Por Daniel Arcos

 

 

Las ruinas han sido, para muchos y desde hace mucho, una inagotable fuente de fascinación e inspiración. Obviando el tradicional interés suscitado por los vestigios del pasado en el sentido más puramente historiográfico, durante los S. XVIII y XIX teóricos y artistas se vieron especialmente atraídos por el magnetismo de la piedra tallada a la intemperie, por esos restos supervivientes de tiempos remotos engullidos por la naturaleza y maltratados por los elementos. El porqué de dicho interés —o, al menos, del particular interés del autor de las líneas que siguen— fue encapsulado de forma precisa por Denis Diderot al escribir que “todo se disuelve, todo perece, todo pasa, solo el tiempo sigue adelante […] ¿Qué es mi existencia en comparación con estas piedras desmoronadas?” Con unas palabras tan afectadas, el francés ilustraba ese sentimiento trágico que hemos identificado tradicionalmente como propio de un cierto espíritu romántico: la autoconciencia acerca del carácter finito de nuestra existencia y del inexorable paso del tiempo combinada con la fascinación por aquellos que nos precedieron, las maravillas que nos legaron y la perdurabilidad de estas por encima de la de nuestros corruptibles cuerpos.

 

Dicha visión es la que parece vertebrar el primer trabajo de Void Ov Voices: Baalbek (2023, IdeologicOrgan), el proyecto en solitario del mítico vocalista ATTILA CSIHAR. Conceptualmente, CSIHAR propone un viaje tanto espacial como musical hasta las ruinas clásicas de Baalbek (otrora Heliópolis, en Líbano), un complejo santuario que contenía, entre otras construcciones, un monumental templo consagrado a Júpiter. La fascinación del húngaro no se dirige exactamente hacia el propio edificio, de cuyo aspecto original solo restan algunas de sus columnas laterales, sino hacia sus fundamentos, los propios cimientos del templo, constituidos por varios monolitos conocidos ya por los bizantinos como el trilithon, esto es: las tres piedras. Contando con 750 toneladas de peso cada una, se trata de algunas de las piedras más grandes jamás labradas por el hombre, a las que se suman otras tallas de dimensiones similares localizadas en una cantera no muy lejana. De entre las últimas destaca por su posición oblicua la llamada Piedra de la mujer embarazada, o Piedral del sur, que habría estado originalmente destinada a completar el trilithon del templo de Júpiter.

 

Movido por el encanto de las tallas ciclópeas de Baalbek, CSIHAR les consagra su proyecto a través de dos ejes espacio-temporales que se materializan en las dos únicas piezas musicales que lo sostienen a lo largo de sus 48 minutos de duración. El primero de los temas, que lleva por título Noche del 29 de Marzo (en mi 41 cumpleaños) en el Hotel Júpiter en Baalbek contemplando el Triliton del Templo de Júpiter, sitúa a CSIHAR en un momento previo al contacto directo con las piedras, imponiendo a su mirada una distancia física que lo prepara para el encuentro. La pista adquiere en este sentido un tono preliminar, como si se tratara de una suerte de ablución previa al contacto con ese pasado místico que el artista encuentra en las ruinas. La fecha especificada en el título (el propio cumpleaños del artista) acentúa tal sensación y añade un sentido ritualístico al conjunto del álbum. El segundo tema, Durante el día del 30 de marzo, en la cima del monolito más grande jamás creado por el hombre llamado Piedra del Sur constituye la consagración del itinerario. Csihar ha abandonado su habitación de hotel y la insalvable distancia con las rocas para acceder a su superficie. El desplazamiento espacio-temporal —de la noche al día, desde la habitación de hotel hasta la epidermis de la piedra— implica un tercero que atañe a los sentidos y que resulta esencial para la riqueza expresiva de un proyecto grabado in situ: a la vista se suma el tacto, mientras que el “ver” es trascendido por el “estar”.

