos
2. Love or Lust
3. Gluttonous Being
4. Covetousness
5. Acts of Failure
6. Wrath of the Zealots
7. Malicious Envy
8. Vainglorius Pride
9. Neo Utopia
10. Novelist (New version)
11. Various Seasons

 

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Antes de comenzar esta review de BENEDICTION, vaya por delante que no conocía a la banda, como muchas del estilo, pero ¡vaya manera de descubrirlos! Este Scriptures me ha noqueado y dejado sin aliento y no me he podido resistir a la tentación de tenerlo entre mi colección de cds de casa.

 

Después de 18 años, que se dice pronto, BENEDICTION vuelve a editar un trabajo ¡y vaya trabajo!

 

Después de que Dave Hunt, cantante en los últimos años anunciara que abandonaba la banda por motivos personales, lejos de arrugarse y lamentarse, los británicos volvieron a contactar con Dave Ingram, antiguo cantante de la banda (de 1990 a 1998) para que formara parte de nuevo de sus filas. Y creo que ha sido una decisión muy acertada, ya que las líneas vocales de este disco son bestiales, duras y agresivas a más no poder. Como en muchas bandas del estilo, encontramos algunos cambios de miembros sirven para intentar mantener la llama de la banda y la actual formación es la siguiente:

 

Darren Brookes – guitarra
Peter Rew – guitarra
Dave Ingram – voz
Dan Bate – bajo
Giovanni Durst – batería

 

Y he de reconocer que debo ponerme con la discografía anterior, pero desde que escuché los primeros acordes del tema Stormcrow me quedé prendado de la banda y no pude evitar comprarme el disco. Con una portada a la altura del discazo, con un monje sin rostro en pose de santiguar al personal envuelto a izquierda y derecha por rostros de ánimas en pena, es sencillamente un artwork sublime que entra por los ojos desde la primera vez.

Y en cuanto a lo musical pues nos encontramos con death metal puro y duro. Nos enfrentamos a riffs oscuros y veloces, baterías apabullantes tanto en rapidez como el golpeo, bajos galopantes y una voz espectacular dentro del estilo. Son 12 trallazos de puro death metal de la vieja escuela. Directos a tu yugular y tu cabeza y que no te dejarán respirar ni descansar en todo el trabajo.

 

Y diréis. «¿Temazos? ¿Relleno?» Pues nada de relleno en todo el disco, y sí, todo temazos, de los cuales difícil se me hace destacar alguno. Pero si tengo que decidirme por alguno, el cuarto tema ya mencionado, Stormcrow, me parece un temarral lleno de energía y crudeza (también decir que ha sido el primer tema que he oído de la banda).

 

También es muy destacable el inicio del disco con Iterations of I, que es una bomba sónica directa a tu cerebro por la velocidad y la brutalidad que desprende el tema. Y el resto del disco, pues se mueve en los parámetros del death metal old school, temas muy directos y concisos, con muchísima caña y rudeza. También destacar el sonido, que a pesar de la caña y rudeza suena nítido y se oyen todos los instrumentos en su justa medida.

 

En resumen, enorme trabajo de una banda que lleva 30 años en la brecha, aunque para mí han sido desconocidos hasta ahora, y que, justo es decirlo, han ganado conmigo un nuevo fan.

 

Y partiendo de la base de que mis gustos musicales van por otros derroteros, reconozco que BENEDICTION me han ganado y mucho y recomiendo este disco a todo el mundo, tanto amantes del género (que seguro les encanta) como a neófitos en el estilo. Les enamorará tanto como a mí. Discazo y grandísimo retorno.

 

Tracklist

Iterations of I
Scriptures in Scarlet
The Crooked Man
Stormcrow
Progenitors of a New Paradigm
Rabid Carnality
In Our Hands, the Scars
Tear Off These Wings
Embrace the Kill
Neverwhen
The Blight at the End
We Are Legion

 

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Somos tontos. Así de sencillo. Veneramos a bandas foráneas por hacer música y tenemos entre nosotros a bandas que lo hacen incluso mejor que los extranjeros y casi ni les hacemos caso. Casos como Deldrac, Cyan Bloodbane, Predicador o los propios ALYANZA me reafirman en lo que digo. Tenemos grandísimas bandas y a gran nivel dentro de nuestras tierras.

