Por Vir Cave Canem

Fotografías de Jaime Mareridt

 

 

El pasado sábado 29 de octubre pudimos ser testigos del concierto que BOLU2 DEATH, THE FALL OF ATLANTIS y BLOOM dieron en la sala Mon de Madrid.

 

La sala comenzó a llenarse, muy lentamente, para alcanzar un tercio de su aforo aunque se notaba un ambiente distendido, casi familiar y con ganas de pasar un buen rato. Notable la media de edad donde los extremos contrastaban entre un público bastante joven y otro público con una edad un poquito mayor. El escenario lucía preparado y a oscuras se vislumbraban retales de luces azuladas que creaban escena. Los de Torrejón de Ardoz, BLOOM, abrían el espectáculo y en una modesta entrada subieron a escena levantando algunos vítores entre amigos y fans de la banda.

 

 

La escena poco cambió de color, solo de espíritu y aura, puesto que la banda abrió el show manteniendo el escenario a oscuras en un entorno intimista donde las luces azules se combinaban con una amalgama de claroscuros dando lugar a una atmosfera oscura, compleja y tétrica que era acompañada por los ritmos lentos y pausados de sus canciones lentas que se desarrollaban entre riffs rápidos, y golpes contundentes.

 

Para quien no los conozca, BLOOM se trata de una banda muy joven de gropove metal/progresivo madrileña, con un sonido en el que pudimos ver influencias de diferentes grupos relacionados con estos subgéneros de música, como son por ejemplo Gojira, Tool, Deftones, Meshuggah etc. El proyecto formado por los los dos guitarristas Eduardo Cachero y Manuel Camacho ocurrió organizadamente creando y desarrollando este sonido que comentamos, para alcanzar el estatus de banda con la suma de Luis a la batería, Juanjo al bajo y Víctor a la voz como formación que mantienen en la actualidad. En este concierto nos presentaron su álbum Project 20, desarrollado durante la pandemia del COVID y el cual cual, en palabras de la banda a las que tuvimos acceso, ha sido inspirado por la esencia de algunos álbumes del progresivo clásico y el movimiento “avant garde”.

 

 

La banda abrió con un nuevo tema llamado Perfect Blue. A partir de ahí su Project 20 fue sonando alternando con sus nuevas composiciones que aún no han publicado oficialmente. Canciones complejas que se desarrollaban entre precisos punteos de bajo y golpes de caja en contraste con pesados y oscuros riffs que marcaban las reglas del “aquí y ahora”. Una enorme energía oscura sónica que contrastaba con la enorme calma que desprendía su vocalista Victor, orquestando lo que sucedía a su alrededor en una simulación sónica controlada.

 

Aunque su juventud pudo hacerse notar en algún momento de la actuación en cuando a escenografía y rigidez en el directo, el sonido y su ejecuciones fueron buenos, al basarse en cimientos solidos de un estilo con personalidad y un proyecto lque seguro es augura una interesante trayectoria por delante, sumadas al aderezo de una enorme ganas e ilusión hacia el público de subir al escenario y demostrar lo que bien saben hacer.

 

 

Tras el final del show de BLOOM llegaron THE FALL OF ATLANTIS, banda ya podríamos decir mítica de la escena metalcore nacional, puesto que desde 2012 llevan dando caña en su propuesta entre metalcore/deathcore/electrónica. La banda madrileña demostró lo que ya nos tiene acostumbrados, desde el minuto uno, con su elaborada y cuidada puesta en escena de temática oriental. Unas barras verticales de LEDs de colores harían la escenografía y pondrían color en conjunto a su cuidada uniformidad estética “Tang” que nos llevaba a recordar a la cultura tradicional asiática.

 

 

Su larga trayectoria en escenarios y su cuidada y mimada producción arrancaron más de un sobresalto cuando estallaron como un rugido para dar un show muy correcto y bien controlado en su producción. Y es que con BLOOM nos encontramos una atmosfera entre blanco y negro para pasar a una explosión de colores rojos en los que encontramos energía y potencia: desde los breakdowns más potentes y rompedores a melodías muy bien pensadas y pegadizas de las que se meten a fuego en la cabeza. Un setlist marca de la casa viajando por numerosos cambios de estilo y registro en una mezcla única tema por tema con una producción elaborada vocales, sintetizadores y pianos.

 

Su cantante, Eloy, ataviado con una máscara Oni roja, sumada a su potentísima voz gutural, le hacían de su figura una estética de demonio, conseguían elevar al personaje evocando una criatura que se tornaba muy viva, muy real y muy “chunga”. La amplia trayectoria de la banda se notó, animaron a su público en un show variado y bien planteado donde sus canciones al más puro estilo metalcore contrastan entre guturales crudos y sucios con guitarras melódicas y voces corales limpias

 

 

Un ambiente muy impactante en el que se entregaron al público, sudaron, se movieron y disfrutaron, algo que desde abajo se notó desde el primer minuto para deleite del público, entre los que pudimos ver algunos veteranos y personalidades ya de la escena arrancaron con los temas de su ya clásico Secrets of Dzyan y hasta su más reciente tema Mercury.

 

 

El final de la noche llegó con los aclamados BOLU2 DEATH, la banda andaluza conocida por su sonido depurado y su interesante mezcla entre electrónica hardcore y flamenco.

 

Había ganas y la gente estaba lista para la interesante energía adrenalínica que con su “arte” los onubenses nos demuestran. Arrancando con mucha garra y pasión, los cuatro de la formación arrancaron para entregarse completamente al público. Su setlist, con una mezcla de todos sus grandes éxitos iba sobre seguro y con una propuesta perfectamente maridada con la electrónica y agresividad del hardcore de la actuación anterior. El grupo subió marcando territorio y se les notaba sueltos, cómodos y confiados, como un torbellino arrollador de pasión y “duende”. Nace, crece, muere o Jugando a ser dios nos gustaron mucho desde el público.