 

 

En lo musical, el carácter pétreo de las ruinas que inspiran el proyecto impregna de igual manera su sonido. A semejanza del trilithon o la piedra sacrificial que ilustra la portada (pintada hacia 1906 por el artista húngaro Tivadar Kosztka Csontváry, también obsesionado con las ruinas de Baalbek), el álbum levanta un inmenso muro de sonido, pesado, áspero, grave. Sobre este ruido blanco sin apenas variación se alza imponente la voz de CSIHAR, que improvisa una perorata ininteligible. Como un sacerdote que da la espalda a los fieles durante la ceremonia ajeno a la incomprensión de su público sus fraseos se solapan en un loop incesante compuesto de capas y más capas. El resultado está, sin embargo, cargado de matices. Todo lo que escuchamos es una improvisación grabada en tiempo real mientras CSIHAR contempla (para luego habitar) las ruinas, y pese al tratamiento posterior (y escaso) del sonido en el estudio tenemos la sensación como oyentes de que lo encapsulado en las pistas está impregnado de las sensaciones a flor de piel que este experimentó durante su grabación. Al carácter litúrgico que acompaña al álbum tanto en su sonido como en su proceso de producción se suma, además, una pátina de admiración y nostalgia; ese pasado enquistado en las piedras magnetiza a su artífice que, conmovido, se nos retrata como el trasunto contemporáneo de aquel artista desesperado frente a la grandeza de las ruinas antiguas que inmortalizó Füssli. Este cóctel emocional y de géneros —drone, dark ambient, field recording, non-music…— supone, en suma, la cristalización de las inquietudes musicales más vanguardistas del vocalista húngaro, ocasionalmente desplegadas con anterioridad a lo largo de esporádicas colaboraciones con la mítica agrupación estadounidense Sunn O))).

 

Pese a los cerca de 11 años en los que el proyecto ha permanecido en el cajón (remontándose las grabaciones hasta el 2012) Baalbek se constituye como un trabajo inmensamente apreciable. Cargado de experimentación y rico en sus planteamientos musicales y conceptuales, supone un nuevo pilar en el que apoyarse dentro de la miscelánea de estilos y tendencias en los que se enmarca. Para nosotros los oyentes solo queda la amarga espera hasta la llegada de un nuevo lanzamiento tan potente como el que ha ocupado estas líneas, otro eslabón más que enriquezca la difícil empresa iniciada aquí por CSIHAR, que no ha sido otra que la de bordear a través de la música el velo liminal entre el pasado y el presente. Esperemos que no se demore otra década.

 

Nota: 9’5.

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Por Daniel Arcos Mas

 

 

Una mujer es perseguida con sigilo a lo largo de una calle escasamente iluminada por una sucesión de robustas farolas. El espectador no tarda en volcarse emocionalmente con la inminente víctima que, escuchando el ruido de unos pasos tras de sí, gira su cuello en busca del origen físico de ese acechante y cada vez más cercano pisar. En lo que habría de ser la revelación de la amenaza, el plano que culminase la tensión generada a través de un paulatinamente acelerado montaje, el espectador deseoso por liberar el suspiro contenido obtiene solo un plano subjetivo desde los ojos de la joven: la calle que acaba de recorrer se encuentra absolutamente vacía tras de sí.

 

La secuencia descrita pertenece a Cat People (Jacques Tourneur, 1942), y constituye uno de los primeros retazos de modernidad dentro de los parámetros del cine de terror coetáneo a su estreno (vid. Fillol, 2016). Frente al terror propuesto por las películas producidas entonces por la Universal, que confiaban su capacidad para asustar al espectador a la presencia del monstruo en pantalla, la operación realizada por Tourneur alarga la tensión generada sin llegar a resolverla a través de los mecanismos propios de la tradición, optando en cambio por la sugestión a través de la ausencia: no hay monstruo al que temer, sólo el vacío en forma de una calle desprovista de cualquier signo de vida, un espacio mental, casi abstracto, capaz de dar cabida a cualquier amenaza que la imaginación de los espectadores pudiese crear.

 

Al igual que la célebre escena ideada por Tourneur, el recientemente lanzado Hypervirulence Architecture (Profound Lore Records) de los estadounidenses HISSING opta en muchos sentidos por la vía de la abstracción, renunciando a numerosas convenciones estilísticas del subgénero en que se enmarca como otrora lo hiciera la película del franco-estadounidense.

 

 

La predilección de HISSING por una estética de la no-objetividad en este LP se despliega primeramente en sus aspectos visuales. La portada, obra de Sindre Foss Skanck, es especialmente reveladora al respecto, incorporando una composición abstracta compuesta a partir de una amalgama de técnicas que incluyen desde el dripping hasta la adhesión de vidrio y plásticos fundidos a la superficie del lienzo. Opuestamente a la explícita tradición plástica que perfilaron los primeros álbumes canónicos del subgénero —véanse los trabajos inaugurales de formaciones clásicas como Cannibal Corpse, Death o Autopsy—, HISSING prescinde de un imaginario tradicionalmente lleno de maníacos, zombies y entrañas para introducir al oyente en un plano distinto, una dimensión donde el terror no adquiere forma física, sino que deviene una amenaza apenas sugerida pero sin duda presente.