 

Estos ALYANZA, vaya por delante, que los he descubierto a raíz de darme la oportunidad de reseñarlos y vaya, ¡qué buenos son! Una mezcla super interesante de estilos, partiendo de la base del thrash metal pero con elementos más powermetaleros, incluso algún acercamiento al black y al speed y con una voz tan particular y tan similar al cantante de Ensiferum Petri Lindroos que hacen de este disco y de esta banda un autentico torbellino sonoro.

 

Formados en Badalona (Barcelona) en 2003 como quinteto y practicando algo más parecido al power metal empiezan a despuntar y compartir escenario con bandas como Centinela o Tierra Santa. Poco a poco van endureciendo su sonido hasta acercarse al thrash que practican actualmente. Se convierten en trío y van a tocar un par de veces a Rock Fest Barcelona (casi nada) compartiendo cartel con bandas como Onslaught o Sodom.

 

En 2017 tras varios cambios se consolida la formación y graban su tercer disco Gods y este 2020 nos presentan su cuarto trabajo, Life, Human… y pedazo de disco que se marcan. La banda la forman actualmente Andrés al bajo y voces, Albert a las guitarras, Alfons a la batería y Marta a los teclados y coros. La portada es bastante interesante: un humano transparente dominando el mundo desde el espacio. Que cada uno saque sus propias conclusiones.

 

Y vamos al turrón, a la música. Vaya por delante, como comenté antes, que es el primer trabajo de la banda que escucho. Del resto de la discografía en breve le pondré remedio y me pondré al día con todos sus discos, porque la mezcla de estilos me parece flipante. Empieza el disco con Life, Human… y ya me han ganado, sin más, caigo rendido a sus pies. Riffs poderosos a caballo entre el thrash y el power, batería atronadora y la voz de Andrés retumbando y gritando por mi cabeza, con un estribillo al más puro estilo Blind Guardian, con una melodía super pegadiza. Ya está, me han enamorado con un solo tema. Sublime.

 

Continua el disco con Star of Heaven y los primeros acordes me recuerdan a unos Edguy o Gamma ray, power metal de muchos kilates, con los coros de Marta entremezclados con la voz de Andrés, le dan una fuerza inusitada al tema. En algunos pasajes me recuerdan al tema Andromeda del último trabajo de Ensiferum, para que veáis la entremezcla de estilos. New R-Evolution es el siguiente tema, thrash metal puro y duro, del estilo Destruction o Sodom, bases super contundentes y riffs asesinos. La voz de Andrés retumbando y dándole una agresividad al tema apabullante. Trallazo es el adjetivo adecuado.

 

Directions es el siguiente tema, uno de los largos, ya que son casi 8 minutos, con un principio instrumental denso y lento. Aquí la banda da muestras de su calidad como músicos y cuando parece que solo es un tema instrumental, comienza la tormenta sonora. Doble bombo a piñón, bajo galopante y guitarras afiladas, dándole una contundencia al tema bestial. Un tema a medias entre thrash y power super interesante. Duality es el siguiente tema y aquí el principio parece black o death metal, por la rapidez de la batería, pero sorpresa, a la hora de enfocar los coros, me han recordado a Sentenced, por la melodía y la voz limpia. Temazo super interesante en el que entremezclan el death y el gothic o doom metal. Alucinante como transitan entre estilos.

 

Bad Emotions es el siguiente tema y lo siento, pero este tema es Deldrac 100%. Thrash metal de 1000 kilates. Velocidad al servicio de la técnica, voz rompedora y teclados que le dan una solidez al tema envidiable. Tema ideal para mosh pit en los conciertos, si volvemos a ellos. Something es la siguiente canción, algo de pausa en el disco, que también se agradece. Un medio tiempo con voces limpias entre Andrés y Marta, que le dan una dulzura el tema muy interesante. Un respiro después de tanta tralla.

