⁠THE GROGGY DOGS⁠ es una de las bandas más especiales del panorama nacional gracias a su explosiva mezcla de folk, ska y punk metal. Tras nacer en medio de la más pandémica tempestad, el quinteto sevillano visitará este año Holanda, Italia y otros puertos europeos para continuar con la presentación de su último disco, Still’ Grogin, publicado a finales de 2022. En Metal Korner con Pilar Martínez, Fátima Caballero, su violinista y bruja vudú particular, nos desvela como es la vida pirata en THE GROGGY DOGS y nos narra con detalle cómo son sus abordajes y cuáles son sus fuentes de inspiración. 

 

La formación capitaneada por Mauro Blanco huye de la idealización épica de la vida pirata y se centra en las historias más cotidianas y festivas que sucedían durante las largas horas de navegación. Al ser creada durante los tiempos del confinamiento, el objetivo de THE GROGGY DOGS no es otro que invitar al oyente a que quede con sus amigos para reír, beber y brindar por las cosas buenas de la vida. No obstante, no se debe caer en el error de creer que la tripulación andaluza no está involucrada con el rigor histórico, sino todo lo contrario. En palabras de Fátima Caballero, están tan comprometidos con la piratería que siempre están leyendo e informándose sobre ella para poder contar sus relatos desde una visión bastante realista.

 

 

Pero ser pirata no siempre es sencillo, sobre todo, en un país como España donde el folk metal no termina de ser uno de los subgéneros del metal más escuchados. Aun así, los muchachos no se quejan, porque gracias a su actuación hace unos años en el evento italiano Triskell Festival, la comunidad pirata europea les ha abierto las puertas de sus corazones y, por ende, de sus escenarios. De ahí que sus algunas de sus próximas fechas sean en el Triskell Fest de Italia (30 de junio), en el Maia Folk de Portugal (13 de julio), en el Keltska Noc de República Checa (18 de julio), en el archiconocido Castlefest de los Países Bajos (3 y 4 de agosto) y en el Middeleeuws Winschoten también en Países Bajos (16 y 18 de agosto). En España, se les puede ver mañana en el Festival Graveras de Sevilla, en el Condado Rock de Rociana (Sevilla, 6 de julio) y en la Sala Even, en Sevilla, donde cerrarán su tour el 19 de octubre antes de entrar al estudio a grabar su nuevo disco.

 

Para saber más de la travesía de THE GROGGY DOGS y sus múltiples aventuras, tienes la entrevista disponible en Spotify, donde, podréis disfrutar de más charlas con algunos de los músicos de las bandas más relevantes del panorama. Esto es Metal Korner con Pilar Martínez, ¡ahoy!

 

CELTIBEERIAN es una de las bandas de folk metal más consolidadas del panorama nacional. Con 13 años de trayectoria a sus espaldas, la formación capitaneada por Dagda y Gus autopublicó su quinto álbum de estudio, Nertos, después de enfrentarse a mil y una vicisitudes. En la nueva sección en formato podcast, Metal Korner con Pilar Martínez, Dagda nos cuenta en detalle como han sido estos dos últimos años en los que han cambiado casi por completo de formación, han lanzado su nuevo disco y, además, han perdido a su agencia de representación por el camino.

 

En palabras del propio Dagda, no han sido tiempos sencillos, pero el trabajo, el esfuerzo y la dedicación han merecido indudablemente la pena. Pues Nertos no es solo el trabajo más maduro y directo en cuanto a sonido de CELTIBEERIAN, sino también el más autobiográfico. A través de sus temas, que pueden escucharse de fondo en la entrevista, la agrupación emplea la música para transmitir la rabia, impotencia, alegría o felicidad que han sentido sus miembros a lo largo de sus vidas. Sin olvidarse, por supuesto, de sus pertinentes odas a la bebida, el jolgorio y la hermandad.

 

 

El músico de Córdoba, afincado ahora en el País Vasco, aprovecha, de paso, esta oportunidad para hablar de una gira que este año los lleva de nuevo a Francia y por primera vez a Italia. Este viernes, 19 de abril, CELTIBEERIAN estará en Le Haillan junto a Boisson Divine; y el sábado, actuará en el concierto de presentación del festival Lid Ar Morrigan junto a Sorcières y Sarmate. Sus siguientes fechas confirmadas son en la localidad vasca de Ermau (11 de mayo) y en el nuevo acontecimiento de folk metal, Liruprint Fest, que se celebrará el 25 de mayo en Motilla del Palancar (Cuenca).

 

Para saber más sobre la odisea más ardua a la que se ha enfrentado CELTIBEERIAN, tienes la entrevista disponible en Spotify, donde, dentro de muy poco, podréis disfrutar de más charlas con algunos de los músicos de las bandas más relevantes del panorama. Esto es Metal Korner con Pilar Martínez y no ha hecho más que empezar.

 

Por Rafael González de Lara

 

Gotemburgo, cuna de insignes bandas como AT THE GATES, IN FLAMES o DARK TRANQUILITY; es conocida en el mundillo del metal como una de las capitales del death metal melódico. Y aunque su edad dorada ya pasó hace décadas hoy se mantiene como una de las ciudades con más conciertos de metal de todo el norte de Europa, una de las regiones donde este estilo musical goza de mayor popularidad. Siendo así, os podéis imaginar las ganas que un servidor tenía de vivir la experiencia de asistir a un show de metal extremo en la ciudad.

 

Por casualidades de la vida coincidió que los encargados de hacer realidad dicho anhelo fueron tres bandas suecas: THE CROWN, NIGHT CROWNED y SARCATOR. Tres bandas de entre las que antes de mirar el cartel solo conocía a la más famosa: THE CROWN. Sin embargo, no pasó mucho tiempo hasta que me volví fan también de las otras dos. La noche del 9 de septiembre prometía.

 

Llegado el día,  lo primero que llama la atención al entrar en la sala es que el escenario tiene telón. Aunque en ese momento no se viera a mucha gente por ahí, en cuanto se abrió el telón y la primera banda, ni corta ni perezosa, comenzó a descargar su artillería, la sala se fue llenando.

 

SARCATOR son cuatro veinteañeros melenudos que tocan fundamentalmente una mezcla de thrash y black metal. Thrash al estilo más destructivo posible, como el SODOM del principio; y black primitivo y sucio, como los inicios de MAYHEM. El sonido es siempre crudo y rabioso, como VENOM dictaría; pero los ritmos no siempre son rápidos. También dejan mucho espacio para secciones más lentas e imponentes, cosa más notable en su segundo disco, Alkahest. Aparte de todo lo mencionado, es notable también una faceta más rockera, al estilo de MOTÖRHEAD, lo que termina por definir a SARCATOR como una banda comparable a agrupaciones de blackened thrash metal tales como BASTARDIZER.

 

A pesar del carácter de la música, dada la escasez de asistentes jóvenes, desgraciadamente el concierto discurrió sin pogo alguno. No obstante, el regusto que dejó fue bueno, ya que el público gritaba cosas en sueco entre canción y canción y coreó las partes más rítmicas con un “¡hey!” y elevando el puño al aire. Una pena que la actuación fuera tan corta.

Después de un descanso de no más de 20 min empiezan los locales NIGHT CROWNED, que llevan estética blacker moderada, con ropa oscura mayor o menormente casual y algo de pintura negra en la cara. El cantante y el baterista tienen unas pintas tipo odinistas, que congenian especialmente con las canciones de su segundo disco Hädanfärd, que está en sueco.

 

En cuanto a la música, es un black metal que recuerda al de THY ANTICHRIST, basado sobre todo en ritmos muy rápidos y gritos agudos sustentados en el excelente trabajo de la batería y la voz principal. El cantante demuestra su versatilidad al clavar también los guturales más convencionales, mientras que el baterista hace blast beats a velocidad ultrasónica con multitud de arreglos.

 

De hecho, lo único que prácticamente siempre va super rápido es la percusión, ya que NIGHT CROWNED tiene también muchos temas más bien melódicos donde en muchas ocasiones las guitarras y el bajo dejan a un lado la agresividad para dejar paso a la melancolía. Es como el soundtrack perfecto para una batalla contra las hordas del infierno. Epicidad diabólica.

 

Hay solos virtuosos y partes muy tranquilas donde se puede oír una música de fondo o un canto en limpio perpetrado por uno de los guitarristas, como en la famosa Ira. Al contrario que SARCATOR, estos sí tratan de sonar «limpios»; por decirlo de algún modo. Y lo habrían conseguido al completo de no ser porque a veces se escuchaba algún que otro acople.

 

Pasó un buen rato hasta que llegó el plato fuerte de la noche, THE CROWN, que empieza con el bombardeo desde el minuto cero, rápidamente creando una atmósfera atronadora y belicista muy agresiva que se refleja también en su atuendo. Estéticamente los cinco tienen un aspecto muy death metal. Van todos con camisetas sin mangas, ya sean de grupos o tan solo negras.

 

Su música es principalmente thrash/death, pero en sus primeros discos también se puede oler bastante black metal. En canciones como Blitzkrieg Witchcraft hacen gala de su lado más thrasher, con solos chillones y simples a lo SLAYER y un estribillo bastante coreable que queda muy bien con la atmósfera gamberra. Los guturales no suelen ser ni muy graves ni muy agudos, ni tampoco muy profundos; tanto por parte del cantante principal como por parte del guitarrista ecualizado a mejor volumen, ya que el otro sonaba demasiado bajito -a pesar de que parecen ser los dos lead-.

 

Lo anterior mencionado es el único fallo que vi en la actuación, ya que ciertamente es una banda muy consolidada y original. No se me ocurre ninguna otra con la que relacionarlos directamente. La sensación que dan es la de un ejército de bárbaros devastando una aldea. Pero no todo es brutalidad, también en algunas canciones se ponen más majestuosos. Es usual que una de las guitarras destaque por encima de dicho bombardeo haciendo un punteo más melódico, recordando tal vez al estilo del último disco de DESTRÖYER 666. Un perfecto ejemplo de la fusión de estas dos facetas es I Won’t Follow, canción con la que se formó el primer mosh pit de la noche. De ahí en adelante el entusiasmo no dejó de crecer. La sala estaba llena pero sin apretujamiento. Y la gente, a pesar de ser más reacia al pogo que en España, es más proclive a gritar cosas a pleno pulmón entre canción y canción. Desgraciadamente, como aún no sé sueco no tengo idea de qué decían, pero no hace falta ser un Premio Nóbel para saber que ese sábado todo el mundo se lo pasó genial.

 

Desde tierras donostiarras, nos llegan los sones de BIERSBREAKER, banda de viking/folk metal creada en los albores de 2010. Después de una década, algunas idas y venidas y una pandemia, han vuelto por la puerta grande y con una sorpresa bajo el brazo. The Power Of The Hammer es su primer LP y encierra tantos secretos como rastros de cerveza. Hoy, BIERSBREAKER responden a Metal Korner.

 

El inicio de un tránsito

 

MK: Para los que todavía no os conocen, ¿Qué es BIERSBREAKER y quién está detrás del proyecto?

 

BIERSBREAKER: Biersbreaker es una banda de folk metal hecha por amigos. Algunos de nosotros nos conocimos tocando en otras bandas y forjamos una amistad que, pese a haber seguido caminos distintos, nos acabó uniendo de nuevo. Y aunque hemos perdido a algunos miembros por el camino, ha sido por cuestiones ajenas a la música, por lo que seguimos manteniendo esa amistad con ellos. Ahora mismo la horda la formamos Mikka (Mikel) a las voces, Nigga (Gonzalo) a la guitarra, Viky (Xabi) a la “gaitarra” (gaita y guitarra), Unai al bajo y Iosu ‘Bizargorri’ a la batería.

 

MK: ¿Con qué tres palabras describirías vuestra música?

 

BB: Cerveza, folk y caña (mira, esta última sirve para música brutal y más cerveza).

 

MK: ¿Por qué escogisteis BIERSBREAKER para nombrar vuestra banda?

 

BB: El nombre del grupo es, después de maquillarlo un poco, como pronuncia un vasco borracho la palabra “berserkr”. Nos dimos cuenta de que sonaba a “beersbreaker” y nos gustó la idea, pero no nos convencía esa doble “e” de “beers”, así que optamos por la palabra alemana “bier”. Sin embargo, el plural en alemán no es “biers”, sino “bierre”, así que tiramos de translator que erróneamente nos identificó la palabra “biers” como danesa, y así lo dimos por hecho hasta que hace un tiempo nuestros amigos de Svartsot (que son daneses) nos explicaron que ellos no dicen “bier” sino “øl”. Todo por intentar darle una explicación o traducción a algo bastante simple: “Berserkr” en euskera borracho se dice “Biersbreaker”. Además de toda esta tontería, nos ha servido para darle nombre al personaje principal de algunas de nuestras canciones, un berserkr muerto en batalla que perdió su espada antes de morir, y por lo tanto, condenado a no poder entrar en el Valhalla, pero que se niega a ir a otro lado, así que vive como un no muerto entre los vivos, maldiciendo a los dioses.

 

MK: Habéis publicado The Power Of The Hammer recientemente. ¿Cómo lo está acogiendo la prensa especializada y vuestros seguidores?

 

BB: Para nosotros ha sido brutal. Hace muy poco tiempo que funcionamos por redes o que tenemos nuestra música en plataformas digitales y a través de Gargoil Tavern Records hemos subido varios singles, pero con el lanzamiento del disco la cosa se ha disparado: mil streamings en la semana del estreno (que para unos desconocidos como nosotros nos parece increíble), se ha triplicado el número de suscriptores, en la primera semana ya teníamos un montón de pedidos del digipack en formato físico. La prensa lo está tratando muy bien. De momento sólo hemos escuchado buenas críticas: Original, fresco, divertido… entre otros buenos adjetivos que lo han calificado. En Inglaterra también está sonando en varias emisoras y también con muy buena acogida.

 

MK: ¿Cómo fueron los procesos de composición, grabación, masterización, etc? ¿Tenéis alguna anécdota que queráis destacar?

 

BB: Los temas se han ido componiendo poco a poco, conforme se nos ocurría una melodía o un riff. No nos pusimos en modo “vamos a componer un disco” y sacar canciones como churros. En este grupo vamos despacio y con calma así que las canciones son más fruto de la inspiración que del trabajo. La grabación fue algo dramática, ya que empezamos en 2018 y al poco de terminar las baterías, nuestro anterior baterista decidió dejar la banda. Seguimos con el proceso de grabación, pero ya tuvimos que empezar a hacer cambios, buscar baterista y la cosa se empezó a alargar. Con el tiempo y con mucho material grabado, nos plantamos en 2019 y se incorporó Iosu a la batería, lo que suponía centrarnos en trabajar con él los temas y regrabarlos a su manera. Y pese a todo esto, parecía que podíamos tener todo preparado para 2020, pero llegó el apocalipsis zombi y decidimos posponerlo. Como anécdota sólo puedo decir que lo hemos masterizado “ilegalmente”.