 

La propuesta sonora de Hypervirulence Architecture continúa con esta línea, desplegándose a través de una producción absolutamente invasiva. Con tan solo tres integrantes, HISSING es capaz de levantar un monumental muro de sonido cimentado instrumentalmente en una guitarra cuyo tono semeja un lejano lamento y una sección rítmica que brilla por su carácter orgánico. Mientras, los guturales ofrecen poca variedad, adquiriendo un aire litúrgico pero desordenado e imprevisible, surgiendo y dispersándose intempestivamente sin importar lo que estén haciendo las cuerdas y cajas.

Bajo estos parámetros, los 7 tracks que componen el álbum se desenvuelven de manera bastante similar. Los primeros dos temas que lo abren, Cells of Nonbeing y Hostile Absurdity, asientan la tónica que seguirá el proyecto: una constante alternancia entre un guitarreo más estable y clásico y otro más vanguardista y abstracto, deudor del trabajo de formaciones como Deathspell Omega o Portal. Esta pretendidamente confusa dialéctica aparece, además, atravesada por un absoluto frenetismo, únicamente roto por algunos pasajes en los que HISSING decide atemperar el track reduciendo un par de marchas. El ejemplo más evidente a este respecto lo encontramos en Operant Extinction, en cuyos minutos centrales se despliega un interesante pasaje a medio tiempo que avanza hacia una paulatina desintegración del sonido hasta tornarse irreconocible. Al mencionado track le sigue una suerte de interludio de corte industrial a base de elementos electrónicos, bajo y batería que recuerda a los temas más bizarros que la formación ofreció en su último EP, Burning Door (2019). Los tres últimos temas del álbum, Intrusion,Identical to Hunger y Meltdown retornan a la tónica descrita más arriba. Así, riffs de extraña disonancia se continúan entremezclando con otros construidos de manera más “simple” y contundente, dando lugar a una atmósfera psicótica que transporta al oyente a un peculiar estado donde los largos e inestables fraseos dan, ocasionalmente, lugar a espacios más familiares y reconocibles.

 

Hypervirulence Architecture es, en suma, una excelente propuesta. Los de Seattle ofrecen un exigente itinerario que brilla especialmente por el analizado trabajo de guitarra, en cuya disonancia encontramos ese carácter abstracto que lo separa del grueso de bandas contemporáneas. Pese a todo, a juicio del que ahora escribe, el tono frenético que atraviesa el álbum constituye en cierto modo su punto débil, reduciendo el espacio para aquellos pasajes más vanguardistas que la banda ha demostrado ser capaz de construir en lanzamientos previos de menor magnitud, como el split aparecido en 2017 junto a Suthek Hexen o el anteriormente referido EP Burning Door. Una mayor inclusión de elementos procedentes de otras ramas habitualmente ajenas al death metal —como el industrial o la electrónica— a fin de dibujar algunos paisajes más introspectivos habrían, tal vez, colaborado a perfilar con mayor precisión el estilo informalista y disoluto que atraviesa el proyecto, potenciando el juego tensional entre mostrar y sugerir desplegado en él. Pese a todo, HISSING se demuestra capaz a través de este sólido segundo LP de crear un sonido personal que acierta al tratar escapar de la faceta más explícita del canon en el que se incluye, haciendo patente a través de 38 intensos minutos que tan terrorífico como la presencia manifiesta es aquello que intuimos pero no vemos.

 

Nota: 9/10
Track seleccionado: Identical to Hunger.

 

En 1978 Brian Eno lanzaba Ambient 1: Music for Airports, uno de los primeros esfuerzos conscientes de lo que hoy entendemos comúnmente como música ambiental. Los livianos sonidos de este primer eslabón de lo que luego se convertiría en una serie de cuatro álbumes venían a cristalizar inquietudes musicales presentes, al menos en el ámbito occidental, desde hacía décadas (aunque para nada ajenas a determinadas culturas “primitivas” desde los albores del tiempo).