 

 

Pronto los problemas técnicos llegaron, una ejecución técnica que no hacía justicia a la entrega de los andaluces que trataron de darlo todo a pesar de unos micrófonos que se negaban a cooperar fastidiando un par de temas. En cierto momento la actuación tuvo que parar para corregir el problema, con el visible enfado de los musicos y un público empático totalmente entregado a la banda que solo quería disfrutar y corresponder a la entrega de la banda.

 

El enfado de estos problemas, al ser solucionados, se transformó en ira, energía y fuego y pronto llegaron los temas más pastilleros. Mención especial a Smack My Bitch Up de The Prodigy que versionaron y una apuesta por versionar Pienso en tu mirá de Rosalía que marcó caras de sorpresa y que para nuestro gusto fue fantásticamente ejecutada en el estilo de los BOLU2.

 

 

Por ultimo cerraron con la tan ansiada Dance-Core Party y es que este tema nos encanta y nos parece imprescindible en cualquier fiesta que se precie si eres o estas en alguna fiesta de la escena. Y así fue, colofón feliz final para una actuación correcta, aunque agridulce en las caras de la banda, que preferimos recordar por lo bien que lo pasamos.

Por Vir Cave Canem

Fotografía: Miguel Alegre

 

Resurrection Fest está que arde, prueba de ello es la enorme oferta de conciertos que nos traen en su formato Route a España hasta finales de año, una interesante y esperanzadora noticia con la que ilusionar de nuevo al público que cada vez responde más rápido y con más soltura a llenar salas y a acompañar a sus músicos favoritos.

 

En esta ocasión nos acercamos a escuchar a los suecos CULT OF LUNA, que venían para darnos el concierto ansiado que quedó pendiente al haber tenido que cancelarlo previamente por los efectos de la Covid-19 aun reinantes en aquel momento. Esta vez se iba a hacer sí o sí, y para ello venían acompañados de una interesante compañía: Los americanos CASPIAN (post-rock instrumental) y los franceses BIRDS IN ROW (Melodic hardcore). Mencionar que Holy Fawn, banda anunciada en la gira, no tocó en España siendo sustituidos (y con sobresaliente actitud) por los franceses.

 

 

El encuentro prometido ocurrió el pasado 8 de octubre en una abarrotada sala La Paqui (antigua sala But) donde un escenario que quedaba minúsculo presenciaba cómo la pista no paraba de llenarse de gente hasta la bandera. Y es que parecía que nadie quería perderse la oportunidad de sentir el calor (o el frío) de los paisajes sonoros con los que estas bandas se disponían a dibujarnos. La oscuridad apenas iluminada por unas tenues luces azuladas en el escenario y la barra del bar contorneada por una leve luz naranja, anticipaban un espacio intimista.

 

A las 6 de la tarde comenzaba el show, y BIRDS IN ROW subió a escena. Sin gloria ni pena, ni siquiera un telón anunciando quienes eran, (Llamativo por partida doble, teniendo en cuenta que en la foto de la entrada del concierto salía el logo de Holy Fawn y la tendencia de la banda al anonimato de sus integrantes). Y tal como subieron, sus tres integrantes empezaron a tocar con un estruendoso redoble de batería que hizo el silencio en la sala. Las luces se apagaron y unos potentes rayos de luz desde el final y el techo del escenario comenzaron a seguir el ritmo de la música como una coreografía.

 

 

El intimismo del que hablábamos antes pronto quedó latente. La joven banda liderada por “B.” comenzaba a vibrar como un volcán que iría entrando en erupción para la mitad del set. Tres jóvenes rabiosos, enfurecidos, protestando contra el existencialismo, la soledad, los problemas de la juventud actual y un enorme espíritu combativo quedaron rápidamente bien remarcados ante un público expectante que le costó encajar las dos primeras canciones, pero conforme el show cogía velocidad se empezaba a deshacer entre los dedos de “Q.” con sus líneas de bajo furiosas al compás de una batería simple pero efectiva. La voz parecía quedarse atrás, con algún fallo técnico que poco a poco los técnicos fueron solventando, algo más latente, sobre todo, en los dos primeros temas.

 

La actuación conforme avanzaba calaba más entre el público y sus propios miembros parecían una montaña rusa de emociones ante un relampagueante escenario lleno de violencia contenida que era desatada. La mezcla entre la calma y la tormenta más cruda, una performance de las más cercanas y sentidas que he podido ver últimamente. El sonido, quizás a veces algo alto, proyectando una voz “cruda” y visceral, siempre de la mano de un instrumental desgarrador, sucio y punky que trataba de colarse en el interior de nuestros cuerpos, y que en cierta forma nos hacía sentir desnudos emocionalmente. Un lamento desde una visión enrabietada de desesperación que busca por ver una luz al final del túnel siempre desde una perspectiva esperanzadora, descarnada y agresiva que interactúa con nuestros sentidos. Un potente muro sónico donde la voz queda difuminada entre líneas, donde lo importante era la performance y el acto de contrición que trataban de evocar.

 

 

A pesar de su corta actuación que dio para mucho, los tres músicos fueron capaces de darlo todo tocando todo su último LP, sonando icónicos como Water Wings o Gris Klein. Llegando al final tocó discurso, algo que parece ser típico del grupo, y es que como “B.” comentó, hay dos tipos de relaciones personales en tu vida, la que te culpa por tu situación ante la ansiedad o la depresión, y la que lo comprende y se queda a tu lado. Una actuación brillante, que destacó con un magnifico sonido y experiencia, que contrastaba con la simplicidad de un escenario casi vacío y una estética minimalista.

 

El cambio de escenario sucedió pronto y rápidamente el set de la siguiente banda estaba montado: CASPIAN.