 

MK: ¿Habéis podido presentarlo en directo?

 

BB: No sabemos si están las cosas para directos. Tenemos muchísimas ganas de volver a los escenarios y descargar con fuerza todo el folk metal que llevamos, pero estamos un poco descolocados porque no nos vemos tocando delante de gente sentada, y ahora que parecía que íbamos a mejor, se está demostrando que vamos a peor, así que de momento seguimos trabajando en el local preparando el show.

 

The Power Of The Hammer, track by track

 

 

 

 

MK: La primera pregunta obligatoria es si estamos frente a un álbum conceptual o si, por el contrario, se trata de un conjunto de canciones unidas por la mitología nórdica.

 

BB: No es un disco conceptual en el que las canciones estén interconectadas entre sí, aunque sí es cierto que algunas guardan algo de relación con otras. Algunas tienen en común la mitología nórdica, pero otras son historias de guerreros borrachos que poca o  ninguna relación tienen con el mundo nórdico, o incluso alguna sale directamente de nuestra truculenta imaginación.

 

MK: Kynni Skepnunnar es la antesala instrumental de la legendaria batalla que se libre en Jormundgand entre la bestia acuática y Thor. ¿Por qué habéis escogido este combo para abrir el disco?

 

BB: En la portada vemos a nuestro personaje principal Biersbreaker arrebatando a Thor el Mjollnir, el martillo y arma más poderoso de los nueve mundos y queríamos contar en estas dos canciones cuán poderoso es el dios del trueno y quién es capaz de derrotarlo: la serpiente Jormundgandr. De esta forma establecemos un paralelismo entre este ser, hijo de Loki e identificado con el mal, y nuestro querido berserkr zombi Biersbreaker.

 

MK: Rock’n’Trolls relaja el ambiente o, mejor dicho, lo vuelve más festivo. Es una oda a dos cosas que, me parece, os gustan bastante: la cerveza y los trolls. ¿Me equivoco? ¿Cómo fue componer este tema que, si me lo permitís, admitiré que me recuerda a las melodías de Finntroll?

 

BB: Sí, tiene mucho de Fintroll pero es por ese juego con melodías “tétrico- infantiles”, en realidad está mucho más inspirado por los trolls de David el Gnomo. Es fruto de estar tocando con un par de cervezas y haciendo el tonto salen estas melodías, simples pero pegadizas que además te permiten cantar encima. Si además añades una letra graciosa en la que unos trolls están de fiesta en el bosque deseando cantar black metal, pues te sale este temón.

 

MK: Aprovechando la pregunta anterior, ¿Cuáles son vuestras principales influencias? ¿Qué os inspira para escribir?

 

BB: En más de un medio ya han visto influencias de Fintroll, Amon Amarth, Ensiferum, etc…, pero hay muchas influencias y de muchos tipos. Para empezar, en BIERSBREAKER a cada uno le gusta algo diferente, desde el rock hasta el death metal técnico, desde el folk tradicional hasta el power metal. En algunas canciones puedes encontrar más thrash metal que es un estilo muy común para casi todos nosotros y que quedó muy patente en el primer disco. En este nuevo trabajo hemos querido buscar un poco más de homogeneidad y sonar más a death melódico… pero nos ha salido esto, je je je.

 

MK: Ravens’ Song habla, creo, de Hunin y Munin, los dos cuervos que creó Odín para que sobrevolasen los mundos de Yggdrassil y le narrasen que veían. ¿Qué destacaríais de este tema?

 

BB: Las melodías de los instrumentos folkis nos parece que han quedado brutales. Es un tema que se compuso sin pensar en ningún instrumento folk, sin embargo, al principio del tema, la voz va en un rollo muy folki, así que con el tiempo vimos la necesidad de introducir algo que le diera ese cariz. Al principio pensamos en nuestra habitual gaita, pero Viky quiso probar a introducir instrumentos del folklore euskaldun y lo hicimos con una dultzaina. Para redondear, también grabamos una zanfona, lo que aumentó ese sonido folki que buscábamos.

 

MK: The Souls Fallen posee una letra bastante mística y existencial, ¿Qué os inspiró a la hora de componerla? ¿Qué mensaje queréis transmitir con ella? Además, ¿es una nueva versión de un tema vuestro?

 

BB: Es una canción que destaca porque se sale de nuestro habitual cachondeo y es un tema viejo que ya se incluyó en el EP Drunken Bards de 2016, pero que no hemos querido dejar fuera de este disco. Hace algunos años salieron a la luz casos de cómo la Iglesia se había “apoderado” de muchos bienes inmuebles a lo largo y ancho de Navarra escriturándolos como propios. Si a esto añadimos los muchos casos que salieron, y que siguen y seguirán saliendo de abusos sexuales, la rabia ante ese falso mensaje de hermandad, paz y amor mientras engordan sus arcas y barrigas a costa de vender algo en lo que no creen nos obligó a predicar en contra de esta hipocresía y a hacer esta canción.

 

MK: ¿Guarda relación The Last Breath con The Souls Fallen?

 

BB: Sí, pero no intencionadamente. Son dos temas bastante coetáneos en el tiempo. Si en Souls of Fallen un guerrero ha sufrido la pérdida de sus valores por los que le impone el cristianismo, en The Last Breath está dispuesto a combatir para mantener su mundo y llevarse por delante a todo aquel que lo amenace. Es una oda a todas las personas que luchan todos los días por aquello que aman.

 

MK: ¿Por qué The Bitchies of Miklagard es uno de los singles del disco?

 

BB: Nos parece un tema muy bailón con esa melodía de influencia oriental, así que pensamos que podía servir de reclamo para el público que no nos conoce, para que vea el carácter festivo y gamberro que nos caracteriza. Además, es un tema con unos cuantos riffs muy thrashers, que como hemos dicho es un estilo con el que nos identificamos todos, así que pensamos que no podía quedarse fuera de los temas que servían para adelantar el disco.

 

MK: ¿Qué podéis contarme de Until The End?

 

BB: Este tema se compuso a raíz de la melodía de la gaita. Viky estaba haciendo el tonto con su gaita atormentando al resto de la banda y de repente surgió la melodía del estribillo. Enseguida vimos que era muy fácil de cantar y el resto de las partes surgieron casi solas.

 

MK: Yo me lo imagino pero los lectores no tienen porqué, ¿Qué historia nos cuenta Hail To Hammer?

 

BB: Cuenta la historia del Mjollnir, el martillo de Thor y de cómo fue forjado para que Loki no sufriera la ira de su hermano el dios del trueno. El dios de las mentiras (Loki), pero también de las travesuras y la astucia, le gasta una broma a Sif, la esposa de Thor, y le corta su preciosa melena. Ante tal afrenta, los dioses deciden castigar a Loki que, para evitar el castigo, les promete unos grandes presentes. Así y a través de engañar a Sindri y a Brokk, unos herreros enanos, se forjan Gullinbursti (el jabalí de Frey), el Draupnir (el anillo de Odín) y por último el Mjollnir.

 

MK: Agrupo Lazybones y Skålananger porque parecen tener un trasfondo común, el broche final de un disco épico y melódico. ¿Qué valor creéis que tienen este tipo de canciones más desenfadadas?

 

BB: Le dan un ambiente más desenfadado y festivo al disco. Sobre todo, en el caso de Skålananger. Este es un tema que partiendo de la cabeza de Gonzalo se fue transformando. Al principio sonaba muy death pero al añadirle el componente folk se transformó, más todavía cuando Eneko, del grupo de folk Briganthya le metió el acordeón. De repente, un tema death sonaba a una “humppa” finesa, era como mezclar Amon Amarth y Korpiklaani en el mismo tema.

 

El final

 

 

MK: ¿Vais o estáis presentando el disco? ¿Cuáles son vuestras próximas paradas?

 

BB: Pues nos pillas sin saber qué decir… nos gustaría presentar el disco, y estamos trabajando para poder hacerlo, pero con esta situación “pandemioapocalíptica” no sabemos muy bien qué hacer. Ya programamos para el 2020 la publicación del disco y tuvimos que echar marcha atrás. Ahora, parecía que las cosas remontaban pero se vuelven a cancelar eventos. Durante este tiempo nos han surgido un par de cosillas, pero de repente había que limitar aforos, luego no se podían celebrar, luego sí. Estamos un poco perdidos y a la espera de ver cómo se va resolviendo todo.

 

MK: ¿Qué planes de futuro tenéis ahora mismo? ¿Estáis trabajando en algo nuevo?

 

BB: De momento estamos preparando el show para estar a punto en cuanto se recupere una situación en la que podamos cerrar fechas sin miedo a cancelaciones y, sobre todo, para tocar delante de un público que esté bailando y bebiendo. Mientras, hemos compuesto bastante material, alguna que otra versión y preparando lo que será nuestra próxima publicación, un remaster de cuatro temas de nuestro primer disco Shout for War que el próximo 2022 cumple diez años.

 

MK: Acabamos, ¿por qué entre todos los estilos escogisteis el viking para vuestra música?

 

BB: No lo escogimos, el viking nos escogió a nosotros, jeje. Al principio no éramos un grupo de viking metal y creemos que seguimos sin serlo plenamente. Siempre hemos pensado que éramos un grupo de folk metal. Muchos de los temas del primer disco no estaban basados solamente en la mitología nórdica, también había mucho de mitología celta, fantasía, etc. De hecho, en los primeros bolos íbamos vestidos con faldas escocesas. Pero la gente nos empezó a llamar vikingos, que hacíamos viking metal, y una cosa llevó a la otra y nosotros encantados.

 

MK: Si queréis añadir algo, este es el momento.

 

BB: Pues daros las gracias a todo el equipo de Metal Korner por darnos la oportunidad de hablar sobre nuestra música y hacernos esta pedazo de entrevista.

 

INCURSED es una de esas bandas que tiene habitación propia en Metal Korner. Disco tras disco se sientan delante de la pantalla para responder a mis preguntas y, esta vez, no podía ser menos. Para los que siguen sin conocerlos se trata de una banda de folk metal con elementos de power y, sobre todo, una atmósfera de lo más épica. Su último disco Baskavígin (Helheim Records, 2021) ha revolucionado a la crítica pero…¿Qué historias se esconden detrás de él?

 

MK: Buenas, chicos. Bienvenidos una vez a vuestra casa. ¿Qué tal estáis en estos tiempos pandémicos?

 

INCURSED: ¡Muy buenas! Ha sido duro pero nosotros y nuestras familias hemos sido afortunados así que estamos bien. Esperemos que haya sido igual para toda la gente de Metal Korner.

 

MK: No ha sido un año fácil para la música, mucho menos para el metal. ¿Cómo habéis sobrevivido?

 

INCURSED: Teníamos mucho trabajo con Baskavígin y eso nos animaba y nos daba ilusión. Era duro por un lado porque no teníamos ni idea de cómo iba a acabar todo, pero sentíamos que teníamos algo bueno entre manos

 

MK: Publicar un año después de la pandemia no es una decisión sencilla. ¿Habéis tenido que retrasar la fecha o siempre tuvisteis claro que queríais sacarlo a pesar de todo?

 

INCURSED: Tuvimos que retrasar la fecha. El confinamiento nos retrasó y no pudimos tener todo preparado para septiembre que era la fecha original para el lanzamiento, además de que nos tuvimos que replantear una promoción sin poder tocar en directo… La pandemia lo ha complicado todo hasta cierto punto, pero también nos dio algo de aire para respirar, dado el apretadísimo calendario que teníamos.

 

MK: Otra de las preguntas obligatorias es acerca de la aceptación que ha tenido Baskavígin entre vuestros fans, los medios y vosotros mismos. ¿Estáis contentos con el resultado final?

 

INCURSED: Hemos quedado muy satisfechos, teniendo en cuenta lo difícil que ha sido abrirse camino en tiempos de sobreinformación en las RRSS, y lo saturado que estaba el público con una terna de nuevos lanzamientos como pocas veces ha habido. Por supuesto, hubiéramos preferido lanzarlo en una época de normalidad, pero las circunstancias han desembocado en lo que ya todos sabemos, y no queríamos posponer más el lanzamiento del disco.

 

Del País Vasco a Islandia

 

MK: Ha llegado la hora de nuestro track by track. Empecemos. Baskavígin habla de los 32 balleneros vascos asesinados en la zona de los Fiordos del Oeste. Habladnos de esta historia y por qué habéis decidido rendirle su particular homenaje.

 

INCURSED: Es una historia que nos llamó la atención hace algunos años, cuando se abolió una ley que permitía matar vascos en Islandia, a raíz de estos eventos de supervivencia y saqueos que vivieron los balleneros allí naufragados. Resultaba muy curioso que estuviera vigente después de 400 años, pero más interesante nos parecía la historia que había detrás de todo.

 

MK: Who Stole My Beer? Es uno de esos típicos y comunes dentro de estos géneros en el que se habla de cerveza, bebida de dioses para muchos. ¿Es necesario recordar siempre la importancia de esta bebida?

 

INCURSED: Bueno, para nosotros ha sido y es una bebida muy importante (risas). Los tópicos están a la orden del día, precisamente por ser tópicos, no nos avergonzamos de ello. En este caso, la canción también está basada en hechos reales, y realmente es circunstancial el que aparezca la palabra beer. Si nos hubieran robado el café, ¡estaríamos igual de enfadados, o más!

 

MK: The Black Hunter habla de la pálida doncella llamada Muerte y del Diablo. Una canción más rápida y oscura, sinuosa y con esa magnífica voz coral que surge de la combinación de todos los miembros. ¿Cómo fue componer este tema con una voz cantante que, a veces, parece influenciada por el black metal?

 

INCURSED: Realmente la letra está basada en Mateo Txistu, ya que aunque no le mencionamos directamente, toda la historia hace referencia a este cura de las leyendas vascas. Le encantaba cazar, y tuvo un encontronazo con el diablo, a partir del cual nunca más se supo de él. Quizá ese tono más violento de la voz venga influenciado por el black metal como comentas, y de esa adoración a lo etéreo, lo oscuro, lo esotérico. También es verdad que, al no manejar un único registro gutural, nos gusta variar para no dar sensación de monotonía en las voces.