 

El resultado fue una propuesta minimalista, deudora de las aproximaciones electrónicas de la elektronische musik alemana, la música concreta francesa o las aportaciones de pioneros como Jean-Michel Jarre: un mar de notas con escasas variaciones que el propio Eno asociaba a la pintura, aseverando, para alegría de los restos de un compositor como Claude Debussy, que lo importante de esta forma de hacer música era su “cualidad pictórica, los colores del sonido, no la historia”. Frente a la “música para aeropuertos” de Eno, la banda sita en Denver, BLOOD INCANTATION, nos regala en este febrero que casi acaba su particular visión de la música ambiental en el excéntrico Timewave Zero (Century Media Records).

 

Alejándose premeditadamente del death metal de inspiración cósmica que los ha llevado a ser una de las formaciones más relevantes en el mundillo de la música extrema, los coloradeños deciden ahondar en una faceta más contemplativa y experimental en absoluto ajena a su trabajo previo. Aquellos que estén familiarizados con el sonido de sus dos álbumes aparecidos hasta la fecha, Starspawn (2016) y Hidden History of the Human Race (2019), serán capaces de rastrear el origen de las inquietudes desplegadas en el nuevo lanzamiento.

 

Para los no versados en la materia, sirvan como muestra los temas Inner Paths (to Outer Space) y Awakening from the Dream of Existence into the Multidimensional Nature of Our Reality (Mirror of the Soul) —penúltimo y último track del segundo de los referidos álbumes—, composiciones marcadas en última instancia por un particular uso de los sintetizadores, que venían a reforzar ese cariz espacial tan característico de su sonido. Por otro lado, Paul Riedl, guitarra y vocalista, también ha experimentado con la música ambiental en su proyecto paralelo Hoverkraft, cuya escucha es obligatoria para aquellos interesados en el EP que nos ocupa.

 

 

En un giro musical que prácticamente podríamos tildar de ascético, BLOOD INCANTATION se libran aquí de todo lo no esencial. La propuesta queda reducido a dos temas, Ea e Io, de 21 y 19 minutos de duración respectivamente (sin contar el bonus track Cronophagia, presente solo en la edición especial 2CD digipack), divididos a su vez en cuatro movimientos como si de una sinfonía clásica se tratara. Y en cierto modo Timewave Zero fluye de una manera similar a las sinfonías, con alternancia entre fases, movimientos, más cargadas y melódicas en que algunos instrumentos como el gong o la guitarra acústica son distinguibles, y otras etéreas e indefinidas donde las líneas de sintetizador se solapan, vibran y dialogan.

 

El producto final es un fluido juego de texturas construido capa a capa, un ambiente sonoro desde el que BLOOD INCANTATION nos invita simultáneamente a realizar un viaje por la inhóspita negror del vasto universo así como por el complicado laberinto interior de nuestro propio yo. El bravo oyente queda así convertido durante la travesía en una suerte de Donatas Banionis de Solaris (Andréi Tarkovski, 1972), asolado por las visiones de su pasado, y la Sandra Bullock de Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) creyéndose condenada a vagar por el espacio.

 

Más allá de lo estrictamente musical, el lanzamiento de un material de estas características por parte de uno de los enfants terribles del death metal contemporáneo tal vez pueda ser capaz de sacudir de algún modo la escena. BLOOD INCANTATION no solo ha hecho el EP que quería hacer, sino que además ha sido capaz de alejarse completamente de su estilo materno para aproximarse a un territorio distinto en una operación que, además, ayuda a reforzar el lazo que determinados variantes de música ambiental —como el dungeon synth o el drone—, han ido desarrollando con la música extrema.

 

Es precisamente el gesto valiente de publicar una pieza así, “totalmente” ajena al anterior material de la banda, el hecho de verdadera importancia en todo este asunto. Los estadounidenses abren así la puerta a otras bandas para seguir su ejemplo, invitándolas a explorar otras facetas de su música y a expandir, si el futuro así lo quiere, sus discografías hacia territorios desconocidos fuera de la órbita del metal más pesado.

 

Mientras, para consuelo de aquellos no interesados en la línea inaugurada con Timewave Zero, los integrantes de la banda ya han declarado que trabajan en nuevo material enfocado en el death que los ha hecho grandes, el cual reunirá, según confesaba recientemente Paul Ridl a Metal Injection, una enorme variedad de influencias y estilos, entre ellos “psychedelic, progressive technical, ambient fusion, world music, prog, extreme shred, and New Age”. Solo queda estar atentos a lo que estos titanes intergalácticos puedan brindarnos próximamente, pues seguro que no dejará indiferente a sus seguidores, sean de este o de otro planeta. 9/10. Track seleccionado: Ea (Third Movement).