 

 

Los estadounidenses comenzaban su show con la proyección de que todo lo que provendría de una banda instrumental sería reposo, especialmente tras el torbellino que habíamos presenciado justo antes. Y puedo decir que sí, solo que duró un par de canciones donde apelaron a esta tranquilidad haciendo una demostración de técnica y ejecución perfectas. CASPIAN, con tres guitarristas, apelaban a la atención del público mediante riffs y juegos de guitarras ejecutados con maestría y veteranía, que se sucedían y respondían entre sí, mientras un atento bajista y batería no paraban de seguirlos con atención desde el centro del escenario, una energía que recordaba ciertamente un poco al estilo de los solos de Iron Maiden.

 

 

Como decía, si antes con los franceses habíamos tenido una tormenta eléctrica de verano, con truenos, pero sin lluvia, la actuación de CASPIAN parecía atisbar con una sosegada y plácida calma con su propuesta instrumental que nos llevase a través de viajes espaciales y paisajes atmosféricos. Todo lo contrario, puesto que la tempestad llegó para el segundo tercio de set: Pegadizos y enérgicos ritmos que se sucedían uno tras otro y que construían escalas donde las tres guitarras se sucedían una a la otra. Un enorme despliegue de medios por parte de los efectos visuales que no dejaban de acompañar al son que la batería trazaba mientras las guitarras se balanceaban como si en un columpio jugasen.

 

Su interesante propuesta nos llevó por un sólido set de casi más de una hora demostrando un nivel de calidad muy alto que nos cautivó a muchos de los espectadores, que se sorprendían por la virtuosidad de los músicos que forman la banda, haciéndonos redescubrir el verdadero post-rock con una naturalidad casi sobrehumana. El juego de luces (chapó al técnico durante todo el concierto) daba aún más movimiento a la banda sonora de una escena tormentosa que se construía y desafiaba mientras todos lo presenciábamos, creando un clima perfecto que preparaba al público para lo que a continuación venía, el “culto a la Luna”.

 

 

Ya sabíamos lo que venía: Un cambio de escenario que nos dejaba vislumbrar dos imponentes baterías con configuraciones ligeramente distintas. Algo no muy habitual de ver en grupos de este estilo, pero que iluminó la cara d ellos fans de la banda que ya sabían lo que tocaba: CULT OF LUNA.

 

Un cambio lento de más de media hora hizo que el público se relajase un poco, hasta que una niebla muy espesa inundó el escenario para desvelar una escena con luces rojas muy intensas… Y los suecos hicieron acto de presencia: la bestia despertó mientras el pueblo dormía, un sonido arrollador que nos hizo implosionar con una voz que hacía temblar la sala y que parecía invocar a los infiernos más profundos.

 

 

Su actuación parecía calculada y precisa, construyeron un muro sónico donde marcaban territorio y un público extasiado ante la atmósfera oscura que se cernía más y más hasta las últimas filas del público. Los juegos entre la selección de las diferentes canciones que conformaban el setlist, hicieron jugar a unos fans que iban de la desesperación, la furia y la ira a entregarse por completo con los berridos de Johannes.

 

Los 6, al igual que el resto de bandas, hicieron un uso extraordinario de sus canciones que iban a ritmo de la iluminación del escenario. El sonido de esta banda mostraba la calidad a la que nos enfrentábamos, y es que a pesar de que el concierto fuese largo, mantuvo hasta el último momento la energía necesaria para seguir acompañando a los músicos en sus canciones, que encontramos en su último LP, u otras como Nightwalkers o The Silent Man.

 

 

Desde luego, podría decirse que fue una velada íntima que recompuso los recovecos más abandonados de los asistentes a través de la liberación de las diferentes energías que se enlazaban con cada canción: un existencialismo en su versión más pura que se vio alterado aquella noche para el deleite de todos los que lo presenciamos.

 

 

En la agradable noche del pasado jueves día 30 de septiembre, se compartió buena música al aire libre en el Ambigú Axerquía, en Córdoba, que había sacado a su terraza su habitual tarima para un formato más íntimo acorde con las apacibles noches de verano en la ciudad. La banda alemana de stoner/desert rock DAILY THOMPSON, con motivo de su gira por España, llega para dejarnos un toque sureño que nos recuerda al más puro desierto, con un sabor a verano que se acaba. Una actuación cargada de electricidad y temas nuevos, algunos inéditos en exclusiva, que no ha dejado indiferente a nadie de los presentes, ya que la energía que desprendía su música y sus tres integrantes, avivaba a un público, que, sentado en mesas, estaba deseoso de volver a la tan ansiada normalidad.

 

A pesar de que empezó una hora y algunos minutos después de lo programado, estuvieron tocando incluso más tiempo del que tenían, ya que la ovación de varias personas al término del set hizo que tocaran un tema más.

 

El concierto empezó con una parte instrumental que animó el cotarro, el volumen parece elevarse cuando el guitarrista-vocalista empieza a tocar. Ritmos distorsionados pegadizos y sexys propios de este género musical que recuerda a diferentes grupos, tales como QUEENS OF THE STONE AGE, RED FANG, CLUTCH, BARONESS o incluso THE WHITE STRIPES.

 

 

Con el segundo tema, Roadkill, y tal como su nombre indica, esta canción te matará en la carretera.

 

Siguieron dos temas más y como así nos hizo saber la banda, parecía que las ganas de tocar eran tantas como las del público por volver a oír música en directo. La noche iba de presentar nuevos temas, que formarán parte de su nuevo disco, y con un ritmo más melódico y armónico que las dos canciones anteriores, la última parte de Cantalope Melon era más cañera. La bajista se anima a cantar algunas frases de la última estrofa, que es más pegadiza.

 

Los repetitivos ritmos con ligeras variaciones, crean atmósferas psicodélicas para viajar hacia nuevos horizontes. Algo incluso monótono si no fuera por la animada performance de Mercedes, la bajista que sorprendió con un par de casi screamos, muy acertados.