 

MK: Colossal recupera otro tema de cariz mitológico, en este caso, habla de los hiperbóreos de la ficticia región de Hiperbórea según los griegos. ¿Qué os inspiró para componer este tema? ¿Cuál es la historia que hay detrás?

 

INCURSED: Aunque la palabra hyperboreans aparece literal en la letra, con hiperbóreos hablamos de los jentiles, seres mitológicos vascos (similares a los cíclopes, grandes y muy fuertes) y por tanto, septentrionales en la península. Queríamos recalcar algo que parece tan habitual hoy en día como es la autosuperación, el levantarse tras caerse… donde radica la importancia de esto es en el interior de uno mismo, y no de la fachada que mostramos al mundo a través de una pantalla.

 

MK: Eusko Troll Label es una de las pistas cantadas en euskera, vuestro idioma natal, de este álbum. ¿Es recomendable ingerir un troll vasco como sugerís? ¿Qué recetas nos proponéis?

 

INCURSED: Todavía no hemos podido ponerlo en práctica, parece que los trolls están extintos y no hemos encontrado ninguno (risas). Eso sí, si nos lo vamos a comer, mejor que esté bien preparado y tenga buen maridaje, y que sea uno que ya esté maduro. ¡Trollqueñines no, gracias!

 

MK: Into The Curse tiene unos violines a modo introductorio de lo más deliciosos. ¿Qué entresijos musicales esconde este tema?

 

INCURSED: Aunque este tema carece de inspiración histórica o mitológica, vemos una vertiente más crítica con lo social con mucho disfraz metafórico. Es un tema que habla, a grandes rasgos, de lo fácil que nos resulta tropezar con la misma piedra una y otra vez… y a la historia nos remitimos. Tiene pinta de que nunca aprenderemos, y llegará una ocasión en la que sea tarde para redimirnos.

 

MK: ¿Os habéis inspirado en alguien en concreto para escribir Patxi Porroi?

 

INCURSED: Cierta inspiración siempre existe… En este caso hay algún paralelismo con Olentzero, que es el carbonero que en Navidad trae regalos a los niños y niñas del País Vasco. Por otro lado, es un elaborador de brebajes de lo más excéntrico… y ahí es donde entra en juego nuestro guitarrista Oier (risas).

 

 

MK: Paganauts es infinitamente épico y arrollador. Habla de la lucha por la ¿cultura? y la identidad. ¿Qué es exactamente un paganaut?

 

INCURSED: Los paganautas vendrían a ser una especie de marineros irreverentes, con cierto paralelismo a los piratas, pero que en vez de saquear, buscan la gloria a través de la exploración y el descubrimiento de sitios a donde nadie ha llegado antes. Hay cierto guiño al primer navío que dio la vuelta al mundo, la Nao Victoria, cuyo primer propietario fue Domingo de Apallua, un ondarrés a quien la Casa de Contratación de Sevilla forzó a vender su embarcación.

 

MK: Souls On Fire tiene un sonido más folkie gracias al tin whistle de Zarach de Lépoka. ¿Cómo ha sido trabajar con él?

 

INCURSED: Zarach entendió a la primera ese contraste que queríamos transmitir en este tema, a pesar de lo que se acerca al metal extremo en varias ocasiones, y así quedó demostrado cuando nos envió las pistas de audio: no vimos absolutamente nada a cambiar, el resultado fue perfecto. Cuando te entiendes así con otros músicos, poco más se puede pedir.

 

MK: Saltus Eta Ager es una delicia auditiva, un cierre idílico para un disco que no decepciona. Cantado en euskera, resulta una oda a vuestra tierra madre con una letra conmovedora, intensa y profunda. ¿Por qué está dividida en dos partes? ¿Es vuestra canción más larga? Contadnos todo lo que podáis sobre ella porque nos encanta.

 

INCURSED: Hubo una canción un poco más larga, One Among a Million de Elderslied, que estaba dividida en cuatro partes. Esta vez, eran dos canciones que, entrelazadas, iban como anillo al dedo, y aprovechamos un concepto que teníamos rondándonos la cabeza, el de Saltvs y el Ager Vasconvm, que era como los romanos separaban la parte norte y la parte sur de la zona que ocupaban los vascones hace 2000 años. La canción no es ni mucho menos de rigor histórico, ya que no somos expertos, pero hay ciertos guiños que tampoco vamos a desgranar para que la gente se exprima un poco la cabeza (risas).

 

MK: Antes de cerrar esta parte de la entrevista cabe recordar que Javier Rubio de Drakum, Trobar Da Morte y Northland; Dagda de Celtibeerian y Moonshine Wagon y Dann Hoyos de Rise To Fall y Space Octopus también han participado en este disco. ¿Qué tal el intercambio artístico?

 

INCURSED: Siempre es una gozada poder contar con la colaboración de amigos en un álbum, pero si encima son músicos como la copa de un pino, el resultado es inmejorable. Siempre que se pueda, seguiremos contando con colaboraciones para enriquecer nuestra propuesta, si cabe, aún más.

 

Del País Vasco al mundo

 

MK: Nos vamos acercando al final pero no puedo irme sin preguntaros sobre vuestros planes para los próximos meses. ¿Tenéis fechas previstas?

 

INCURSED: En verano hemos aprovechado para ensayar a tope para estar preparados para todos los directos que lleguen, ya que además nuestro batería, Amo, ha tenido que irse unos meses del país por compromisos profesionales, y hemos tenido que aclimatarnos a tocar con Niko, que le sustituirá los próximos meses, un chaval joven pero con un enorme potencial y que ya tiene tablas de su anterior banda, Late to Scream.

 

Tenemos una fecha cerrada (Metaldays, en Eslovenia) y algunas en el tintero, pero la incertidumbre actual dificulta que las cosas lleguen a buen puerto. Intentaremos presentar Baskavígin en el máximo de sitios posible, pero siempre con todas las garantías para poder ofrecer un buen espectáculo.

 

MK: Es pronto para preguntar pero…¿hay algo en el tintero relacionado con un nuevo trabajo?

 

INCURSED: No tenemos nada concreto pensado, aunque sí que tenemos ideas musicales ya en el tintero. Pero ahora mismo la prioridad absoluta es Baskavígin. Queremos darle todo el amor posible ya que es el cénit de nuestra evolución musical, y hay que mimarlo y criarlo de la mejor forma posible. En el futuro, ya veremos…

 

MK: Para acabar, ¿Cómo veis el panorama musical tras la crisis del coronavirus? ¿Cómo os ha afectado?

 

INCURSED: Nos ha tocado presentar nuestro álbum ante audiencias que debían permanecer sentadas, con la mascarilla, y en alguna ocasión incluso sin poder llevarse un trago a la boca. Obviamente, esto en el metal, y más aún en el estilo concreto que practicamos, es un impedimento de calado para disfrutar… Nos retroalimenta poder ver a la gente saltar, cantar, empujarse; cosa que ha dificultado sobremanera la interacción con el público. Porque sí: en los conciertos de metal que hemos presenciado, la gente respetaba las medidas. No se ha podido decir lo mismo de otros eventos de diferente ámbito, siendo estos mucho más apoyados por instituciones y entidades públicas.

 

De todas formas, últimamente hemos podido disfrutar de algún festival más cercano a la normalidad, y el subidón es innegable. Parece que se empieza a ver la luz al final del túnel.

 

MK: Si queréis añadir algo más antes de terminar.

 

INCURSED: Daros las gracias por habernos realizado esta entrevista tan completa, y poco más… ¡esperamos vernos pronto en las salas y festivales como antes de la pandemia!

 

 

 

Los gallegos blackmetaleros BALMOG han vuelto a la carga con la publicación de un disco oscuro que navega por sonoridades que rinden homenaje al terror. Eve (BlackSeed Productions, 2021) es un cóctel explosivo y de sorpresas que no te deja indiferente tras una primera escucha. Es, quizás, su trabajo menos blacker aunque no es por ello menos interesante. Hoy, vienen a Metal Korner a desvelarnos los entresijos de este redondo formado por nueve temas.

 

MK: Buenas chicos, soy Pilar Martínez. Bienvenidos a mi particular embajada del black metal en MK. La primera pregunta es obligatoria, ¿Cómo os encontráis en estos tiempos casi distópicos?

 

BALMOG: Pues en lo que respecta a lo personal, entiendo que como todo el mundo, tratando de sobrellevar la situación como buenamente se puede, ya que bien de forma directa o indirecta, esto acaba por afectar a tu entorno. Creo que la palabra que puede definir todo es incertidumbre. En lo musical, obviamente, la situación ha determinado de un modo u otro la evolución de la banda en el último año. En Galicia ha habido constantes restricciones, bien de manera total o parcial, y eso ha hecho que en un año no hayamos “enganchado” con la dinámica habitual que teníamos, es decir, ensayar todas las semanas, preparar conciertos…pero bueno, lo cierto es que le sucede a BALMOG y a gran parte de las bandas que conozco. Es una situación “rara”, ya que en ocasiones no sabes muy bien en qué punto se encuentra el grupo.

 

Nuestra putada fundamental es que vivimos en localidades diferentes, así que imagínate…entre enero y marzo por aquí no podíamos movernos con plena libertad, así que no es fácil. En todo caso hemos intentado mantener BALMOG activo y ahora nos pondremos a ensayar con mayor normalidad para preparar un set-list y estar preparados ante la posibilidad de que se pueda tocar en directo. Este es quizás el aspecto que más nos está limitando si tenemos en cuenta que somos una banda con un ojo constantemente puesto sobre los escenarios. Así que bueno, no podemos negar que todo esto nos esté marcando, pero igualmente estamos intentando avanzar en cosas nuevas, es algo natural en el caso de BALMOG, no es algo que venga determinado por el contexto pandémico. Por otro lado, en lo que sí que estamos plenamente inmersos, es en todo lo que rodea a la promoción, respondiendo a una ingente cantidad de entrevistas, poniendo al día el material que nos piden, visitando constantemente correos…en ese sentido poco ha cambiado, con la salvedad de que ha aumentado el volumen de trabajo con respecto a ediciones anteriores. En lo más personal, sí que puedo decir que echo de menos los conciertos, de hecho mi vida social a día de hoy es casi inexistente, pero bueno, mientras pueda ver a Iron Maiden un par de veces más en mi vida, seré feliz.

 

MK: Habéis publicado Eve en el año que sucedió a la pandemia. ¿Habéis tenido dudas a la hora de editarlo o siempre lo habéis tenido claro? ¿Os obligó la Covid-19 a retrasar su lanzamiento?

 

BALMOG: No, hemos tenido dudas, es inevitable. Lo cierto es que el encierro condicionó nuestros ensayos, ya que a pocos meses de ir a Terrassa a grabar llegó todo esto. Eso nos impidió trabajar en el local debido a lo que te decía antes, el hecho de que vivamos en localidades diferentes y de que aquí las restricciones hayan sido bastantes. En ese punto sí que llegamos a pensar en retrasar la grabación, pero  finalmente decidimos cerrarnos en el local de ensayo durante varias semanas, conseguimos recuperar el tiempo perdido y dejar todo preparado para entrar en el estudio. Ese fue uno de los puntos que podemos llamar “críticos”. El segundo se produjo una vez teníamos ya el trabajo en nuestras manos. Ahí volvieron a surgir dudas en el sentido de que íbamos a editar un disco bajo unas condiciones que no son las habituales, sobre todo en lo que respecta a la ausencia de conciertos, algo que condiciona muchísimo la promoción de un disco o por lo menos en nuestro caso así sucede. Así que bueno, le dimos unas cuantas vueltas, lo hablamos con los sellos, con otra gente vinculada a la música y llegamos a la conclusión de que debíamos tirar millas y no condicionar la edición. A día de hoy, creo que en ambas casos tomamos las decisiones correctas. El disco está funcionando increíblemente bien. Además este impasse se está haciendo muy grande para muchas bandas y en nuestro caso hemos podido mantener al grupo latiendo con fuerza y energía. Está claro que la defensa del disco sobre las tablas va a estar condicionada, pero creemos que el disco se defiende también por sí mismo. Siendo, además, algo sinceros, creemos que el disco está teniendo incluso más repercusión de lo que esperábamos. Por un lado, la gran avalancha de títulos aún no ha llegado, es decir, hay un montón de bandas que van a editar material de aquí a comienzos de año y ya algún pajarillo vinculado con medios tochos en Europa nos insistía en que sacásemos el disco cuanto antes, que tendría una acogida muy potente que seguramente después de verano no fuese a tener. Por otro lado, y todo desde un punto de vista muy personal, hasta ahora gran parte de las ediciones están siendo una mierda. No hay mucho más de cinco o seis discos que pueda citar este año que me hayan gustado, pero te puedo decir un número importante de grupos que no han cumplido mis expectativas, así que bueno, supongo que eso también nos está beneficiando. Creo que en parte se ha dado cierta tormenta perfecta con Eve pero en positivo. Nunca hemos tenido una respuesta tan bestia. Lo que sí que hemos tenido que lidiar, o más bien los sellos, ha sido con algunos retrasos en fábricas debido a todo esto, pero bueno, la gente ha sido muy comprensiva.

 

MK: Otra de las preguntas recurrentes es acerca de su acogida. ¿Está gustando a vuestros fans convencionales? ¿Y a los medios especializados?

 

BALMOG: En parte ya te contestaba antes. Nunca hemos tenido una cobertura como la actual y nunca hemos tenido una respuesta tan positiva en el pasado con un álbum. Hay críticas en las que claro está, no siempre opinan que sea un gran disco, pero incluso aquellas críticas que son algo más negativas, suelen ser también buenas. También voy a reconocer que nos da un poco igual. Siempre hemos respetado el curro de la gente que hay detrás de los medios y siempre os estaremos agradecidos. Sabemos que además es importante de cara a que la gente pueda acceder de manera previa a nuestros trabajos, pero lo cierto es que las críticas nunca determinarán nuestro proceso creativo y nuestra forma de trabajar.