 

For The Glory es el retorno a la caña. Un tema que empieza con un doble bombo de batería que te recordará a los grupos alemanes de power, sea cual sea, tanto Blind Guardian o Primal Fear. Interesante tema de power metal que se desmarca del thrash y otros elementos de los anteriores temas. Como vengo diciendo me encanta la mezcla de estilos que practican partiendo de la base del thrash metal. Coexistence of Evil es el siguiente trallazo que nos dan. Empieza con una guitarra y una voz que te pueden transportar a cualquier mundo apocalíptico, denso y enigmático pero esto no dura mucho porque cuando empiezan los riffs de guitarra y las mezclas de voces afiladas y guturales te dejan extasiado, anonadado por la dureza y crudeza del tema. Caña pura y dura. Cambios de ritmo constantes a cada cual mas cañero. Este tema me deja agotado de tanto hacer headbanding y eso que no tengo pelo…

 

Lie, Rotten, False es el ultimo tema y aquí sacan a relucir toda su caña y por qué no decirlo, su macarrismo. Tema al mas puro estilo Motorhead, caña, rapidez y rebeldía por todos los lados. Cada vez que lo oigo me dan ganas de salir a la calle y empezar a gritar que ya está bien de tanta tontería.

 

Resumiendo, como dije al principio, tenemos enormes bandas aquí y que debemos de darles visibilidad y apoyo porque lo hacen igual o mejor que bandas de fuera. Grandísimo trabajo y que me pone cada vez mas difícil elaborar un top anual. Pero a fe que estos ALYANZA y su Life, Human… entra seguro en mi top, porque me han dejado con «el culo torcido» ante tanta calidad y tanta tralla.

 

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Tracklist
01. Life, Human…
02. Star of Heaven
03. R-Evolution
04. Directions
05. Duality
06. Bad Emotions
07. Something
08. For the Glory
09. Coexistence
10. Lie, Rotten, False

 

VHÄLDEMAR, la banda de heavy metal procedente de Bizkaia está de vuelta. En este 2020 tan asqueroso, da gusto encontrarse con «pelotazos» como este Straight to Hell, motivo más que suficiente para dedicarles una entrevista para que nos cuenten cómo se forjó este trabajo y cuáles son sus planes de futuro. Hemos podido charlar con Carlos Escudero (voz) y Jonkol Tera (teclista). ¡Allá va!

 

METAL KORNER: Hola, me llamo Enrique, redactor de Metal Korner. Encantado de poder charlar con vosotros. La primera pregunta es casi obligatoria. ¿Cómo estáis físicamente? Dado los tiempos que corren con la maldita pandemia esta…

 

C: Por lo que yo sé nosotros y los nuestros bien, esperamos seguir así, aunque viendo cómo está el mundo…

 

JK: Pues por lo visto yo estoy peor que Carlos, estoy notándolo mucho a nivel mental y eso termina repercutiendo en lo físico, y en todo. La frustración por no poder llevar una vida normal como hace menos de un año no para de crecer… y más viendo que la cosa no mejora.

 

MK: Entrando ya en materia, primero felicitaros por el discazo. Ya con Against All Kings rompisteis moldes y con este Straight para mí lo habéis superado. ¿Os marcasteis como meta superar el anterior disco, o simplemente le disteis rienda a la creatividad?

 

C: Yo por mi parte desde siempre he intentado hacer todo lo mejor posible y con ganas de disfrutar con ello, pero tanto en la música como en la vida.

 

JK: Creo que la meta no solo tiene que ser superar cualquier trabajo previo, si no buscar hacer el mejor de tu vida. Nunca dejamos de evolucionar y aprender, y eso conlleva aplicar más experiencia en cada trabajo.

 

MK: No sé si tenéis la misma impresión que yo, pero este disco me recuerda mucho a Metallium en cuanto al sonido de las bases rítmicas, muy poderosas y afiladas. ¿Ha sido predeterminado el buscar ese tipo de sonido?

 

JK: Pues hace mucho que no sigo a Metallium, en su día me gustaba mucho Steel Avenger. Imagino que VHÄLDEMAR tiene influencia de esa hornada de grupos alemanes de los 90 y eso hace que se puedan encontrar similitudes.