 

 

Tras unos cuantos chistes tirados al público preguntando si había algún Frank, llega la canción homónima Sad Frank, dedicada al representante de la banda, suponemos que con “lore” detrás. Cambian de afinación y por ello, de guitarra, a una bonita Gibson Les Paul naranja. Se inicia con un ritmo que recuerda al principio a Seven Nation Army de los WHITE STRIPES. Destaca el solo de guitarra antes del final del tema.

 

Los siguientes temas como She’s so Cold o Muaratic Acid prosiguen con armónicos y platillos al compás del bajo, que acaba envolviendo al público, una especie de instrumental que parece adormecer en un largo viaje cósmico, hasta que la bajista empieza a casi cantar entre susurros fusionándose con la base melódica. Interesante, aunque quizás de demasiada duración.

 

 

Rompe con una canción más bestia, más salvaje, más despiadada, más stoner y más americana, que hace sentir como si fueras un contratista de la construcción americano, que tras un largo día de trabajo construyendo casas de madera después de un tornado, decide parar en un bar de carretera junto a un cutre motel, a tomarse una cerveza bien fría con sabor a libertad.

 

Seguimos con A Girl Like You, más lobotomizadora, con fuerza y gancho al más puro estilo sexy, con toques de psicodelia.

 

Otro cambio de afinación que implica cambio de instrumentos. Esta vez con tendencias grunge, y, por algún motivo divertido de la banda, la bajista cambia su rol por una chica del público llamada Linda, que parecía acompañarlos desde el inicio del set. No sabemos quién es, pero sí que los acompañó durante la gira, y en esta ocasión, se subió al escenario para tocar un tema bastante sexy que parece contornearse. Mientras tanto, la banda parece disfrutar de la complicidad de su nueva integrante mientras Mercedes graba con el móvil la actuación desde el público.

 

 

 

Con las primeras notas de Slow Me Down, los presentes se vienen arriba, y no es para menos, ya que Danny, el guitarra-vocalista, deja su guitarra para tomar una Cigar Box Guitar, una JS Montecristo Fretless de tres cuerdas que suena a blues sureño y recuerda a un banjo, ¿Sexy? Se queda corto. La musicalidad es pegadiza, y además, seguimos en una eterna caminata a través de un desierto americano de arena roja y torreones naturales de piedra, o de un anuncio de coches como el Cañonero de “los Simpsons”. La bajista toma una pandereta, lo que hace levantar las palmas cordobesas.

 

 

 

Con otro cambio de instrumento, el tercero de la noche, tomamos la recta final del set con sonidos psicodélicos, que recuerdan a viajes espaciales, ovnis y al espacio exterior. Efectos psicodélicos etéreos y ecos espaciales, que acaban haciendo de cuna en un cálido e inquietante balanceo a partes iguales para el fin de la velada. Los sonidos hipnotizantes van ganando agilidad, anticipando la llegada de algo rápido y jugoso, que se confirma en un final ágil y cañero. Mercedes se pronuncia con un spoken word liviano de fondo que se contrapone a los ritmos monótonos con ligeras variaciones.

 

Con un total de trece temas, el set termina con una ovación del público que encandila a la banda y a los oídos de los presentes recordándonos lo que solía ser la música en directo. El público pide un bis, que la banda concede con permiso de la sala.

 

 

Tengo que decir que, últimamente, y, bajo mi punto de vista, la mayoría de grupos de deathcore no están destacando de forma exponencial, algunos trabajos me suenan a más de lo mismo. Como amante de este subgénero musical, me preocupa bastante que no se busque innovar, o que, por el contrario, se innove demasiado y desaparezca lo que hizo a la banda única.

 

Por suerte, mi esperanza no se ha desvanecido, porque hay otros grupos que parecen renacer de las cenizas y de los futuros inciertos, siendo este el caso de LORNA SHORE. La llegada del nuevo vocalista, Will Ramos, y su más que demostrado talento, parece haber conquistado los corazones de muchos fans y conocedores de la banda, incluido el mío, ya que tiene una técnica impresionante y unos registros que no todos son capaces de alcanzar. Una nueva promesa que, valga la redundancia, promete en el mundo del metal.

 

Esta banda estadounidense de blackened deathcore publicó el pasado mes de agosto el EP …And I Return To Nothingness, en el que solo se encuentran tres canciones, aunque de larga duración y gran calidad, que se comentarán a continuación. Ahora bien, ¿Cómo podría describir el EP con tan solo unas palabras? Se me hace casi imposible, pero puedo decir que es grandioso, hipnotizante y oscuro, como si de magia negra se tratara, como si un imperio ancestral regresara de entre los muertos para conquistar lo que es suyo… espero que me entendáis.

 

 

El primer tema del EP, y el single que nos sorprendió a todos, es To The Hellfire, que dio mucho que hablar por la sorpresa tan grata e inesperada. Parece ser sacada de una obra del inframundo, y no hay detalle que le falte. Empieza con una apertura acústica que nos avisa del terror nocturno que vendrá con la llegada de los guturales torturados y los blast beats. Hay voces, coros y musicalidad por todas partes, incluyendo los guturales al estilo blackened y otros más pertenecientes al deathcore. Por otra parte, las guitarras están acompañadas por composiciones sinfónicas que realzan la melodía y dan profundidad, mientras que los bajos son agresivos y marcan el momento; podemos pensar que el tema no puede ir a mejor hasta que nos regalan un solo que nos hace sentir más acompañados.

 

Continuando con el segundo, Of The Abyss, he de decir que parece ser el nexo entre el primer y el segundo tema, además de ser también la conexión con el álbum anterior titulado Immortal. Abre al principio con coros anunciadores del apocalipsis que se irán repitiendo a lo largo de la canción, así como la percusión contundente a la que nos tienen acostumbrados. El instrumental y los guturales parecen unirse para mantenernos alerta justo antes de asaltarnos en la noche, mientras el riff se convierte en la adicción venenosa que nos llevará a la locura.