 

En cuanto a los fans convencionales, pues un poco más de lo mismo. Sabemos que hay gente a la que probablemente no le vaya a gustar el disco, pero de nuevo, nos importa una absoluta mierda, así de claro. Pero volviendo a hacer un ejercicio de sinceridad (hoy te ha tocado ser confesora…) creo que jugamos con cierta ventaja. Hace poco lo contaba en alguna entrevista para un medio de fuera. Hoy en día la escena no es como a mediados o finales de los noventa cuando grupos de black metal o death metal cambiaron su sonido en muchos de sus discos. Yo era el primero que me llevaba las manos a la cabeza, no lo entendía. También es cierto que muchos de esos discos sigo sin entenderlos de todo, pero algún otro sí que creo que ha pasado bien el test del tiempo y se ha ventilado mi visión cerrada e intransigente que quizás tenía hace años. Pero lo cierto es que la escena actual del metal extremo es diferente. Sellos con Van Records o Iron Bonehead, editan bandas de metal extremo junto a otras bandas como Rope Sect, Sweven o yo qué sé, King Dude. Chaos Descends o Hell Over Hamburg son festivales en donde puedes ver un grupo de thrash metal e inmediatamente después un grupo de post-punk, creo que la gente es algo más ecléctica y eso nos hace jugar con cierta ventaja que no existía hace quince años, esa es la realidad. Si hubiésemos hecho esto hace veinte años nos hubiera caído por todos los lados, ha,ha. Además creo que Eve era en cierta medida previsible. Insisto mucho en esta idea de manera un poco tediosa, pero los trabajos de BALMOG tienen sentido desde una perspectiva cronológica. Si uno escucha nuestro primer disco y después Eve, probablemente no entienda nada, pero si unos escucha nuestros trabajos anteriores y ha seguido nuestra carrera (o como lo quieras llamar) es francamente fácil de entender Eve. Lo que sí que tengo la sensación es que estamos llegando a gente a la que no habíamos llegado en el pasado, e reitero lo mismo, tampoco es algo a lo que le demos importancia, pero tengo una sensación que me atrevería a afirmar como constatación. Ahí sí que tendría curiosidad por cómo esa gente puede abordar nuestros anteriores trabajos, es decir, hacer el ejercicio contrario, partir de Eve e ir hacia atrás. Eso sí debe de ser bastante curioso.

 

 

Escudriñando el ojo

 

MK: Eve es una oda profunda y cargada de influencias a la oscuridad, el horror y el miedo. ¿Por qué? ¿Qué os motivó para centraros en este sentimiento y las emociones que provoca en las personas?

 

BALMOG: En más de una ocasión nos han hecho preguntas similares y sinceramente me cuesta encontrar una respuesta. Estoy hablando del hecho en sí mismo de tocar esta música y buscar exprimir esos sentimientos más oscuros. No sé, personalmente cuando accedo a una expresión artística (música, cine, literatura, pintura…) no la condiciono a que trasmita solo ese tipo de sentimientos, pero sí es cierto que en lo que respecta a expresarme de manera artística, siempre ha existido esa obsesión, no soy capaz de ir mucho más allá de esos sentimientos vinculados con aspectos más oscuros, supongo que es algún tipo de problema emocional profundo, ha,ha, pero es así. Pero bueno, por centrarnos un poco, en Eve y en esas sensaciones de las que hablas, sí que hubo una pretensión clara, previa y calculada de buscarlas. Pillars of Salt, nuestro trabajo previo, tenía también la intención de ser oscuro, pero también queríamos trasmitir un espíritu más épico, más vasto y monumental. Eve no pretende eso. Busca la densidad, la opresión y el sentimiento de nihilismo, orfandad y vacío existencial que puede llegar a trasmitir el miedo y el horror, y en concreto, cuando este es creado por la propia humanidad. No sé, teníamos clara esa pretensión de profundizar en la oscuridad más devastadora, pero no sabría decirte que nos llevó a ello. En ocasiones pienso que en parte la creación artística se basa en “ciclos” opuestos, es decir, pasar de algo más sentimental/espiritual a algo más físico/tangible; de lo recargado a lo básico; de la ostentación al recogimiento…quizás de manera inconsciente lo hagamos también, Pillars puede que sea más volátil y etéreo mientras que Eve es más físico, pesado y doliente, pero bueno, quizás se me está yendo la pinza, ha,ha. Lo que sí te puedo asegurar es que había esa determinación por hacer algo oscuro, y que eso debía de estar reflejado en la música, las letras, el concepto del álbum, el arte interior…debía de ser un conjunto total que llevase al oyente/espectador hacía ese punto límite en las sensaciones, hacia ese sentimiento de incertidumbre y pavor. En todo caso, no viene motivado por la pandemia ni nada de esto, sería demasiado cutre.

 

MK: En vuestra presentación comentáis algunas influencias como el autor portugués Pessoa y el poeta gallego Xose María Díaz Castro. ¿Cómo os han inspirado? ¿Dónde quedan reflejadas esas influencias?

 

BALMOG: De Pessoa lo que intentamos plasmar fundamentalmente es un sentimiento, una sensación general que penetra en el disco. Nuestra intención era crear cierto sentimiento de orfandad vital, de incertidumbre ante la vida y la muerte. En la obra de Pessoa se aprecia esa perspectiva existencialista, aunque el portugués lo que trasmite, o por lo menos lo que yo saco de su obra, es el aceptar ese sentimiento y el convivir con él, algo que incluso creo que se puede ver en cierta medida en el pueblo portugués, sin pretender caer en una especie de volkgeist de Portugal, que quede claro si algún portugués lee esto, ha,ha. De Díaz Castro, básicamente, lo que hicimos es tergiversar su mensaje. Su obra poética, fundamentalmente de carácter teológico, es tremendamente interesante. No es una de las principales lecturas que suele tener la gente aquí en lo que se refiere a literatura gallega, pero a mí siempre me ha llamado la atención. Su obra en parte habla del ser humano como una extensión de dios, como una esquirla brillante de la divinidad. Nosotros lo que hacemos es usar sus textos a nuestro antojo, vinculando la existencia (que no la creación) del ser humano a algo opuesto a la divinidad. En las letras de Eve hay fragmentos de los poemas que contiene su obra Nimbos, utilizada en momentos concretos desde el punto de vista tanto conceptual como musical.

 

MK: Acceder a las letras del disco es casi una odisea sin retorno. De entre todas las canciones, ¿Cuál destacarías a nivel letrístico por su composición, emociones u otros factores?

 

BALMOG: No estoy seguro de que lo hayamos comentado en algún otro sitio, pero solemos hacer las letras una vez tenemos toda la parte musical compuesta. No sé, supongo que a alguna gente le podrá resultar curioso, pero siempre lo hemos hecho así. De ese modo podemos tener una perspectiva general de todo y nos da pie a tener cierto hilo argumental y tener un todo homogéneo. Así que bueno, no podría destacar ninguna letra en concreto. Es que incluso me resulta complicado pensar en ellas de manera independiente. Al final están concebidas como un todo y me cuesta muchísimo desgranarlas, de hecho ahora mismo tendría que tenerlas delante para poder hacer ese ejercicio. Quizás, pero más como curiosidad que otra cosa, aquellos temas que contienen partes en gallego nos resultan francamente poderosas, o más que poderosas, nos empoderan en cierta manera. No sabría muy bien cómo explicarlo, pero el hecho de escuchar y pronunciar esas palabras en tu lengua parece que lleva a algo muy primitivo.

 

MK: ¿Se podría considerar que estamos ante un álbum conceptual con el horror como hilo conductor? ¿O podemos encontrar diversas historias y términos ocultos entre líneas?

 

BALMOG: El horror es un elemento, pero no la base conceptual del disco. La tesis de Eve se asienta en la idea de la existencia de una entidad opuesta a la divinidad. El horror, en concreto la capacidad de crear horror por parte del ser humano, es entendido como una extensión de esa entidad, un ataque frontal frente a la patrimonialización de esa capacidad por parte de lo divino. Pero sí es cierto que el horror y el terror aparecen constantemente en el disco, sobre todo en cuanto al sentimiento que queremos crear en el oyente. La idea es establecer un estado alterado de la percepción y el sentir, y está claro que la incertidumbre creada por el miedo es uno de los objetivos que buscamos. Nuestra pretensión es alimentar cierta sensación de vacío una vez se acaba de escuchar el disco. Sé que no tienen mucho que ver, pero hay discos que siempre me ha transmitido cierta sensación de “chunguez”, por usar un término fácilmente comprensible y no andarme por las ramas. Cada vez que escucho Reek of Putrefaction o el Seven Chalices, me trasmiten esa sensación rara. Realmente es una mezcla de todo: la producción, la densidad, las letras…y realmente son discos muy diferentes desde el punto de vista conceptual. Carcass incide en el aspecto físico, en esa carne abierta y la disección material, mientras que Teitanblood lo hace desde un aspecto más espiritual, es una disección del alma, pero ambos discos me dejan un mal sabor de boca cuando los termino de escuchar. Esa sensación, que asumo que es totalmente objetiva y que tampoco tengo claro que esté explicando muy bien, ha,ha, era lo que queríamos plasmar. Eve pretende representar la disección del alma y el cuerpo.

 

MK: A nivel instrumental Lume te desgarra de arriba a abajo dejándote con una sensación de desazón profunda e intrínseca. A nivel instrumental, ¿Qué tema es el que más trabajo os ha costado componer? ¿Y el que más complejo?

 

BALMOG: Todos los temas fluyeron de una manera muy pura a la hora de ser compuestos. Obviamente siempre hay algún momento en el que te puedes atascar algo más, pero creo que ya tenemos tablas a la hora de componer y ya tenemos en el bolsillo un montón de recursos que nos ayudan a poder definir los temas. Lo cierto es que no recuerdo ningún tema que nos costase demasiado. Lo que sí hicimos, como con otros discos anteriores, fue grabar una demo, dejamos reposar esas canciones y después hubo algún detalle que fue modificado, pero quedaron esencialmente iguales. Agnus Dei el interludio creado por Varunian (por cierto, mal acreditado en el disco, así que procuraré recordarlo en cada puta entrevista…) también fue compuesto de una manera muy fluida ya que Rober, su autor, partió del final de Slander para conseguir esa sensación de progresión y continuidad. Sí que a la hora de añadir arreglos hubo algo más de trabajo, pero es un proceso muy creativo en el que nos sentimos muy cómodos. Ahí decidimos probar algunos sonidos y texturas nuevas y hubo cosas que hubo que desechar, pero es un trabajo agradable. No voy a negar que todo el proceso llevase a cierto punto de extenuación, ya que es duro si lo quieres hacer bien, pero no hubo ningún momento de frustración hasta donde pueda recordar.

 

Las estructuras de las canciones están basadas en el rock clásico, así que en ese sentido es cómo andar en bicicleta, es algo que llevas escuchando toda la puta vida, así que casi surge de manera espontánea. Sí que hubo algún riff o parte de batería que tenían algo más de complejidad, pero con ensayos, todo se hizo de manera óptima. Creo que lo más importante dentro de una banda no es alcanzar este u otro límite, por lo menos para una banda como nosotros, sino saber cuáles son tus límites y los del resto del grupo. Eso para nosotros es fundamental. Se puede decir que con Eve tocamos un pelín mejor, pero solo un pelín, no es que hayamos hecho un ejercicio de técnica, eso lo dejamos para los que se molan poniendo un camarita delante y saliendo en Youtube.

 

MK: Estamos ante un álbum completo y revelador, una nueva esencia de BALMOG. ¿Tenéis previsto seguir su estela en los siguientes trabajos? ¿Diríais que estáis abiertos a la experimentación?

 

BALMOG: Nunca hemos puesto un límite claro a la banda. Nos gusta establecer ciertos parámetros en cuanto a cómo debemos de concretar lo que después dejamos reflejado en nuestros discos, pero realmente la banda ha ido mutando y cambiando su piel. Con Eve lo que hemos hecho es dejar la puerta abierta a muchas cosas, pero después, a la hora de concretar todo eso, sí había una planificación y unas ideas previas de cómo queríamos que sonase todo. En ese sentido somos muy meticulosos, ponemos encima de la mesa todos esos elementos, pero después decidimos cómo usarlos y dónde, y ahí sí que de alguna manera definimos muchos más cuál es el objetivo y dejamos el camino algo más acotado. No sé si a eso lo podemos llamar experimentación, pero bueno, es la forma en la que elaboramos Eve y con la que seguimos trabajando. Es algo natural en nuestra forma de hacer las cosas así que no podemos asegurar cómo sonará BALMOG dentro de cinco años o ni siquiera si existiremos, pero no es algo que nos quite el sueño. Puede que suene más crudo, más limpio o que simplemente la banda esté ya enterrada y podrida.

 

 

MK: ¿Cómo fueron los procesos de composición, grabación y masterización? ¿Algún detalle a subrayar?

 

BALMOG: La verdad es que no hubo grandes novedades con respecto a grabaciones pasadas. La batería la grabamos en los B2V de Brais Barreiro, guitarrista de Dantalion y LowMist. Quizás lo curioso es que jugamos mucho con la microfonía de ambiente y no tanto con la más cercana, ya que buscábamos un sonido más orgánico y con ese aspecto de local de ensayo. Desde el principio planteamos el sonido de este disco con una perspectiva algo diferente, ya que buscamos un sonido más denso, opaco y oscuro. Invito a la gente a que escuche el Deshumanizer de Black Sabbath. Tan pronto como uno escucha esa batería del inicio, tiene la sensación de que está en un local de ensayo. En un primer momento puede hasta resultar algo chocante, pero es una genialidad desde mi punto de vista. En ese disco no solo ocurre con la batería, también sucede con la voz de Dio (por cierto, quizás las voces más oscuras que haya grabado nunca) las guitarras, el bajo…es un sonido que puede llegar a ser “raro” cuando escuchas las primeras notas, quizás porque se aleja de los cánones que había en ese momento establecidos para el heavy metal, básicamente el Painkiller de Tsangarides (y alguna cosilla anterior que había hecho) que marca el sonido de los noventa. Pero es un disco que te engulle en esa atmósfera. Con Eve queríamos en parte ese sonido que también se aprecia por ejemplo en el Sister de In Solitude, y el primer paso era la batería.

 

El resto del disco se grabó en los Moontower de Terrassa con Javier Félez, quien es miembro ya de BALMOG (creo que gran parte de la gente que lea esto ya lo sabrá). Javier es ya un referente a nivel europeo, supongo que también gran parte de quien lea estas líneas estará al tanto de que ha grabado en sus estudios el último disco de Destroyer 666. Javi sabía perfectamente cómo debía de sonar el disco y cuáles debían ser los pasos para lograr ese sonido del que hablaba antes. Las sesiones de grabación en sí mismas fueron muy rápidas. Con BALMOG siempre ha sido así. Por un tema económico desde que empezamos a entrar en estudio hemos intentado tener todo lo mejor preparado posible para así ahorrar costes y esa manera de trabajar ha quedado ahí. La batería si no recuerdo mal se grabó en dos horas y pico y el esto del disco en poco más de dos días. Sí que nos paramos un poco en probar texturas con pedales y siempre dejamos algo de margen para improvisar por si algo se nos ocurre, pero el 90% de disco estaba listo cuando entramos en estudio.