 

Enlaces de interés

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Con cada llegada de un nuevo año, somos muchos los que dedicamos un tiempo a pensar y recapitular todo lo acontecido en el año que va a terminar o en el año que ya ha pasado. Han sido muchos los compañeros de esta redacción los que han decidido hacer acopio de memoria y dejarnos lo que, para ellos, ha sido lo mejor de este pasado 2021 en lo que a lanzamientos se refiere. Hay death metal, folk, rock, progresivo, doom… hay de todo y de todos los colores, como más nos gusta y nos contenta a todos. Sin ánimo de extendernos mucho más, te dejamos con los top 3 de lanzamientos de algunos de nuestros compañeros. ¡Disfrútalos!

Daniel Arcos Mas

 

 

Con ánimo de no extenderme y depurar al máximo la siempre complicada tarea de escoger los mejores álbumes lanzados a lo largo de un año, este redactor quisiera limitarse a destacar tres piezas cuya elección (y esto debería ser ya harto evidente) no está basada en otra cosa que no sea el puro y duro gusto personal; desengáñense, están entrando en el terreno de la especulación y lo meramente subjetivo. Teniendo predilección por el death metal y sintiéndome poco aperturista en la misma tarde en que escribo estas líneas, las piezas escogidas no irán más allá del referido subgénero, aunque observarán, no obstante, que valoro las hibridaciones a las que este pequeño nicho musical es asiduo.

 

Primeramente, y para contradecir sin vergüenza alguna la línea inmediatamente anterior, quisiera destacar el segundo álbum de estudio de CEREBRAL ROT, Execration of Mortality (20BuckSpin), un enorme trabajo atravesado por el espíritu del old school death metal. Hablamos de una pieza seca y directa, como aquellas de los pioneros que cimentaron el subgénero, de los que también hereda la ociosa simpleza de las temáticas gore. Este carácter derivativo (más bien continuista) no desmerece en ningún momento la propuesta de los estadounidenses, que pese a todo saben abrir su propio camino transitando un clasicismo al que han sabido dotar de un aire fresco que encuentro inmensamente disfrutable. Aquellos a los que el septuagésimo álbum de Cannibal Corpse no les resulte ya interesante y quisieran, pese a todo, volver a los orígenes del death metal encontrarán refugio en Execration of Mortality.

 

Continuamos, y como suele ocurrir, del clasicismo pasamos al manierismo, o lo que es lo mismo en este caso, de Cerebral Rot a WORM, que sacudió el panorama hacia finales de octubre con su monumental Foreverglade (20BuckSpin). A través de una perfecta combinación de death/doom, el sonido desplegado por Worm en este asfixiante —y en muchos sentidos fluvial— álbum hace palidecer a muchos de los que aspiran a combinar ambos subgéneros. Potente y lírico a partes iguales, Worm parece haber encontrado el equilibrio perfecto entre la agresión y la introspección en una travesía en la que grandilocuentes líneas de sintetizador ponen la nota más experimental. Para los interesados en Foreverglade, remito a la reseña que realicé sobre el mismo publicada en nuestra plataforma.

 

Finalmente, el que considero el mejor álbum de música extrema aparecido durante este fructífero 2021, The Cyclic Reckoning (Profound Lore Records), obra de los también estadounidenses SUFFERING HOUR. Apoyándose esencialmente en un death metal profundo y vehemente, la monumental propuesta de SUFFERING HOUR se adentra en un terreno más propio del black metal atmosférico, para lo que resulta esencial el cautivador tono de guitarra presente en ella: una suerte de zumbido etéreo a la par que afilado semejante al soniquete resultante del movimiento perpetuo de un enjambre de avispas. Se suma a esta fascinante producción de la guitarra una inagotable inventiva en forma de infinidad bellos, cautivadores y no por ello menos virulentos riffs. Se trata, en suma, de un obra maestra, una pieza extrañamente atractiva y diferente al resto que se coloca en definitiva en el primer puesto de esta personal lista de los mejores trabajos que hemos podido disfrutar durante este 2021 que dejamos atrás.