 

Para terminar con esta obra, …And I Return To Nothingness cierra de manera implacable este EP. LORNA SHORE parece haber encontrado un sonido único y épico en el que la mezcla de varios géneros y subgéneros le aporta autenticidad y fuerza. Se produce un ritmo más constante en las voces, aunque eso no significa que sea lineal, ya que los blast beats y la velocidad de los riffs se encargan de que la monotonía no forme parte del tema. Tiene una gran técnica y se puede apreciar que cada sonido está más que estudiado y meditado, siendo también menos agresiva que las anteriores, pero no menos destacable. En el último momento parece que la paz reina de nuevo y la oscuridad se entierra.

 

…And I Return To Nothingness es un EP que devuelve la esperanza y que, en apenas tres temas, es capaz de mostrar el talento y futuro que tiene LORNA SHORE. Puedo decir entonces que: Deathcore is not dead.

 

Tracklist
1. To The Hellfire
2. Of The Abyss
3. …And I Return To Nothingness

 

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Los riojanos OSLO OVNIES son los protagonistas del día de hoy, ya que vamos a echarle un vistazo (musicalmente hablando) a su primer álbum llamado Sinnen. Esta banda de post-hardcore y post-rock vino como un abrazo cálido y renovador a la escena española en el año 2017, cuando los cinco músicos, Isra Fernández (voz), Javi Collado (guitarra y voz), Guille del Río (bajo), Aitor Torre (batería) y Kevin Las Heras (guitarra), decidieron darle voz (e instrumental) a aquellos pensamientos que surgen desde la preocupación sobre la sociedad actual y la humanidad que cada vez es menos humana.

 

Sinnen brota a través de la composición de diez canciones creadas para reflexionar y cuyos títulos, van más allá de lo que se observa a simple vista, como vamos a descubrir a continuación, en los 39 minutos que dan vida a este álbum. Con esta breve introducción, abramos nuestros oídos y corazón a lo nuevo de OSLO OVNIES.

 

Panoptico ofrece un comienzo prometedor, que, de forma ascendente, nos introduce de lleno en esa rabia y angustia a través del cambio melódico a gutural, que se ve prolongada de manera armónica gracias a un instrumental que desarrolla al unísono frialdad y melancolía. Por otro lado, «silencio ante el panóptico», frase que se va repitiendo al final del tema, y que, si conocemos alguno de los significados de la palabra, puede referirse a ese silencio producido ante el control al que todos estamos sometidos. Me encanta la elegancia con la que OSLO OVNIES expresa su descontento ante esta prisión en la que vivimos.

 

A continuación, hace su entrada Holoceno, uno de mis temas favoritos de este álbum, que melodiosamente se abre paso entre la calma de la voz y la tempestad de la letra. Tengo que admitir que muchas noches he escuchado esta canción en bucle, porque hace sentir esa necesidad de calor que se habla «Poder sentir algo de calor en lo bello que en sí mismo se esconde. En mi corazón», ya que lo entiendes y te sumerge en la realidad que quiere presentarse. Hay un perfecto equilibrio entre la suavidad instrumental y vocal, y entre el desgarre, con riffs vertiginosos y gutural paralizante, que hacen de este tema una etapa de transición en la que todo cambia.

 

Ganges transcurre como el agua que emana del río, parece guiarnos a través de esos punteos instrumentales a su desembocadura. OSLO OVNIES posee en su música una pureza cristalina que hace tiempo que no siento y veo, en otras palabras, el sonido es tan nítido que se podría separar mentalmente cada instrumento, y eso es algo que me encanta percibir en este estilo musical. Esta canción nos habla del pasado y de los recuerdos que nos atan a este, llegando a torturar la mente «Porque no puedo parar de recordar sin que me descuartice».

 

Otra de mis favoritas, que consigue ponerme la piel de gallina, es Boira. Junto con Holoceno, es uno de los primeros singles que publicaron de este trabajo, Sinnen. El hecho de que al principio pueda sentir como el bajo parece llevar el compás es algo que me fascina, ya que todos sabemos la cantidad de memes que se llevan los y las bajistas en el mundo del metal y derivados, y es uno de mis instrumentos favoritos, con esto solo quería recordar que queráis a vuestros bajistas siempre. Vuelvo a ponerme romántica y melancólica, no os preocupéis. Toda la canción parece invitarnos a estar en un estado seminconsciente, casi de obnubilación, y creo que tanto la música como el videoclip, han sido capaces de plasmar esa boira literal y metafórica (que, por cierto, espero que la tintorería no le saliera muy cara a los chicos de OSLO OVNIES). Por lo general, es un tema que me pone tierna, pero el estribillo en concreto, donde hay un contraste emocional de las voces de Isra y Javi «Tardé tanto tiempo en comprender el regalo más importante».

 

 

Pasamos así a Laborans, y como me gusta buscarle el significado a todo (lo siento, soy filóloga), puedo entenderlo como una referencia al trabajador que se pone en riesgo, y es que, tal y como sabemos de la sociedad, es un tema que desgraciadamente, está presente en el día a día. Comienza de una forma más inusual de la que estamos acostumbrados con este grupo, ya que se recitan los versos acompañados de un instrumental sutil y atmosférico hasta el estribillo «¿Por qué me siento tan desierto? Solo y vacío por dentro. […] Dime ahora, ¿Dónde está mi libertad?» Tras esta oración, la guitarra se hace protagonista y nos regala la armonía del momento. El sexto tema es Demian, que, en colaboración con Kometa, nos propone una estructura pegadiza donde se estudia la madurez del sujeto, ese crecimiento que vamos notando dentro de nosotros y que se va gastando a medida que pasa el tiempo. Me gusta el hecho de que, tras la aparición del estribillo, el grupo innove y el ritmo cambie, dando un aspecto de voz rapeada durante esa estrofa.