 

Hubo algunos arreglos de guitarras y voces que se grabaron posteriormente en los The Ocean Studio en Ferrol con otro colega, Brais Landeira, pero el grueso del proceso (incluida mezcla) se hizo en Terrassa. Lo que sí teníamos claro es que el mastering final era esencial, era el barniz que debía definir el color final del disco. Para ello decidimos contar de nuevo con Jaime Arellano, con quien ya habíamos trabajado en nuestro Mlp Pillars of Salt. Él le otorgó esa capa definitiva que le otorga ese cariz opaco y denso a la producción, de hecho el disco sonaba muy diferente antes de enviárselo, pero creíamos que era esencial que la producción fuese como el disco: oscuro, opresivo y sucio.

 

MK: La portada basada en un cuento gallego es fantástica. ¿Podéis contar la historia a nuestros lectores?

 

BALMOG: La portada está basada en una historia de Alfonso Rodríguez Castelao, probablemente el referente intelectual gallego más importante de los últimos cien años. Aquí es frecuente leer alguna de sus obras en la escuela como fue también en mi caso, en la biblioteca de mis padres. Castelao escribió un relato llamado Un ollo de vidro: memorias dun esquelete. En él se cuenta la historia de alguien que una vez muerto es el único capaz de ver gracias a que posee un ojo de cristal, algo que es bastante paradójico, pues en vida era inservible. Ese elemento de conexión entre los muertos y los vivos, y recalco ese orden y no “entre los vivos y los muertos” nos parecía muy interesante de cara a representar esa imagen de visión del horror humano. Creíamos que la portada debía de ser una especie de antesala de lo que se avecina y ese cuento de Castelao nos dio la inspiración. Realmente no existe un vínculo puro con lo que realmente aparece a nivel conceptual en las letras, pero sí que nos permitía crea esa especie de introducción a lo que uno se encontrará en el disco tanto en lo musical como en lo lírico. Además teníamos claro que la portada debía de tener ese aspecto básico, puro y con pocos elementos. De hecho hay una intención clara por nuestra parte de alejarnos de las portadas típicas del black metal sabiendo que probablemente no vaya a ser aceptada por aquella gente que esperaba algo más black metal, pero como te digo, era algo premeditado. Buscamos una portada icónica y simple, y el talento de Branca Studio consiguió dar exactamente en el clavo del asunto.

 

MK: ¿Hay algo más que queráis comentar sobre el disco?

 

BALMOG: Creo que ya ha llegado, ¿no? A ver si alguien es capaz de acabar de leer toda la entrevista, ha,ha.

 

Extendiendo el terror

 

MK: La situación actual no da pie a muchos conciertos pero, ¿tenéis ya alguna fecha para la presentación y la gira? ¿Os veremos pronto en Murcia?

 

BALMOG: Nuestra intención es dejar en agosto un setlist preparado para poder tocar en el momento que sea necesario. En principio tenemos algunas cosas para después de verano y en 2022 están saliendo muchas ofertas, así que es una cuestión de tiempo y paciencia, pero es importante tener a la banda lista para poder tocar. He sido muy pesimista con respecto a la vuelta a los escenarios y por desgracia hasta ahora he tenido razón, pero bueno, espero equivocarme y que podamos cumplir los compromisos que tenemos a partir de setiembre y sin duda poder tocar en Murcia donde siempre lo hemos pasado fenomenal.

 

Lo cierto es que el último año ha sido un despropósito, hemos tenido que cancelar y posponer cerca de 30 conciertos, y la verdad, ha llegado un punto en el que hemos dejado un poco de lado este tema. Esto no significa que no tengamos intención de tocar, todo lo contrario, de hecho estamos dando ok a las ofertas que estamos recibiendo siempre y cuando no impliquen un gasto previo demasiado alto por parte de quien lo organiza. Ha habido alguna gente que el año pasado ha palmado pasta y eso es una putada. Nosotros estaremos listos para tocar, colaboraremos con los promotores y daremos nuestro cien por cien como hemos hecho siempre, pero es una putada ver cómo hay personas que invierten tiempo, esfuerzo y pasta en algo que finalmente no se puede hacer. Lo que sí hemos desistido, por lo menos hasta que no lo veamos más claro, es a movernos por nuestra cuenta. El año pasado pospusimos una gira y se cancelaron muchas cosas que habíamos organizado, y a pesar de que finalmente no perdimos ni un euro eso acaba por quemar, así que en ese sentido por ahora no nos moveremos mucho. Parece que el horizonte de futuro seguro es 2022, pero es que hasta tengo ciertas dudas con ello. Lo dicho, espero equivocarme y que podamos presentar Eve cuanto antes.

 

MK: Los planes de futuro se han visto truncados pero ¿Qué tenéis previsto para los próximos meses? ¿Cómo esperáis acabar el año?

 

BALMOG: Bueno, quitando la cuestión de los conciertos todos nuestros planes se han mantenido prácticamente intactos. Ahora mismo la intención es, como te decía antes, dejar la maquinaria lista para poder girar en el momento en que sea posible y por otra parte seguir avanzando en nuevas ideas en el local. El disco acaba de salir y aunque la verdad es que hoy en día los discos son editados y olvidados en un abrir y cerrar de ojos, este trabajo nos está sorprendiendo por la continuidad que está teniendo y la “mecha” que sigue manteniendo, nunca lo habíamos percibido así, no sé, es curioso. Así que durante un tiempo tocará seguir promocionando el disco, pero obviamente esa es una parte ínfima del trabajo interno de una banda. Lo esencial para nosotros ha sido siempre comer local de ensayo y tocar para expresar lo que tenemos en nuestras entrañas, así que eso no cambiará, o el día que cambie probablemente se acabará la banda.

 

MK: Sé que acabáis de lanzar Eve pero…¿hay algo cociéndose ya en el horno en aras de un nuevo trabajo?

 

BALMOG: Sí, tenemos nuevo material. Estoy insistiendo constantemente en las entrevistas que nos están haciendo en que no estamos determinando nuestro proceso creativo por toda esta situación. Sinceramente consideramos que sería un error. Somos una banda underground de metal extremo, el hecho de que no haya conciertos no nos pone en la tesitura de tener que editar material por editar. No acabo de entender a las bandas que condicionan su creatividad por toda esta mierda. Si seguimos componiendo y avanzando es porque forma parte de nuestra rutina de trabajo. Cada vez que acabamos de grabar material nos ponemos a elaborar nuevas cosas y Eve no ha sido una excepción. Quedan muchas cosas por definir, pero ya hay algunos temas que serán parte de lo que probablemente vaya a ser un nuevo disco. Además no descartamos otro tipo de material antes de un nuevo larga duración, es algo que cualquiera que nos siga lo podrá prever y ya existen algunas ideas sobre ello, pero iremos poco a poco, ya te digo que no hay necesidad de precipitarse. Simplemente continuaremos el camino que habitualmente seguimos.

 

MK: Pregunta curiosa, ¿creéis que el black metal se ha visto muy afectado por la crisis del coronavirus?

 

BALMOG: No sabría qué decir. Me cuesta entender el black metal como un estilo como otros, quizás me pase de romántico, no sé. Es decir, plantear una pregunta similar sobre las promotoras, las líneas aéreas o la venta de cerveza y cocaína lo puedo entender, pero me cuesta hacer el mismo ejercicio con el black metal, al fin y al cabo es un estilo que ha sido y debe ser marginal. Quizás la respuesta es que si el coronavirus ha afectado negativamente al black metal, eso es bueno.

 

MK: Acabamos, ¿Cómo describirías actualmente a vuestro sonido? ¿A qué se puede deber la evolución en el mismo?

 

BALMOG: Es difícil de decir, la verdad. Sé que puede sonar algo curioso, pero seguimos considerando que tocamos black metal. Desde el punto de vista conceptual, espiritual e incluso musical, tenemos la convicción de que es así. Somos conscientes de que nuestra sonoridad ha cambiado y hay matices que pueden hacer que se desmonte mi argumento, y si alguien defiende el discurso de que BALMOG ya no hacen black metal, lo podría entender, pero nosotros seguimos sintiendo esa energía. Supongo que se podría explicar mejor, pero no soy capaz. En alguna ocasión he recurrido a la comparación con el Mysteriis Dom Sathanas, en el sentido de que cuando Mayhem editó ese disco, la forma de entender el black metal era diferente, es decir, ese disco en cierta medida se consideró novedoso ya que utilizaba recursos que hasta entonces no se habían utilizado. Posteriormente ese disco marco muchos de los cánones del estilo, pero no debemos de olvidarnos de ese hecho: el Mysteriis fue un disco novedoso. Con esto no quiero en absoluto comparar nuestro disco con Mayhem, no llego a ese nivel de pretensión, pero creo que puede ayudar a entender cierta perspectiva con la que curramos. Esa idea de intentar ampliar el espectro de black/death metal, en nuestro caso, recurriendo a la tradición de rock y el metal más oscuro desde el rock psicodélico hasta el post-punk, pero claro esa es nuestra visión totalmente subjetiva y personal. En cuanto a lo que comentas de evolución, ya algo he adelantado sobre esto.

 

Creo que BALMOG ha seguido desde sus inicios un camino de constante cambio y mutación, pero francamente, creo que tiene un sentido fácilmente compresible, o dicho de otro modo, creo que tampoco cogemos por sorpresa a nadie. El motivo sí que me cuesta de determinarlo, pero entiendo que tiene que ver con cierta necesidad de hacer cosas diferentes. Quizás me cuesta más calificarlo como “nuevo” ya que realmente lo que hacemos se podía escuchar en Mayhem, Ved Buens Ende, Fields of Nephilim o Pink Floyd…en este sentido no es nuevo, quizás la novedad o la originalidad radica en haber desarrollado la base del black metal con todas esas nuevas texturas y elementos, así sí que supongo que se puede decir que estamos haciendo algo original.

 

MK: Si queréis añadir algo más este es vuestro espacio.

 

BALMOG: En fin, vaya chapa que he metido. Poco más, simplemente que la gente que decida acceder a Eve que lo haga de una manera activa y con la idea de invertir cierto tiempo (como con este tostón que estoy largando…). Gracias por el apoyo que no brindáis siempre y por haber invertido esfuerzo en realizar esta estupenda entrevista, realmente creo que va a ayudar a entender mucho más nuestro disco y para eso es clave hacer las preguntas adecuadas como ha sido el caso. De verdad que os lo agradecemos. Dejaros inundar por la inmensidad de Eve, si después de ello vuestra alma se ha conmovido aunque sea un poco, habremos logrado nuestro objetivo. Abrid vuestra carne para que vuestro espíritu resplandezca.

 

SALDUIE es pura magia ancestral. Un viaje al pasado de la Península Ibérica que a modo de guía divulgativo te adentra en los entresijos de una civilización interesante y mística con integrados conceptos de la lealtad y la fidelidad. Ambaxtos es su nuevo disco, otra pieza conceptual que, en esta ocasión, ahonda en una figura de alto rango que podía llegar a servir de embajador. Hoy, los zaragozanos más folkies y épicos se sientan conmigo una vez más.

 

MK: Bienvenidos nuevamente a Metal Korner. Ya es una grata costumbre hacer este tipo de entrevistas donde ahondamos en los misterios de vuestros discos. ¿Qué tal estáis todos los SALDUIE?

 

VÍK: ¡Bienhallados! Bien, han sido tiempos complicados pero podemos decir que nos hemos mantenido a flote.

 

MK: ¿Qué acogida está teniendo el disco?

 

VÍK: Muy buena, la mayoría de las reviews coinciden en que es el mejor disco de SALDUIE hasta la fecha. Siempre tenemos la duda de cómo se acogerán nuestros nuevos temas pero estamos muy contentos viendo la recepción tanto de la prensa especializada como de nuestros seguidores.

 

Lealtad, sangre y venganza

 

MK: Vamos a ir paso a paso, sabéis que me encanta desgranar cada parte del disco. Lo primero es el título, ¿por qué un álbum dedicado a las figuras de los ambatxos?

 

VÍK: Fue algo natural como continuación de Viros Veramos. Mientras que nuestro disco anterior se centraba en la figura del líder, este nuevo álbum explora el papel de sus hombres y las relaciones y vínculos que les unían. Dos caras de una misma moneda.

 

MK: Un álbum que está estructurado en tres partes. ¿Nos ayudáis a localizar e identificar dichas partes?

 

VÍK: Son tres trilogías que cuentan tres historias en las que estos hombres del líder cobraron una especial relevancia. Una forma de explorar este vínculo a través de hechos e historias concretas. La primera es la historia de Retógenes Caraunios, la segunda cuenta como uno de los hombres del rey Tagus decidió vengar su muerta a costa de su propia vida y la tercera recoge las costumbres funerarias de estos hombres y como el respetar el pacto y morir como un guerrero significaban diferentes destinos en el más allá.

 

MK: En Ambatxos recuperáis los estribillos, canciones con menos entresijos musicales que recuerdan más a vuestros primeros discos. ¿Y este retorno a lo primigenio? ¿Creéis que es más accesible para el público?

 

VÍK: Llevamos experimentando con diferentes fórmulas desde Imbolc, y siempre intentamos perfeccionarlas un poco más. En este caso quisimos recoger la fuerza y potencia de nuestros estribillos y partes más coreables sin renunciar a la complejidad de pasajes más progresivos y técnicos que incorporamos en Viros Veramos. Creemos que hemos alcanzado un buen equilibrio.

 

MK: Kenis abre el disco y, aunque no tiene nada que ver, tiene algo que me recuerda a Sepultura. Dos preguntas: ¿En qué idioma está escrita la letra? ¿Qué significa la palabra Kenis?

 

VÍK: La letra es una lectura de la tésera de Uxama, una tésera de hospitalidad encontrada en el yacimiento arqueológico celtíbero de Osma, Soria. Está en celtíbero, naturalmente.

 

MK: Caraunios es uno de los temas más pegadizos del álbum y también el que relata una de las historias más intensas. Caraunios fue un noble cuya participación fue fundamental en la lucha por Numancia. ¿Es un guiño a vuestro primer disco?

 

VÍK: Era una forma de revisitar la historia de una de nuestras canciones más conocidas a través de otro episodio que transcurría simultáneamente. Una forma de explorarla de nuevo desde otra perspectiva, ampliándola.

 

MK: Ambaxtos incide en la figura descrita y representada en la portada del disco, ese guerrero leal de pacto cerrado. ¿Cómo fue componer esta canción narrada en primera persona?