 

MK: En otro orden de cosas, este disco quizás suena un pelín más melódico, o al menos es mi impresión. ¿Tenéis la misma percepción?

 

C: Creo que en cualquier gran disco de Heavy Metal la fuerza, la melodía, el sentimiento… tiene que ir de la mano, porque en eso se basa este estilo que tanto nos gusta a todos.

 

MK: La voz de Carlos cada vez suena mejor, dura y contundente a la par que con un toque macarra que me encanta. ¿También ha sido predeterminado el buscar ese tonito más macarrilla?

 

C:  Jaja, será que estoy acabando de reventar mi garganta ya, jaja, o el puto productor Pedro J te exprime hasta morir, jaja, él tiene la culpa de todo siempre.

 

MK: Es necesario decir que mi inglés es pésimo. Veo que en todos los discos o casi todos, dedicáis una canción al Old King. ¿Es como una conexión entre los discos, un tema conceptual a seguir?

 

C: Sí, es un poco conceptual pero no necesariamente continua, viene un poco a cuenta que la primera parte del primer disco era un poco larga y la tuvimos que dividir, así que luego la idea fue continuarla en el segundo y luego se nos fue de las manos, jaja, y ya es una tradición, ¡qué cojones!

 

MK: Y en caso de ser un tema conceptual. ¿os planteáis sacar un trabajo entero sobre el Old King?

 

C: Bueno… nunca se sabe, con esta banda que cada cual anda más tocado cualquier cosa puede pasar, jaja

 

JK:  Si me preguntaran a mí, diría que no… pero como dice Carlos, ¡aquí todo es posible!

 

MK: Dado la situación actual de pandemia y el frenazo de conciertos y demás, ¿os planteáis realizar conciertos vía streaming o con los aforos limitados?

 

C: A mí personalmente no me hace mucha gracia, pero dado que henos sacado el disco y tenemos ganas de hacer shows, y parece que la gente tampoco puede esperar porque no se sabe lo que puede durar esta hostia pues vamos a hacer alguno con aforo limitado sentado, en noviembre en Donosti, y el 26 de Diciembre en Bilbo con dos actuaciones en la misma noche para que pueda asistir el mayor numero de gente. Es algo que no hemos hecho nunca, ¡y vamos a muerte!!

 

JK: Aunque muy recientemente se está limitando muchísimo la movilidad en Euskadi, y eso va a dificultar sobremanera el llevar a cabo eventos, incluso habiendo medidas de seguridad nunca antes vistas.

 

MK: Hablando del disco en sí, la portada me parece alucinante. La mejor de todas las anteriores. Habéis contactado con Darkgrove, portadista de Battle Beast y Manowar entre otros. ¿Por qué habéis cambiado de portadista?

 

C: Queríamos algo más, y en cada disco buscamos algo más, pues en la portada también. Vimos trabajos suyos, nos gustaron, aportamos nuestra idea, nos entendimos perfectamente y estamos encantados con el resultado.

 

MK: En cuanto a temas, habéis metido de todo, temas más rápidos, temas más power. Para mi Death to the Wizard! y Hell Is On Fire son de lo mejor del disco. ¿Cuál serían vuestros temas más destacados?

 

JK: Mi predilección por el power me hace tirar hacia temas como Afterlife o Damnation’s Here, pero en este disco hay temas como Old King’s Visions VI o Fear que me transmiten algo diferente. Con todo así, en el fondo a todos los temas les veo algo diferencial y es algo que se nota en que no nos ponemos de acuerdo con qué temas llevar al directo.

 

MK: El tema Black Mamba, a pesar de mi pésimo inglés y de que todavía no tengo el libreto, creo que habla o va dedicada a Kobe Bryant, fallecido en un accidente aéreo. ¿Es correcta esta afirmación?

 

C: Sí, me lo pasó Pedro y cuando fui a ponerlo letra sucedió lo de Kobe y quise hacerle ese homenaje porque he sido seguidor suyo desde siempre y me inspiró mucho, él era un trabajador duro, incansable, perfeccionista y siempre iba con todo a ganar, esa mentalidad intento tener yo y mi banda siempre.