 

¿Qué decir de Almambrienta? El comienzo me parece brutal, ese riff de guitarra al que se le van uniendo el resto de instrumentos, desvela esa influencia de metalcore (y que me rectifiquen los chicos de OSLO OVNIES), que me recuerda a grupos como Bring Me The Horizon, entre otros. Esta canción tiene una chispa especial, más movida, que invita a danzar, y más aún, cuando surge ese breakdown que me dejaría sin aliento en directo. Además de ser muy activa, la letra me parece acertada, ya que habla de esas almas que pasan hambre y que sufren por el descontento «Sintiendo el dolor de cada puntada cosiendo el cielo».

 

Vamos a por la octava canción, Colodión, en la que participan Eneko Celestino, Dawn Of The Maya y Hey! Bastian, y en la que se nota su influencia, ya que aportan otros puntos de vista que se complementan muy bien con la esencia que ya nos ha impregnado los protagonistas de esta crítica. Siento decirlo, bueno, no lo siento, porque es un elogio, el instrumental y esos elementos electrónicos enganchan al ritmo de la canción, continuando con un aspecto de metalcore que ya habíamos visto en el tema anterior. A continuación, vemos otra colaboración, y esta vez con Against The Waves, en Purga, que consigue mezclar fluidamente diferentes sensaciones, desde la desesperanza protagonizada por los guturales enlazados con sonidos más estridentes producidos por la guitarra, como ese «terror de ser igual» pronunciado por la suavidad del teclado y la voz melódica. No sé si se salvará el alma, pero el breakdown que viene a continuación y esta canción, han agrandado la mía.

 

Por último, nos despedimos de OSLO OVNIES con un tema más relajado a lo que estábamos viendo en los últimos, también es cierto que el mensaje lo requiere. Perdón por volver a ponerme romántica, pero todo, tanto la melodía del instrumental, como la letra y la voz, me parece delicado, suave y atrapa el corazón, Istmo une a dos almas, «Porque remaría hasta el fin del mundo solo por encontrarte». Gracias por cerrar Sinnen así, con un amor que aporta esperanza a cualquier desgracia.

 

La elegancia y la profundidad musical con la que OSLO OVNIES nos deleita en este álbum no es algo que se pueda sentir a diario, es un privilegio poder escuchar música que te alimente el alma, y que te calme el corazón, y estos chicos riojanos lo consiguen. Les deseo lo mejor, y espero poder coincidir con ellos pronto, sería todo un regalo.

 

Tracklist

1. Panoptico
2. Holoceno
3. Ganges
4. Boira
5. Laborans
6. Demian
7. Almambrienta
8. Colodión
9. Purga
10. Istmo

 

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La música, ese arte inspirador que crea emociones, y que, además, alivia las ya existentes. Imagino que os pasará igual, que dependiendo del día necesitaréis una cosa u otra, una ensalada mixta o una pizza, una caña o un tercio, música clásica o brutal death metal, y un sinfín de posibilidades más. No sé si es lo que os apetece en este momento, pero la crítica de hoy es sobre un grupo de deathcore. ¿Quién no necesita un poco de violencia de vez en cuando? Exacto, pero en el salón y siempre despejando el lugar y solo con cojines.

 

WICTIMS es el protagonista en esta ocasión, (anteriormente se escribía con v en lugar de w, pero tuvieron que cambiar el nombre por motivos pasados), una banda checa de blackened deathcore que surgió en el año 2004 y que la forman seis músicos. A pesar de haber cambiado en varias ocasiones su formación, tiene cinco EPs, un split CD y su último trabajo, Lorn Echoes, lanzado el pasado 2 de febrero de este año, que trae lo nuevo y lo mejor del grupo en 7 temas, con una duración total de 26 minutos, o mucho más si deseas ponerte el álbum en bucle.

 

Estos ecos solitarios empiezan con In the Darkness of Blood, un track que nos sitúa al principio en una película de terror con notas de piano y electrónica sutil hasta que la acción surge mediante un ritmo ascendente de batería, de la mano de la guitarra principal, rompiendo al unísono con un gutural bien entrenado que usa diferentes rangos donde se muestra su complejidad. Si es la primera vez que escuchas esta canción, quizás también podrás notar cierta influencia de Chelsea Grin o de Vildhjarta, por la rapidez instrumental, los riffs y el aspecto progresivo que se ve en ciertos momentos respectivamente. Continuando con la siguiente, Brainwar, aunque algo más floja que otras canciones bajo mi punto de vista, ya que no recoge toda la fuerza que se puede observar en otras partes del álbum, muestra quizás a través de un ritmo marcado por la batería y por algún que otro riff lo que intenta expresar, aquella guerra con uno mismo que se experimenta al ser traicionado por la persona más importante, un infierno que se siente con desánimo, como nos hace constar a través de la letra.

 

 

El tercer tema es No Self-Mercy, y creo que es el ejemplo perfecto para ver ese blackened deathcore. El principio, donde la guitarra se hace protagonista a través de una melodía solitaria y sombría, es uno de esos comienzos que me transmiten algo especial, ya que cuando rompe en sonidos estridentes se crea cierta magia, como es el caso. La canción transcurre de forma compacta, haciendo que cada instrumento, incluida la voz, se vea volcado en su realización. I Touched the Face of God una de mis favoritas del disco, muestra un intercambio de guturales agudos y graves que dan protagonismo a la voz y a la complejidad de la misma. Valoro muy positivamente la agilidad del batería, y si escucháis el disco, me vais a dar la razón, ya que regala aún más fuerza si cabe siendo el protagonista cuando el doble bombo aterriza.