 

VÍK: La intención era la de reflejar las emociones de los diferentes Ambaxtoi en medio de su misión. Está cantada a cuatro voces, de forma que Nem, Diego, Dani (Lépoka) y yo (Víctor) representamos cada uno a un hombre de Caraunios. Buscábamos una canción épica a la vez que algo tribal y folkie.

 

MK: Mores Mairoum es uno de esos temas corales donde todas las voces de SALDUIE se unen para dar mayor envergadura vocal a los mismos. ¿Cómo os organizáis para decidir quién canta en cada parte o qué tono encaja mejor?

 

VÍK: Normalmente componemos teniendo en cuenta las voces melódicas por un lado, y las guturales por otro. Una vez compuesta la música y escrita la letra las voces melódicas se reparten entre los cantantes, muchas veces incluso surgen nuevas ideas en estudio, así que no seguimos ninguna regla fija. Las voces melódicas comparten tesitura así no hay partes que sean exclusivas de un cantante u otro, aunque evidentemente cada uno aporta luego su timbre.

 

MK: Todos los temas son épicos, eso es la marca de la casa pero Tagus es rápido y certero, tanto como la leyenda que encierra. ¿Quién era el Rey Tagus? ¿Cómo supisteis de su existencia? Lo digo porque no es algo que se enseñe en los libros de texto.

 

VÍK: Mi aproximación a la Historia y a los conceptos que manejamos en SALDUIE suele ser a través de publicaciones académicas, por un lado, y de la lectura de autores clásicos, por otro. En concreto la idea surgió buscando episodios en los que el vínculo de la clientela cobrara relevancia, y desde luego la muerte y venganza de Tagus es uno de los más importantes, al ser según algunos autores el primer ejemplo de devotio ibérica encontrado en fuentes clásicas. Por otra parte, Silio Itálico tiene un texto muy poético acerca del rey que me impactó mucho, y que creí que podía ser muy potente para un tema (podéis encontrarlo en el libreto que acompaña nuestro álbum).

 

MK: La muerte de Asdrúbal es la desembocadura natural de la historia narrada en el tema anterior y ahonda en el concepto de lealtad de esos guerreros desprovistos de su jefe que fueron a asesinar al verdugo de su señor. ¿Creéis que es interesante compartir y ahondar en los antiguos principios de comportamiento? Me refiero a la forma en la que antaño se forjaban los vínculos.

 

VÍK: Es interesante desde la perspectiva de conocer a estos pueblos y cuales eran los valores e instituciones que guiaban sus comportamientos y organizaciones. Siempre es enriquecedor conocer como fueron las sociedades antiguas ya que permite entender cual ha sido la evolución hasta llegar a las sociedades actuales. Si te refieres a si esos principios de comportamiento son susceptibles de ser aplicados a la actualidad, sería un error. Proceden de sociedades con más de dos mil años de antigüedad cuya realidad histórico-social es radicalmente diferente a la actual.

 

MK: El Último Olcade se centra en el funesto destino que aguarda al asesino de Asdrúbal. Aprovecho este punto para preguntaros cómo fue la composición, grabación, mezcla y máster de este disco. ¿Os causó muchos problemas el confinamiento?

 

VÍK: Fue complicado, ya que tuvimos que trabajar de forma telemática. A la hora de componer solemos ser Nem y yo los que traemos los temas para ir trabajando, para después ir recopilando e incorporando las ideas del resto, pero al no tener posibilidad de juntarnos para probar ideas o recursos en persona, y estar todo el día pendiente de Whatsapp, acabó siendo frustrante en algunos momentos. No obstante, estamos doblemente satisfechos con el resultado, al haber obtenido un resultado que consideramos brutal superando estas dificultades añadidas.

 

MK: Me he percatado de que en este disco, hay una nueva tonalidad en las voces como un deje más roquero. ¿Es cosa mía?

 

DAVID: Al contar con tres cantantes, siempre hemos intentado ir dándole más matices a cada una de las voces. Las voces han ido cambiando mucho desde Imbolc, y más al ser dos cantantes melódicos quienes llevan la tarea de narrar los relatos históricos, mitos, etc. No es algo que se busque de manera obligatoria, pero sí que tratamos de ir variando con cada disco, además de lo que siempre sucede in situ en el estudio de grabación, donde se da más rienda suelta a la improvisación y a jugar con las texturas de las voces.

 

MK: Las Llamas del Ustrinum acoge una epicidad y unas sonoridades folkies que te atrapan desde el primer segundo. Unos ritmos ritualísticos que te trasladan hacia ese sitio donde se quemaban a los fallecidos. ¿Qué os transmite particularmente esta canción? A mí una peculiar serenidad.

 

DAVID: La verdad es que había pasado un tiempo ya desde que SALDUIE no componía una balada, desde Mores en Belos y tenemos que decir que se ha agradecido. Como decía antes, al contar con varios cantantes dentro del grupo, canciones como esta salen con mucha fuerza y frescura, gracias a las armonías entre voces, vientos y la producción orquestal de fondo, a manos de Theocide Studios. Estos temas, como Atland, Diana, la cierva Blanca, Matres que son más etéreos, transmiten siempre mucho para nosotros y desde luego, esta vez no ha sido la excepción.

 

MK: Ataecina, diosa hispana relacionada con el Inframundo. Introducción folkie donde se escuchan unos instrumentos que no logro identificar. ¿Cuáles son?

 

DAVID: Después de la intro de low whistle y arpa, la melodía que suena, que hará después de estribillo, es de una combinación entre zanfoña (hurdy-gurdy) y bombarda.

 

 

 

Además, es el único tema del disco que cuenta con una colaboración, la de Raquel Eugenio que estuvo en La Voz. ¿Cómo surgió esta sinergia musical?

 

DAVID: Desde nuestro primer disco, siempre hemos intentado juntarnos con músicos que estén dentro del círculo con tal de forjar vínculos y tratar de generar apoyo entre bandas. En este caso, para Ataecina, necesitábamos una voz femenina y, en cierto modo, angelical en algunos pasajes de la canción. Por esto, enseguida se nos vino a la cabeza la voz de Raquel, que lleva haciendo un gran trabajo desde hace años de manera individual y, en los últimos años, con Celtian. Siempre es un placer realizar este tipo de acciones de unión entre bandas y estamos muy contentos con el resultado obtenido en esta canción, la verdad.

 

MK: Descarnatio ejerce de broche magnífico para un disco que recorre desde fuera hacia adentro la figura del ambaxtos centrándose en uno de ellos. Una travesía por la cultura celtíbera que se clausura con un tema que me recuerda a mi adorado Netón. Vamos por partes, ¿qué era el descarnatio? Contádselo a los lectores.

 

DAVID: Se trató de un ritual funerario celtibérico a los guerreros que morían en batalla. Como otras civilizaciones, la celtibérica también atribuía un valor añadido a la muerte que se daba en la guerra, por lo que se creía que si se dejaban los cuerpos expuestos en el campo de batalla y los buitres los devoraban, éstos llevarían sus almas al cielo, donde los guerreros acabarían juntándose con los dioses. De ahí la importancia que cobraban estas aves, llegándose a tratar como mensajeros divinos.

 

MK: Segundo, está dedicado, en cierta manera, a los buitres, además cuenta con mensaje de concienciación incluido. Diría que es el primer tema en el que hacéis algo así. ¿Os planteáis volver a usar un tema del pasado para trasladar un mensaje centrado en la actualidad?

 

DAVID: Como regla general, es un error intentar analizar situaciones o hechos del pasado desde la perspectiva de nuestra sociedad actual, por lo que intentamos limitarnos a narrar hechos históricos bajo una envoltura “estética” que resulte atractiva, pero sin intentar “pontificar” sobre nada. Sin embargo, en este caso, al ser un tema de concienciación con el medio ambiente y por tanto algo más universal, todos pensamos en que podía ser una buena idea lanzar un mensaje de ese tipo que pudiera hacer más conscientes a la gente que nos rodea sobre la situación de estas aves. Obviamente no descartamos en un futuro repetirlo si el mensaje lo requiere.

 

MK: Tercero, ¿Quién es la bailarina? Derrocha una fuerza magnífica.

 

DAVID: Ella es Elisa Forcano, licenciada en Bellas Artes y graduada en Teatro Físico. Es un auténtico portento en las artes escénicas y cuenta con una carrera larguísima para su edad. Fue alucinante poder contar con su trabajo para emular a la diosa Ataecina. Desde que le comentamos la idea de aparecer en el videoclip, estuvo estudiando el movimiento de los buitres para poder emular, desde su disciplina, el movimiento de estas aves. El resultado fue sorprendente.

 

Y por último, ¿grabó vuestro equipo, Barbecho Producciones, las imágenes del buitre que aparecen en el videoclip?

 

DAVID: Sí, tuvimos que trasladarnos a un muladar en Santa Zilia de Panzano, con el consentimiento del Ayuntamiento, para poder obtener las magníficas tomas que se sacaron de los buitres y que tanto aportan al videoclip. La verdad que el resultado fue insuperable y, de nuevo, agradecemos al gran trabajo de Barbecho Productions que siempre suma muchísimo en cada uno de los proyectos que realiza con nosotros.

 

El desconocido sino

 

MK: Podría pasarme toda la vida haciéndoos preguntas pero no es plan de que me odiéis, jajaja, así que vamos a ir acabando. Ambatxos es vuestro primer trabajo financiado a través de una campaña de crowdfunding. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Es mejor autoproducir un disco que hacerlo a través de un sello?

 

DAVID: En efecto, hasta el día de hoy no habíamos tenido la necesidad de realizar un crowdfunding, pero debido a la pandemia que estamos viviendo, la segunda parte de la gira que teníamos programada para Viros Veramos, tuvo que verse suspendida y no pudimos rehacernos económicamente. Finalmente tomamos la decisión de, aprovechando el confinamiento, ponernos manos a la obra con un nuevo disco y de financiarlo de esta manera. La verdad es que pusimos una meta que considerábamos bastante difícil, dado que nunca habíamos pedido colaboración de esta manera con nuestros seguidores, más allá de la venta de camisetas y discos. El resultado fue de lo más alentador, ya que en menos de un día teníamos ya la cantidad que nos habíamos planteado y en menos de una semana la habíamos doblado. Fueron unas semanas de lo más emocionante para el grupo ya que, una vez más, nuestros seguidores nos demostraron lo mucho que somos para ellos y no podemos estarles más agradecidos.

 

MK: Planes de futuro. ¿Cuáles tenéis? ¿Fechas? ¿Alguna gira?

 

DAVID: Dada la situación que todos estamos viviendo, creo que es la pregunta más difícil de la entrevista. Nosotros estamos dándolo todo para seguir adelante y siempre que las autoridades sanitarias lo permitan, estamos encantados de poder seguir realizando conciertos. Hace unos meses tuvimos la oportunidad de disfrutar con dos conciertos, uno en formato acústico, y otro, presentando Viros Veramos, que llevaba pospuesto desde marzo de 2020 y la verdad que fue una experiencia para repetir. Fue un entorno seguro y todos respetamos las medidas de seguridad, por lo que creo que si seguimos haciendo las cosas como se deben, podremos recuperar la normalidad pronto y los eventos más grandes como los festivales irán viendo más luz.

 

MK: Hemos hablado muchísimo de este disco pero siempre tengo la sensación de haberme dejado algo. ¿Queréis añadir algo más al respecto?

 

DAVID: Es verdad que se trata de un disco muy completo, que requiere de varias escuchas con el libreto en mano para desmigajar todas sus partes y apreciar todos los matices que esconde. Hasta nosotros nos sorprendemos algo más después de cada escucha que le damos. Creemos que toca disfrutarlo durante un tiempo, ya que ha costado mucho sacarlo adelante con todas las dificultades que han ido aconteciéndose en este año y esperar que pronto podamos ir presentándolo en todas las comunidades y estar con todos vosotros sobre los escenarios.

 

MK: Os habéis vuelto a coronar, una nueva obra de arte musical que traspasa fronteras y no solo hace disfrutar sino enseñar, divulgar. Es la magia del folk metal que también sabéis emplear vosotros. Después de varios años, os lo pregunto una vez más. ¿Qué simboliza para vosotros este estilo?

 

DAVID: Bueno, se trata de un género que no deja indiferente a nadie. Es un género que no para de crecer y que, desde luego, cobra significado de manera diferente para cada persona. Para algunos miembros de SALDUIE, es una manera poética de relatar lo que sucedió durante muchos años de historia que todos compartimos, para otros, una manera de evadirse de un mundo que apuesta por lo tecnológico o digital, donde las deidades, las leyendas y los mitos cobran fuerza y te ayudan a desconectar. Para nosotros significa mucho y es algo emocionante haber llegado a componer un cuarto álbum y que esté teniendo la acogida que está teniendo.

 

MK: Muchísimas gracias por vuestro tiempo. Si queréis añadir algo antes de cerrar, es vuestro espacio.

 

DAVID: Como veníamos diciendo, de nuevo muchísimas gracias por todo el apoyo que realizáis los medios de comunicación, y a todos nuestros seguidores. ¡Salud y SALDUIE!

 

 

SÔBER es uno de esos grupos que forma parte de la historia viva de la música metal en España. El cuarteto madrileño se ha convertido en un grupo icónico cuyo sonido ha creado escuela influenciando a decenas de bandas. Elegía es su nuevo trabajo publicado recientemente a través de El Dromedario Records. Un LP con sonido marca SÔBER que promete convertirse en uno de los favoritos de sus fans.

 

MK: Buenas chicos, soy Pilar Martínez. Bienvenidos a Metal Korner donde ya os habéis granjeado vuestro espacio desde hace años. Decidme, ¿cómo os encontráis en tan convulsos tiempos? ¿Os habéis vacunado ya?

 

SÔBER: Hola, pues la verdad es que bien dentro de lo difícil del asunto, por suerte, viendo la luz al final del túnel. Estamos la mitad del grupo vacunados…y en breve todos.

 

MK: ¿Paralizó la pandemia la grabación o publicación de Elegía?

 

SÔBER: Pues la verdad es que no. Teníamos pensado grabar en esas fechas y así lo hicimos. Fue de una forma un tanto diferente, por las restricciones y todo eso, pero se grabó sin problemas. En cuanto a la publicación, ahí sí. Hemos tenido que retrasar la salida hasta ahora, pero, pensando y viendo como está la situación, era lo más lógico.

 

MK: ¿Cómo habéis vivido este último año? ¿Lo habéis aprovechado para grabar este nuevo LP o ya lo teníais preparado?