 

MK: Ya sé que es complicado hablar de futuro, pero debo preguntar. ¿Qué planes de futuro tenéis?

 

C: Yo ahora me iré a la cama, jaja y mañana intentaré que VHÄLDEMAR llene los estadios más grandes del mundo cantando sus canciones, como siempre.

 

JK: Sobrellevar esto de la pandemia lo mejor posible, aunque no es fácil, y cuando termine ya veremos qué pasa… hasta entonces es difícil prever gran cosa.

 

MK: En cuanto a la grabación, ¿Os pudisteis juntar para grabar o lo hicisteis aprovechando las nuevas tecnologías?

 

C: Yo siempre grabo con Pedro J El Fiera delante de mi, así llevo 20 años y así seguiré. El día que le tenga que ver por una pantalla que cante su primo el Jony, jaja.

 

JK: En cuanto a los teclados no quedó más remedio que hacerlo en casa, y pasárselo a Pedro aprovechando la tecnología, como comentas. Después, él se encargó de todo jajaja.

 

MK: Como banda siempre habéis cantado en inglés y os ha ido de puta madre para abriros en el mercado europeo, pero, ¿os planteáis cantar en castellano algún tema o quizás algún disco?

 

C: Desde que empecé lo hice así porque para mí es idioma del heavy metal, es el idioma en el que me llegó de todas las grandes bandas del mundo, y nunca me lo he planteado de otra forma.

 

JK: A mí personalmente nunca me ha gustado demasiado el castellano para el metal. Antes haría temas en euskera para VHÄLDEMAR jajaja.

 

MK: Un placer haber podido entrevistaros. ¿Cómo os gustaría despediros de los lectores de Metal Korner y de vuestros fans?

 

VHÄLDEMAR: Gracias a todos por seguir apoyándonos durante tantos años y esperamos que disfrutéis de nuestro último disco Straight to Hell!!! ¡¡¡Heavy Metal a muerte!!!

 

Muy buen debut de estos MENTALIST de la mano del grandísimo Thomen Stauch (ex-Blind Guardian). Me encanta esto de descubrir música y gracias a una sugerencia de Facebook, descubro a una gran banda de power metal con unos toques melódicos muy apasionantes. Decir que la banda se forma en 2018 de la mano de Peter Moog y Kai Stringer, los dos guitarristas que contactan con sus amigos Thomen Stauch y Florian Hertel (batería y bajo respectivamente) para completar la banda y ya en 2019 Rob Lundgren se une como vocalista para dar por finalizada la formación de la banda e iniciar el proceso de grabación de este debut que se edita en 2020 via Nuclear Blast Records.

 

La banda entonces queda formada por Thomen Stauch a la batería, Peter Moog y Kai Stringer a las guitarras, Florian Hertel al bajo y Rob Lundgren a las voces. Y además han tenido las colaboraciones de Daniel Heiman (ex-Lost Horizon) a las voces en el tema Belief y Oliver Palotai (ex-Kamelot, ex-Doro) a los teclados. La portada ha corrido a cargo de Thomas Ewerhard (portadista de Avantasia) y la mascota que se llama The Mentalist, también es obra de Thomas, basándose en los sueños sobre como quería que fuera su banda de Peter Moog. La portada me parece muy bonita y un fiel reflejo de la sociedad actual, mediante el uso de los medios de comunicación manipulados por el poder (asco de políticos).

 

¿Y en lo musical qué nos encontraremos? Pues he decir que es un disco que no es fácil de asimilar de primeras. El estilo que practican a caballo entre el power, el heavy metal y el metal en su vertiente más melódica, cuesta de entender de primeras. Aparte las canciones son largas, sobre los 5 minutos de media cada una. Ahora sí, una vez que asimilas todo lo que exponen, no puedes dejar de oírlo. También decir que juegan con la ventaja de tener en sus filas a Thomen Stauch, que quieras o no, su nombre y vinculación a Blind Guardian es un punto a favor para al menos prestarles atención. Estamos hablando de 12 canciones más una intro, donde nos desgranan lo que son los puntos clave de los géneros del power, del metal y del melódico. Voces y coros pegadizos y grandilocuentes, cambios de ritmo frecuentes dentro de cada tema, riffs contundentes y una pegada espectacular de la batería.