 

Con Sinmaker vemos de nuevo esa aura de djent tras una intro que desde luego nos crearía suspense y terror si la empezáramos a escuchar de la nada a las tres de la mañana, aunque creo que ese es su propósito. Podría decir que se ve menos enérgica que el tema anterior, ya que la estructura viene delimitada por ritmos algo más suaves de la batería, y por otro lado destaca más el sonido envolvente de un riff que se repite en determinados momentos, y por esa esencia oscura y maligna que la banda pretende ofrecer, como se puede observar en la letra «Taste a sin and feel alive then, you will die. Taste a sin and feel alive, I am your God.» Continuando con el penúltimo tema, Hate, el odio se transforma en esta canción, lugar donde se respira la agresividad propia del género, y nos hace involucrarnos en ese sentimiento conflictivo. No hay estado de paz en ningún momento, por el contrario, en este track se busca la guerra, la aversión que se siente sobre la sociedad  y como siempre solo una parte se lleva el poder «I was born into the poor world overflowing with wealth, those who have a lot want more, those who have a little mean nothing«. Para finalizar, Smells Like Death, WICTIMS se despide de este álbum con el himno solemne del final, en el que las guitarras nos acompañan a nuestro destino solitario entre notas suaves y transparentes.

 

Tracklist

1. In the Darkness of Blood

2. Hate

3. Sinmaker

4. I Touched the Face of God

5. No Self-Mercy

6. Brainwar

7. In the Darkness of Blood

 

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El futuro está en la juventud y ese es un hecho innegable. En cuanto a la música, creo que ocurre de igual manera, y de momento puedo decir que no estoy nada decepcionada con las bandas que están apareciendo últimamente en muchos de nuestros géneros favoritos. OBSIDIAN, el grupo que he traído hoy, es una de esas promesas musicales de las que hablaba, ya que aunque se creó como un proyecto en solitario del guitarrista François en 2014, hasta 2016 no se consolidó como tal con el resto de integrantes, Florent (batería), Antoine (bajo) y Nathan (voz). Como ya habréis podido presuponer con los nombres, se trata de una banda francesa, concretamente de Nantes, que se mueve entre diferentes estilos que han sabido mezclar al unísono, creando sonidos muy interesantes que van desde djent a post-hardcore, a blackgaze, y a metal ambiental y atmosférico, aunque ellos han decidido resumir su estilo como «metalcore progresivo». Este primer álbum, Before, publicado el pasado mes de febrero, tiene una duración de unos 34 minutos repartidos entre 5 canciones, tiempo suficiente para engancharte a sus ritmos progresivos y a la profundidad de su música.

 

El primer tema, Real(ies), introduce Before avisándonos de los cambios rítmicos que van a suceder durante el disco, así como los diferentes géneros que han participado para darle forma. La canción parece dividirse en dos partes, la primera, más abrupta y llegando a este metalcore progresivo, es ya signo de la calidad musical ante la que estamos presentes, destacando mucho la guitarra y el bajo, que se van adormeciendo en diferentes puntos para destacar la voz y la batería al comienzo de esa segunda mitad, en la que se escenifica un breakdown con el que termina. Por otro lado, (Un)certainly, en su mayoría instrumental, es capaz de deleitar a cualquier persona gracias a su delicado sonido progresivo y ambiental que produce, perfecto para olvidarse y perderse, aunque la forma cambia completamente, ya que de esta pista perfectamente se podrían sacar cuatro temas más debido a su duración y a lo diferente que puede llegar a ser. Sin embargo, tengo que admitir que este cambio constante me encanta, porque da rienda suelta a la imaginación artística y a demostrar que el músico es capaz de adaptarse a diferentes ritmos y melodías. El djent es como el jazz en esta canción, atrevido y descontrolado, que genera otra visión de altibajos emocionales donde la tranquilidad se convierte en frenesí.

 

Consent es un tema que evoca en ciertos momentos a los compatriotas de OBSIDIAN, los franceses ALCEST, ya que es imposible no pensar en una versión moderna de ellos, la templanza se convierte en una energía positiva que va adentrándose en nuestros sentidos gracias a la rapidez instrumental producida por unos riffs que, estratégicamente colocados, abren paso a los guturales de Nathan. Este nuevo cambio irrumpe para continuar con Static Waves, para nada estática, es la canción del álbum donde más se aprecia en toda su plenitud los géneros metalcore y djent, llegando a mostrar una clara (o al menos eso pienso) influencia de grupos como MONUMENTS y VILDHJARTA, dos de los mejores grupos progresivos desde mi punto de vista. Los guturales, profundos y abiertos hacen acto de presencia, acompañados por riffs agudos y simultáneos que paralelamente van distorsionando el ritmo, que como la materia, ni se crea ni se destruye. Para finalizar, los chicos de OBSIDIAN nos presentan el último tema, Salty Mountains, dulce y melancólica melodía que se verá interrumpida por una batería y bajo ascendentes seguidos por la voz. Si ya pensábamos que el tema anterior era como un diamante en bruto, este es como un diamante afilado, donde el juego de los platillos dan otro sonido penetrante que no he visto últimamente y que genera cierta atracción. Despidiéndose de esta montaña de emociones, nos encontramos ante un breakdown que sube hasta la cima y que nos deja sin aliento, tal y como la banda ha conseguido desde el primer momento.

 

En definitiva, OBSIDIAN y su nuevo álbum enriquecerá el paladar musical de muchos, por lo que indudablemente recomiendo una escucha, o tantas como sean necesarias, para poder apreciar en su totalidad la música joven que el grupo nos brinda. Amantes del progresivo, no podéis dejar escapar a este  fenómeno de la naturaleza, ya que no todos los días podrás encontrar vidrio volcánico.