 

SÔBER: El disco ya estaba preparado desde hace tiempo, y como te he dicho antes, no hubo problema para grabarlo en las fechas previstas… En ese sentido, la verdad es que no nos ha dado ningún problema la pandemia.

 

MK: ¿Qué tal se están portando vuestros fans? ¿Le están dando cariño a Elegía? ¿Y los medios especializados?

 

SÔBER: Estamos muy contentos con la acogida del disco, en ambos sentidos. Entró en el número 2 de ventas, y eso nos hace ver que tenemos los mejores fans. Y en cuanto a la prensa, la acogida está siendo muy buena. No nos podemos quejar en absoluto.

 

MK: ¿Cómo os sentís al respecto con este trabajo? ¿Hay algo que cambiaríais de él?

 

SÔBER: Creo sinceramente que se ha hecho un gran disco, muy trabajado en todos los sentidos. Sinceramente, no cambiaría nada. Estamos como con un niño recién nacido.

 

Elegía, un nuevo paso

 

MK: No sé si teníais ya grabado el disco pero si no es así, ¿os ha afectado la pandemia a la hora de componerlo?

 

SÔBER: En realidad no. Como te he dicho antes, el disco ya estaba compuesto y pre-producido. A la hora de grabarlo el cambio más notable fue la situación de restricción que no nos dejaba estar en el estudio todos a la vez…

 

MK: Elegía sigue la senda de vuestros trabajos anteriores conservando ese sonido único e inigualable de la marca SÔBER. ¿Cómo fue componerlo? ¿Qué os sigue inspirando después de tantos años en activo?

 

SÔBER: En este sentido el sonido y estilo que tenemos lo intentamos mantener intacto dentro de lo posible. En cuanto a la composición, Carlos ya llevaba trabajando en los temas desde hace años, concretamente desde la salida de Vulcano, nuestro anterior trabajo de estudio.

 

MK: Elegisteis Mi Heroína, Verona y Eclipse como adelantos del mismo. ¿Por qué estos temas y no otros?

 

SÔBER: Pensábamos que eran una buena carta de presentación del resto del disco, y que los seguidores de la banda se harían una idea muy clara de lo que se iban a encontrar en el disco.

 

MK: A nivel musical, ¿Qué destacaríais de este álbum?

 

SÔBER: La producción. Se ha conseguido un sonido más contundente y claro que en los demás trabajos, se ha trabajado mucho el sonido del bajo y se ha hecho mucho más abierto el sonido en general. Para nosotros es el más contundente de todos.

 

MK: ¿Por qué titularlo con Elegía? ¿Estamos ante un trabajo conceptual que revolotea alrededor de la muerte?

 

SÔBER: En realidad no es un disco conceptual. El título es un homenaje a la gente que hemos perdido a lo largo de estos años, como Alberto Madrid o Big Simon.

 

MK: ¿Qué significa para vosotros y para vuestra carrera este nuevo trabajo?

 

SÔBER: Un nuevo reto y empezar con la ilusión de siempre. No hubiéramos sacado un disco si no estuviésemos convencidos de que estuviera a la altura. Es un disco muy trabajado y muy mimado.

 

MK: ¿Queréis destacar algo más de este disco?

 

SÔBER: El tema del formato, así como el arte y el concepto del diseño. La portada y el resto de ilustraciones están hechas por Diana Escobedo, que es la hija de Carlos y eso lo hace muy especial.

 

Futuro, gran desconocido

 

MK: Ahora mismo os encontráis inmersos en plena gira de presentación. ¿Habéis tenido que adaptar mucho vuestro show a las medidas de seguridad?

 

SÔBER: Claro, no hay opción. Es raro ver a la gente sentada, pero, hasta que se normalice todo y se vuelva al formato normal, no nos queda más remedio que acatar las medidas de seguridad.

 

MK: ¿Cómo lleváis la vuelta a los escenarios? ¿Qué emociones estáis recopilando? ¿Qué tal la experiencia?

 

SÔBER: Con mucha ilusión… Hemos trabajado duro para que no se note el año de parada, salimos con mucha energía y la emoción es de ilusión y encuentro con los fans.

 

MK: Es pronto para saberlo, más aun en estos tiempos inhóspitos pero…¿Cuáles son vuestros planes de futuro?

 

SÔBER: Vamos a hacer unos cuantos conciertos este año y de cara al año que viene, hacer una gira de salas, si se puede, para poder presentar el disco en condiciones óptimas.

 

MK: Acabamos, ¿Cómo habéis sobrevivido a la crisis del coronavirus? ¿Qué futuro le auguráis al metal en tan aciaga época?

 

SÔBER: Todos lo hemos pasado de una forma diferente, unos mejor y otros peor, pero, con la ilusión en mente de sacar un buen disco y defenderlo en directo como se merece.

 

MK: ¿Cuál creéis que es vuestra mejor canción a modo de presentación para los que todavía no os conocen?

 

SÔBER: Es difícil después de tantos discos… Quizás canciones como Arrepentido, Tic tac o Superbia hacen de presentación para que la gente se de cuenta del sonido y el estilo que tenemos.

 

MK: Si queréis añadir algo, este es vuestro espacio.

 

SÔBER: Muchas gracias por vuestro apoyo, y esperemos que el rock vuelva a estar en todo lo alto.

 

 

 

OUIJA es una de las bandas pioneras del black metal en España con dos parones musicales incluidos. La oscuridad surgió por primera vez en Barcelona en 1995. Dos años más tarde lanzaron su primer trabajo Riding into the Funeral Paths  a través de Repulse Records y dos splits que se convirtieron en sus últimos trabajos antes del primer parón de 2009. En los albores de 2010 volvieron a la carga con Adversary y tres años después se arrancaron con su segundo LP, Ave Voluptatis Carnis. Su carrera ha sido convulsa pero han vuelto una vez más a la carga con Selenophile Impia bajo el brazo. Un trabajo oscuro que recuerda al black metal más primigenio.

 

 

PT I

 

 

MK: Bienvenidos a Metal Korner y gracias por vuestro tiempo. Sed bienvenidos a la que es una embajada del black metal en España. Es un placer charlar con vosotros. Yo, Pilar Martínez, seré vuestra guía. Antes de entrar en materia, viene la pregunta obligatoria. ¿Cómo estáis en estos tiempos de pandemia?

 

 

OUIJA: Pues de puta madre, son tiempos para quien se quiere dejar engañar por tanta difamación política y social, han querido instaurar un estado de terror y lo han conseguido, en mi caso personal no ha variado mucho mi vida cotidiana ya que intento mantenerme al margen de tanta idiotez colectiva…jaja en cierto modo hasta se agradecía ver las calles desiertas y a todos con cara de atemorizados porque se acercaba el fin del mundo. De momento, aquí seguimos hasta que nos vengan con otro cuento apocalíptico para sacarnos los cuartos a todos. Lo malo es que la inmensa mayoría les ríen las gracias y así nos va.

 

 

MK: Para entender vuestro último trabajo es necesario hacer una retrospectiva de toda vuestra carrera. ¿Cuándo nació OUIJA? Contadnos vuestra historia y vuestra vuelta a la música.

 

 

OUIJA: Contar cualquier historia siempre es muy largo y aburrido, a quien le importa ya. Está en Metal Archives para quien quiera informarse un poco más, así que prefiero centrarme en el presente que es lo realmente importa. Nuestra vuelta ha sido algo natural, nada forzado, había nuevas composiciones con fundamento y gente nueva con ganas, y a Map y mí tampoco nos faltaban; así que volvimos a despertar a la bestia que no estaba muerta, simplemente dormía.

 

 

MK: Como comentábamos, la banda nació en 1995 pero después de un parón, volvisteis a la escena para publicar vuestro segundo disco en 2013. Ahora le ha llegado el turno al EP Selenophile Impia. ¿Cómo está siendo acogido por los fans y por los medios especializados?

 

 

OUIJA: No nos podemos quejar porque la acogida está siendo muy positiva por ambas partes. Al fin y al cabo siempre te sientes recompensado con ello y te llena de orgullo que tenga buena aceptación entre la gente y los medios.

 

 

MK: En vuestra nota de prensa comentáis que la idea original era publicar el EP antes pero la Covid-19 y toda su pertinente crisis lo impidieron. ¿Os ha costado mucho esfuerzo lanzar este trabajo? ¿Por qué os habéis decantado finalmente por estas fechas?

 

 

OUIJA: La dichosa pandemia, pues ha creado esta serie de estupideces que si no puedes salir de tu comunidad, que si una cosa que si otra, pues todo esto desencadena unos retrasos y demás historias y al final pues salió el EP al últimos de mayo, pero bueno contentos con ello al final.

 

 

PT II: Dentro de Selenophile Impia

 

 

MK: ¿Cómo fue componer, grabar y masterizar este disco? ¿Hay alguna anécdota del proceso que queráis compartir?

 

 

OUIJA: El proceso de grabación fue muy mecánico por así definirlo, una cosa detrás de otra, sin prisas pero sin pausas y realmente sin anécdotas, pus no sucedió nada fuera de lo común, jaja la vida en sí ya es una anécdota.

 

 

MK: ¿Os habéis tenido que adaptar a las restricciones pandémicas para grabarlo? ¿Cómo lo habéis hecho?

 

 

OUIJA: En cierto modo sí, pero hay cosas que siempre quedaran en secreto jaja. Realmente excavamos un túnel hasta el estudio de grabación jaja.

 

 

MK: El disco ha sido masterizado por Magnus Andersson en el Endarker Studio de Suecia (Marduk, Ofermod, Funeral Mist, IXXI, Ragnarok, etc). ¿Cómo ha sido trabajar con un productor de la talla de Magnus? ¿Habíais trabajado ya con él con anterioridad?

 

 

OUIJA: Ha sido la primera que hemos trabajado con él y todo muy correcto y profesional, la verdad una persona muy seria con su trabajo, da gusto tratar con gente así.

 

 

 

MK: ¿Por qué solo habéis escogido tres canciones para este EP? ¿Y por qué estas?

 

 

OUIJA: Muy sencillo hemos elegido estas canciones porque solo teníamos estas preparadas ahora, no te voy a mentir si no seria hipócrita por mi parte, pero estábamos muy conformes y satisfechos con ellas, que al final lo que cuenta es que creas en tu producto.

 

 

MK: ¿Quién ha diseñado la portada del EP? ¿Cuál es la simbología detrás de la figura femenina de la loba alada?

 

 

OUIJA: La portada ha sido hecha por César Valladares; un puto crack. Y  la simbología viene dada en consonancia con la letra de dicha canción, fue muy acertada su ilustración con la temática del escrita. ¿Quién, en cierto modo, no ama a la Luna de una forma oculta y retorcida?

 

 

MK: Selenophile Impia es toda una oda al black metal con un cariz vanguardista imposible de ignorar. ¿Qué destacáis musicalmente de este EP?

 

 

OUIJA: Hemos intentado fusionar nuestra identidad con los las tendencias más actuales, siempre sin perder nuestros vínculos con nuestras raíce…con el paso del tiempo tu sonido cambia eso es al innegable. No soy quien para destacar nada, quien tiene que opinar sobre ello sois vosotros, mi opinión sobre mi propio trabajo no vale nada y me la guardo para mí jaja seria estúpido que yo mismo me criticara o me echara flores encima.

 

 

MK: En cuanto a las letras, todas hablan sobre una bestia oscura y hambrienta, lo que me hace creer que estoy ante un álbum conceptual. ¿Me equivoco? ¿Qué os ha motivado para contar esta historia? ¿Cuáles son sus entresijos?

 

 

OUIJA: Como ya comenté la bestia no estaba muerta solo dormía…y cuando despiertas de tal letargo tu hambre es insaciable…a partir de aquí saca tu propias conclusiones.

 

 

Pt III

 

 

MK: Hacer planes de concierto está siendo complicado, sobre todo, en algunas comunidades donde las salas destinadas para ello están cerradas. ¿Defenderéis el disco en directo? ¿Tenéis alguna fecha cerrada?

 

 

OUIJA: Cerrado solo está el Bloodfest en Zaragoza, por lo demás ya irán llegando cosas que realmente merezcan la pena y nos atraigan.

 

 

MK: ¿Cuáles son vuestros planes de futuro? ¿Estáis preparando material para un nuevo trabajo?

 

 

OUIJA: Plan futuro inmediato: sacar nuevo álbum a principios del año que viene, por lo cual, sí que ya estamos inmersos en componer nuevo material para ello.

 

 

MK: Terminamos, ¿Qué es para vosotros el black metal? ¿creéis que hay una evolución dentro del mismo desde su nacimiento en los 90 hasta la actualidad? ¿Qué futuro le auguráis a este estilo?

 

 

OUIJA: La evolución es continua, todo evoluciona e involuciona al mismo tiempo, cada cierto tiempo surgen nuevas tendencias y modas, entonces es difícil pronosticar un futuro a largo plazo ya que todo es muy variable y elástico, pero lo que si te puedo decir es que al final solo prevalecen los más fuertes en actitud y convicción que es como yo entiendo este estilo.

 

 

MK: Muchísimas gracias por vuestro tiempo. Si queréis añadir algo más, este es vuestro espacio.

 

 

OUIJA: Gracias por la entrevista, un placer contestarla…y solo decir una cosa no os toméis la vida demasiado en serio porque no vais a salir vivos de esta…así que disfrutar y romper todas sus leyes y dogmas que es lo único que nos queda; ¡¡¡combatirlos!!!

 

 

Desde las tierras de Düsseldorf, la banda SuidAkrA lleva 26 años compartiendo con el mundo su celtic metal de sonoridades death, black o folk. 26 años de música durante los que han compuesto 16 discos sin límites. Wolfbite (MDD-Records, 2021) es su último trabajo que saldrá el 25 de junio. En Metal Korner hemos podido escucharlo, repasar sus letras y conversar detenidamente sobre ellas con Arkadius, líder, voz, guitarra y teclados de la banda. Un álbum sin límites.

 

Publicar en tiempos de COVID-19

 

 

MK: En primer lugar, ¿Cómo está la banda en estos tiempos difíciles? ¿Estáis todos bien? ¿Cómo está la situación en Alemania?

 

 

ARKADIUS (voz, guitarra, teclados): ¡Gracias por recibirnos! Todos lo estamos haciendo bastante bien hasta ahora… a pesar de los tiempos, más que desafiantes, en los que nos encontramos todo el mundo. Nuestras familias y nosotros estamos sanos, eso es lo más importante. Afortunadamente se puede decir que vamos definitivamente en dirección correcta: de regreso a la normalidad en Alemania.