 

Tras la intro Metasphere nos golpea en la cabeza el tema Freedom of the Press, un pelotazo de power metal melódico donde ya se aprecia que la cimentación de la banda esta en la pegada de las baterías de Thomen y la voz de Rob que le dan la velocidad y la fuerza a los temas juntándose con la gran capacidad vocal de Rob en las melodías. Tema con un estribillo super pegadizo y con constantes cambios de ritmo pero sin perder la velocidad del power metal de toda la vida. Continúan con Life, segundo corte, este algo más calmado. Un medio tiempo donde los redobles de doble bombo de Thomen destacan por encima de todo. Los riffs de los interludios del tema son ideales para saltar con el puño en alto y los coros son coreables al 100%.

 

Whispering Winds es el tercer tema y ya nos encontramos con una especie de balada. Digo especie por la calma que transmite el tema, un parón algo extraño en el disco, siendo el tercer tema, pero bueno. Buen y cálido tema, lento, para abrazarte a tu pareja y soñar juntos. Es lo que me apetece hacer cada vez que lo escucho. Digital Mind es el siguiente tema. Power metal de manual que en algunos pasajes nos recuerdan a los antiguos Blind Guardian, con los cambios de ritmo de la batería, las aceleraciones de riff y doble bombo cercanas a los propios Helloween de los 80 y unos coros grandilocuentes a más no poder. Estilo noventero en todo el tema Belief es la continuación, tema donde colabora Daniel Heiman en las voces. Otro tema ABC del power metal. Muy destacable la parte central, donde las mezclas de voces le dan un empaque bastante épico al tema. También destacable la «agresividad» de Rob en el mismo, con más agresividad que en otros temas.

 

 

Your Throne es el siguiente tema y donde más se acercan al speed metal. Tema que va ganando en velocidad a medida que avanza y donde los coros tienen un protagonismo destacadado. Aquí Rob se luce en los agudos, sin abusar, pero dando muestras de hasta donde puede llegar. Isolation es el próximo tema y nos encontramos con otro parón, otro medio tiempo cercano a la balada donde como en la anterior Whispering Winds dan ganas de abrazarte a alguien, soñar y desaparecer. Otro tema con mucho sentimiento donde las punteos de guitarra hablan por si solos.

 

The Deal y Devil’s Game son dos temas pero en realidad es uno, ya que el primero es como una intro que empalma con el segundo. Son quizás los dos cortes más épicos y extraños, ya que ni se llegan a acercar al power y el heavy, pero tampoco entrarían en el melódico. Es un tema donde los constantes cambios de ritmo y de estilo te dan a entender que se reivindican como músicos. Tema extraño para mi Price of Time es el siguiente tema donde nos vuelven a dar una lección de power cercano al speed. Nada nuevo, pero que si te gusta el género, disfrutarás seguro.

 

Run Benjamin es el tema más largo del disco. Más de 8 minutos donde los músicos se explayan dando el do de pecho, demostrando lo buenos que pueden ser con sus instrumentos. Tema donde nos llevan de las partes más rápidas a las más pausadas sin darnos cuenta y donde la parte central, desde el minuto 3:30 hasta el 6:30 cada uno de los músicos demuestra su virtuosismo y nos dan una lección de instrumentalización para luego desembocar en la épica oda del final del tema.

 

Y para finalizar Whispering Winds en versión orquestal. El mismo tema que el original salvo que no hay partes liricas y le añaden orquestaciones. Resumiendo, muy buen disco de debut, que reconozco que cuesta de asimilar de primeras pero luego resulta muy muy interesante, sobre todo para los amantes del power y el metal melódico. Esperemos que no sea flor de un día y nos den más «mierda de la que nos gusta».

 

Tracklist
1. Metasphere
2. Freedom of the press
3. Life
4. Whispering Winds
5. Digital Mind
6. Belief feat Daniel Heiman
7. Your throne
8. Isolation
9. The Deal
10. Devil’s Game
11. Price Of Time
12. Run Benjamin
13. Whispering Winds (versión orquestal)

 

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