 

Tracklist

1. Real(ies)

2.(Un)certainty

3.Consent

4.Static Waves

5.Salty Mountains

 

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Por una vez no vengo a presentaros a un grupo australiano, esta vez es inglés, y además, puede que os sorprenda, ya que aunque lleve prácticamente poco en el mundo musical, tiene sonidos enigmáticos que estoy segura de que le hará crecer en cuestión de poco tiempo. Llevo escuchando a esta banda de Liverpool desde que sacó The Black Sun en 2017, aunque había comenzado algo antes en su carrera con Prepare Consume Proceed. LOATHE es un quinteto construido a través de los géneros del metalcore, post-metal, nu-metal y progresivo, que se ven representados en su esencia, así como en cada canción de su nuevo álbum, I Let It In And It Took Everything, disponible en todas las plataformas desde el 7 de febrero, y de cuyo análisis me voy a encargar ahora.

 

El primer tema, Theme (valga la redundancia), introduce el disco de forma relajada y atmosférica, para engañarnos delicadamente con lo que viene a continuación, ya que el contraste que se produce por el sonido estridente de las guitarras en el comienzo de Agressive Evolution, crea una tensión necesaria que seguiremos viendo a lo largo del disco. Creo no equivocarme cuando digo que en esta segunda canción hay una clara influencia de grupos como DEFTONES, donde se ve en partes como el estribillo «We will dance on moonlit shimmering streets, but when we get there. Will you see what I see? Now we exit«. Me encanta esa variedad de géneros y sonidos que LOATHE es capaz de incluir en tan solo tres minutos y medio, y como realmente se aprecia una agresividad existencialista en determinados momentos, y que sigue con Broken Vision Rhythm, e incluso se ve aumentado, más hardcore que la anterior, donde los instrumentos parecen colapsar de manera ordenada, y cuyos riffs y batería generan tal fiereza que podrían crear un tornado; es un tema que se acerca mucho más a los orígenes de la banda, por lo que a pesar de haber una evolución general, mantiene esa fuerza con la que nació.

 

Por otro lado, la cuarta pieza se separa de ese comienzo y se centra de nuevo en un sonido más atmosférico y gradual que brinda añoranza, ya que Two-Way Mirror es sin duda parte de un sonido mágico y enigmático creado que honra a DEFTONES, con una letra dulce y emotiva «Just say «I know», it’s all in our heads. Just say «I know» and I’ll stay here instead«. 451 Days hace simplemente de interludio instrumental donde se produce una conversación lejana que produce intranquilidad y angustia. Tras este pequeño descanso, nos encontramos ante New Faces In The Dark, que devuelve ese espíritu furioso y desequilibrado gracias a la intensidad que comienza tras una entrada calmada, donde la pasividad invita al dinamismo desenfrenado cuando ocurre el breakdown más brutal de este disco. Con LOATHE he aprendido que hay que estar atento, porque no sabes en qué momento va a haber un cambio repentino de melodía y brutalidad, como ocurre con los dos minutos de Red Room, donde los sonidos parecen envolverte para atraparte en la mitad mientras la intensidad final te desmiembra con sonidos agudos y una batería aplastante.

 

 

La octava pista, Screaming, además de gritar en algunas partes, se presenta de manera mayormente melódica, pero algo más alternativa y soft que el resto, que a pesar de ser una canción buena, genera poco más en mí, salvo el contraste. Is It Really You? utiliza los sintetizadores como delicados besos para aumentar la intensidad con el instrumental y una voz que acaricia el alma, ya que la canción evoca a la sensibilidad y al amor «Let’s search the sky for a while, you and I. Collide like two stars for a while, you and I«. De nuevo se produce un cambio musical abismal para el que no me siento preparada, solo sé que me encantaría verlo en directo para partirme alguna pierna, y es que Gored nos devuelve esa angustia vital de la que queremos deshacernos a patadas, y donde los sentimientos ahora se convierten en oscuridad expresada a través de sonidos estridentes y una batería veloz, además de dejarnos semejante imagen «Concentrate. Face to face with what turns, the unsettling fascination opaque. Sick beast spread poison, You are consumed«

 

Heavy Is The Head That Falls With The Weight Of A Thousand Thoughts, además de tener un título largo, vuelve a ser la viva imagen de LOATHE. respira rabia y un talento musical que debería valorarse mucho más. Este tema termina gradualmente para fundirse con A Sad Cartoon, una canción de algo más de cinco minutos muy atmosférica que nos sitúa en un plano diferente, en una escena dimensional de puro éxtasis, donde la música lo envuelve todo y nos hace sentir libres de presión, que continúa con A Sad Cartoon (Reprise), una prolongación que se extiende para resurgir en algo totalmente diferente y dar paso al final del álbum. I Let It In And It Took Everything… nos atrapa de forma con una melodía hipnotizadora para dejarnos caer en el abismo de un riff invencible y destructor que da paso a un muy querido breakdown con guturales propios del metalcore más descarnado. Vuelve la calma para dejarnos con un final amnésico e irreal con el que nos perdemos en el horizonte.

 

I Let It In And It Took Everything es un álbum con el que se puede sentir todo tipo de emociones y sensaciones, como la vida misma, donde hay momentos de paz y de tormenta, altibajos que nos devuelven el aliento y que nos paran la respiración. LOATHE ha creado un trabajo sensacional, ha hecho magia gracias a su versatilidad musical y a su capacidad de evolucionar con sonidos cambiantes y esporádicos donde la tranquilidad y la ansiedad conviven.

 

Tracklist

1. Theme
2. Aggressive Evolution
3. Broken Vision Rhythm
4. Two-Way Mirror
5. 451 Days
6. New Faces In The Dark
7. Red Room
8. Screaming
9. Is It Really You?
10. Gored
11. Heavy Is The Head That Falls With The Weight Of A Thousand Thoughts
12. A Sad Cartoon
13. A Sad Cartoon (Reprise)
14. I Let It In And It Took Everything… 

 

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