 

 

MK: Actualmente estáis promocionando vuestro decimosexto LP llamado Wolfbite. ¿Tenéis alguna sorpresa especial para tus fans?

 

 

A: Creo que es más el álbum número 15 hasta ahora…sin embargo, el álbum número 16 no está muy lejos de ese punto en el tiempo y nos encanta ser creativos y componer nueva música jejeje.

 

 

La banda está en constante evolución, personal, técnica y, por supuesto, musicalmente. Simplemente no somos la banda que quiere lanzar los mismos álbumes con el mismo sonido una y otra vez. Además, con este lanzamiento puedes escuchar y sentir que esto es SuidAkrA, porque la base que forma el carácter y el espíritu de la banda siempre permanece sobre la que estamos construyendo constantemente. Deliberadamente no nos ponemos límites. Wolfbite es, por tanto, la consecuencia natural y lógica de los últimos más de 27 años de historia de la banda. Define claramente el aquí y ahora de SuidAkrA.

 

 

MK: Grabasteis el LP en octubre de 2020. ¿Tuvisteis algún problema con las restricciones causadas por la Covid-19? En algunas regiones españolas, no podíamos reunirnos con amigos o familiares en casas y espacios cerrados.

 

 

A: Sí, es cierto, también tuvimos algunas restricciones en Alemania, por supuesto, y tuvimos que aprender a lidiar con los desafíos que surgieron. Pero, no obstante, estábamos en ese momento en una situación de suerte, al menos en ese sentido, porque decidimos grabar Wolfbite de forma diferente a las grabaciones anteriores. Debido a las obligaciones familiares, el trabajo relegaba las tareas de cada uno de nosotros en la banda así como la distancia entre unos y otros, por lo que tuvimos que buscar una posibilidad simple, flexible y al mismo tiempo no perjudicial para la calidad de la producción y alternativa a un «estudio convencional» para trabajar en un nuevo álbum.

 

 

Es por eso que tuvimos que lidiar con las dificultades emergentes pero también con varias posibilidades y ventajas nuevas que de esta forma de trabajar. No obstante sabíamos en su mayor parte lo que había porque ya habíamos trabajado de esa forma antes. Básicamente, se puede decir que, no solo aprovechamos al máximo la situación, sino que también descubrimos y aprovechamos las máximas posibilidades para nosotros y el álbum.

 

 

MK: ¿Habéis tenido alguna duda a la hora de decidir la fecha de lanzamiento de este disco?

 

 

A: Por supuesto, hubiéramos preferido un lanzamiento en “tiempos más normales” porque no se podía prever y, en parte todavía no se puede, cómo se desarrolla algo en el futuro cercano o inmediato. Y además, nos hubiera gustado aprovechar la oportunidad para promocionar el álbum en vivo, por supuesto… Sin embargo, lo de girar es todavía un poco difícil, al menos en esta etapa. Aunque, todo va lentamente de alguna manera en la dirección correcta y, por supuesto, nos complace que el lanzamiento pueda tener lugar en la medida de lo posible y en este tiempo.

 

 

MK: Habéis publicado Resurgence como single y lyric-video. ¿Por qué elegisteis esta canción y no ninguna otra del álbum? ¿Qué importancia tiene dentro del tracklist de Wolfbite?

 

 

A: Obviamente, cada canción de Wolfbite es especial para nosotros de muchas maneras. Pero la canción Resurgence puede que, incluso, un poco más porque es una mezcla variada de la vieja escuela y la nueva escuela con muchas sutilezas en la medida en que permite la comprensión del concepto de Wolfbite. Esta pista no solo deja espacio para los grandes músicos invitados que nuevamente son parte de este álbum y han hecho un trabajo absolutamente increíble en forma de voces variadas, violín, flauta, gaitas y mucho más, sino que también ofrece melodías pegadizas, así como riffs más duros y partes del acompañamiento y soporte orquestal que componen SuidAkrA.

 

 

MK: ¿Qué opináis de este LP? ¿Lo consideráis un punto de inflexión en tu carrera musical?

 

 

A: No estoy seguro de si se puede llamar un punto de inflexión en nuestra carrera, pero probablemente es un paso más en el desarrollo, la integridad y la historia de SuidAkrA. Siempre dejamos que sentimientos como “cuál es la motivación y la razón para escribir nueva música” fluyan hacia nuevas composiciones y esta es la parte fundamental de nuestro sonido que puedes descubrir en cada álbum de SuidAkrA. Al mismo tiempo, como se dijo antes, no queremos repetir algo que ya hemos hecho en el pasado y deliberadamente no nos pone límites.

 

 

Kris Vervimp, detrás del concepto

 

 

 

 

MK: Este álbum tiene una amplia variedad de sonidos, desde los más los folkies en Faoladh hasta otros más extremos como en A Life in Chains. ¿Qué te ha influido para componer Wolfbite? ¿Qué destacáis musicalmente de este disco?

 

 

A: Las influencias, o más bien el impulso para escribir un nuevo álbum, cambiaron en comparación con los primeros álbumes que lanzamos en los 90. Porque en ese momento no teníamos ningún concepto lírico, por lo que generalmente escribíamos la música primero y nos inspiramos más en la música de nuestras bandas favoritas. Ese enfoque cambió durante los años. Debido a que la mayoría de nuestros álbumes se basan en conceptos líricos, también Wolfbite tiene la misma fuente de inspiración que los álbumes anteriores. La historia conceptual es la inspiración que necesitamos para tener el sentimiento y el estado de ánimo adecuados para el proceso de composición. Entonces, en Wolfbite también tuvimos que conocer el concepto completo con sus diferentes partes de esta historia, para poder comenzar a escribir la música.

 

 

MK: Wolfbite habla del coraje, individualismo, libertad, rebelión, independencia y lucha contra las injusticias. Es un alegato contra la opresión. ¿Por qué escribís este tipo de letras? ¿Qué os ha influido? ¿Os ha influido la situación actual?

 

 

A: El concepto lírico y la idea detrás de Wolfbite vinieron una vez más de nuestro amigo, Kris Vervimp. Al hacerlo, hace uso de un mundo y una narrativa fantásticos. La historia completa está basada en Realms Of Odoric y no necesariamente se desarrolló con la idea de fondo principal de establecer muchas conexiones con el tiempo presente, sino que se aprovechó la oportunidad con este álbum para contar la historia de Alaric. Sin embargo, por supuesto, puede ser que Kris haya permitido, consciente o inconscientemente, conexiones en estos textos hasta el día de hoy. Ahora depende de cada individuo formar su propio juicio al escuchar/leer Wolfbite.

 

 

MK: Sin embargo en las últimas canciones cantáis sobre los ‘pictish’ y ‘cimbric’, lo que me genera ciertas dudas. ¿Es Wolfbite un álbum conceptual? ¿Existe una historia general que conecta todas las canciones o es un conjunto de historias diferentes?

 

 

A: Wolfbite es otro álbum conceptual basado en el proyecto de la banda sonora Realms of Odoric de Kris Vervimp y nosotros. Mientras que el álbum de 2016 del mismo nombre Realms Of Odoric se dedicó al lanzamiento de First Age, con Wolfbite pasamos al álbum de Second Age. Se trata de un lado mucho más oscuro, que ya se puede anticipar en el diseño de la obra de arte. En este álbum de Second Age hay una canción llamada Alaric Wolfbite, que no solo representa una conexión directa en términos de contenido, sino que también la subraya y enfatiza como título del álbum.

 

 

Kris Vervimp ha desarrollado el concepto lírico, la historia de fondo y el diseño artístico, una vez más haciendo un excelente trabajo.

 

 

MK: ¿Cómo fueron los procesos de composición, grabación y masterización? ¿Cómo organizasteis el tiempo y el trabajo? ¿Tenéis alguna anécdota interesante de estos procesos?

 

 

A: Como se mencionó anteriormente, poco después de las grabaciones de Echoes Of Yore buscábamos otra posibilidad y forma alternativa a un “estudio convencional” para trabajar en un nuevo álbum debido a obligaciones familiares, peculiaridades laborales y la distancia entre unos y otros. Entonces, el enfoque y la ejecución fueron totalmente diferentes esta vez. 

 

 

Rápidamente llegamos al Pitch Back Studio y Aljoscha Sieg, a quien conocíamos de antaño. Sus referencias musicales simplemente nos dejaron boquiabiertos y pensamos que era absolutamente apropiado para nuestro próximo álbum Wolfbite. Entre otras cosas, vimos una gran ventaja poder grabar y editar de manera flexible todas nuestras partes en casa en nuestros propios estudios caseros. Pudimos tener la máxima influencia en la grabación y la calidad de reproducción de las canciones completas. En un estudio «normal», el programa se cronometra con precisión y se proporciona un marco ajustado. Los cambios, ideas y ajustes solamente son posibles de forma limitada. Ahora podíamos trabajar en cada detalle de una canción durante el tiempo que quisiéramos hasta que la encontráramos perfecta. ¡Aljoscha y su equipo han logrado un resultado absolutamente fantástico en la mezcla y master con los que estamos más que satisfechos! ¡La cooperación fue realmente genial! Increíblemente sencillo, extremadamente profesional y estamos seguros de que el resultado sin duda dejará boquiabierto al oyente.

 

 

MK: Me gusta mucho el diseño del disco. ¿Quién es el artista? ¿Hay alguna simbología oculta en la portada?

 

 

A: La obra de arte, así como toda la historia conceptual de Wolfbite, está una vez más bellamente realizada por nuestro amigo Kris Vervimp. Una vez más, ha hecho un trabajo fantástico al implementar la historia gráficamente. Estamos totalmente impresionados cada vez. Y por cierto: habrá un libro de varias páginas en forma de cómic que reflejará toda la historia de Wolfbite de manera ilustrativa. Una vez más una pequeña obra maestra de nuestro amigo, artista gráfico y letrista Kris.

 

 

MK: ¿Os gustaría comentar algo más sobre Wolfbite?

 

 

A: Ponemos mucho corazón, alma y trabajo en Wolfbite, y estamos muy orgullosos y satisfechos con el resultado. Es probablemente el álbum más completo de la historia de SuidAkrA hasta ahora, si puedes decirlo.

 

 

Magia, Alemania y comida española

 

 

MK: SUIDAKRA es una banda muy prolífica porque publicáis un nuevo álbum cada año, algo casi imposible para la mayoría de las bandas. ¿Cuál es vuestro secreto?

 

 

A: No todos los años con SuidAkrA, pero tienes razón, somos bastante productivos. Quizás esto también se deba al hecho de que tenemos otros proyectos paralelos diferentes en los que también estamos activos, publica un comunicado aquí y allí y a menudo tienen una conexión entre sí. Pero sí … creo que la respuesta a la pregunta es bastante simple y no es realmente un secreto: ¡simplemente nos divertimos mucho, igual que antes, con lo que hacemos! La química encaja perfectamente entre nosotros y cada uno de nosotros tiene una gran cantidad de influencias, ideas y creatividad que quiere dejar salir. Todo el proceso de creación es algo mágico y si al final del día puedes implementar lo que has imaginado en tu cabeza todo el tiempo, es algo realmente asombroso.

 

 

MK: ¿Podréis hacer una gira internacional para promocionar el nuevo LP? ¿Tenéis alguna fecha cerrada?

 

 

A: Si algo nos ha mostrado la situación actual es, entre otras cosas, que de momento, en lo que a conciertos y giras se refiere, no se puede decir y/o planificar con absoluta certeza. Desafortunadamente… Sin embargo, algunos conciertos seleccionados todavía están en la agenda, que hasta ahora han sido cancelados y/o pospuestos. Todavía hay algunas ideas en el tintero, sobre las que, lamentablemente, todavía no podemos decir nada, porque simplemente hay demasiados signos de interrogación al respecto. Pero, por supuesto, queremos poder presentar y promover Wolfbite en vivo frente a nuestros amigos y fans lo antes posible.

 

 

MK: ¿Cómo es la situación actual de la música en Alemania? ¿Está recibiendo alguna ayuda financiera para paliar las consecuencias de la crisis del covid-19? ¿Sobrevive la cultura en Alemania?

 

 

A: Una pregunta muy difícil para la que hay respuestas complejas y de muchas capas. En primer lugar, probablemente puedas decir que todo va lentamente, pero finalmente todo vuelve en la dirección correcta al final. Se están recuperando poco a poco los conciertos aunque su mayoría al aire libre y a pequeña escala y bajo estrictos y elaborados conceptos de higiene, por ejemplo. Es, entre otras cosas, un gran desafío para las personas de las más diversas ramas de la cultura, especialmente si esta rama es la principal fuente de ingresos. Afortunadamente, estamos en una posición privilegiada ya que combinamos la música junto con nuestros trabajos principales y, por lo tanto, no nos afectan mucho estas circunstancias.

 

 

MK: ¿Cómo os estáis adaptando a los nuevos hábitos y tendencias de consumo? ¿Qué opináis de los nuevos modos culturales?

 

 

SuidAkrA: Hubieron, y seguirán habiendo, varias tendencias y cambios nuevos a los que puede adaptarse, pero, por supuesto, no es necesario. Nos hemos adaptado hasta tal punto que creo que podemos servir a la mayoría de las posibilidades del mercado. En MDD-Records no solo tenemos un socio fuerte a nuestro lado, sino también un buen amigo. Hay que destacar las posibilidades digitales pero también los lanzamientos en vinilo que experimentan un resurgimiento desde hace unos años. Personalmente y emocionalmente, sin embargo, estamos más en el lado físico de los lanzamientos.

 

 

MK: ¿Cómo es vuestra relación e interacción con los fans españoles?

 

 

A: ¡Fantástica! En general, todos estamos muy contentos de ser huéspedes en España, ya que amamos y apreciamos mucho el país y la gente. ¡Y la comida también :-)! ¡Tenemos grandes recuerdos de conciertos realmente geniales que siempre nos hacen felices de volver una y otra vez! La afición española es muy leal, apasionada y entusiasta por la música, eso nos impresiona mucho. Siempre ha sido un placer y muy divertido tocar allí y pensamos más que positivamente en esta época. ¡Por supuesto que no podemos esperar a poder volver a jugar en España en un futuro próximo frente a estos grandes aficionados!

 

 

MK: Gracias por tu tiempo y perdón por la demora. ¿Quieres agregar algo más?

 

 

A: ¡Gracias Pilar! Fue un placer responder a las preguntas de esta entrevista y espero que nos volvamos a ver muy pronto. Gracias a todos por su apoyo a lo largo de los años, manténganse sanos y nos vemos pronto. ¡¡¡Esperamos poder volver a España muy pronto !!!. Adiós, gracias y … Saludos.