 

Menciones especiales: APPARITION – Feel (Profound Lore Records), MALIGNANT ALTAR – Realms of Exquisite Morbidity (Dark Descent Records), PORTAL – Avow (Profound Lore Records), DREAM UNENDING – Tide Turns Eternal (20BuckSpin), BURIAL – Inner Gateways to the Slumbering Equilibrium at the Center of the Cosmos (Everlasting Spew), TOTAL ISOLATION//SEDIMENTUM (Split), LEPROUS FIRE – Mouth of Graves (independiente).

 

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Jorge De La Cruz

 

 

WHILE SHE SLEEPS – Sleeps Society

 

Tras So What? La banda británica WHILE SHE SLEEPS vuelve a editar uno de esos trabajos que se te meten de lleno en la cabeza desde la primera escucha. Cada riff del trabajo está pensado a la perfección, con una potencia abismal y donde el conjunto en general es una mole de potencia que desborda por todos lados; sin duda, una obra imprescindible en la biblioteca de los amantes del metalcore.

 

ARCHITECTS – For Those That Wish To Exist

 

For Those That Wish To Exist es un disco mucho más maduro, avanzando e innovando en un sonido que ya tenían bastante machacado, por lo que han conseguido salir un poco de su zona de confort y triunfar fuera de ella; todo un logro. Este noveno disco de la banda de Brighton es un peldaño más en su carrera, que los alza de una manera extraordinaria ya que tienen un trabajo muy completo tanto por dentro como por fuera, donde han volcado lo mejor de cada componente y eso se nota en su calidad final. Puedes leer una reseña completa del mismo en este enlace.

 

LANDMVRKS – Lost In The Waves

 

Es un álbum fresco, con una increíble mezcla de sonidos livianos y potentes, cargado de estribillos pegadizos que crean un contraste alucinante con las partes agresivas del trabajo. Los franceses han sabido sacar todo el jugo a sus composiciones, dejándonos con un trabajo que marca un antes y un después en su carrera y que sin duda se ha ganado un hueco en mi cabeza por méritos propios. Tienes la review completa en este enlace.

 

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Víctor López

 

 

Mi número uno de esta selección va para el último disco de WARDRUNA, Kvitravn (achilipú). Es lento, es tranquilo, es sosegado, es instrumental, pero es WARDRUNA, en la esencia acústica que tan buenos ratos nos da.

 

El siguiente es SPIRITBOX, con el disco Eternal Blue. A estos reconozco que no los conocía de nada, pero me han encantado, con una instrumentación muy pesada y sin embargo una voz muy limpia, como si Muse abusase de las notas de picardía. Son espectaculares y me he hecho fan absoluto.

 

SLEEP TOKEN, This Place will Become your Tomb. Espectacular voz, espectaculares efectos, increíble pulido, 100% recomendado para días de trve. Brutalidad, esto despeja más que un jarro de agua fría.

 

Bonus Track, ORBIT CULTURE, y su nuevo EP Shaman. Mirad la portada, es exactamente lo que parece. Brutalidad, fuego, rugidos, muy chungo, muy black, muy trve.

 

Con esto acabo, feliz año a tod@s ¡y a ver qué os parece!

 

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Rafael González de Lara

 

 

ASPHYX – Necroceros

 

Nueva entrega de death/doom fresquito por parte de una de las bandas más icónicas del subgénero. Para los que nunca hayan escuchado a estos neerlandeses; suenan como si relentizaras y engordaras la música de BOLT THROWER. Es la banda sonora que Dios pondrá de fondo cuando lleguen los jinetes del apocalipsis. Música para entrar en trance, pero en trance de violencia. Lo bueno es que si te deja algo trastocado, rápidamente te da un agresivo meneo y te espabila. Esa es la magia de combinar doom y death metal.

 

WHEEL – Preserved in Time

 

Epic doom metal que bebe de la malicia de PENTAGRAM, la melosidad de GHOST y la epicidad de CANDLEMASS, todo adobado con un poco de heavy clásico a lo IRON MAIDEN; conformándose así como un un disco verdaderamente polivalente y singular. Cabe añadir que tanto el estilo visual de la portada como la poca densidad que porta la atmósfera musical (algo poco común en el doom metal) recuerda mucho a la Nwobhm.

 

CARCASS – Torn Arteries

 

Este es un disco que se podría definir como death ‘n’ roll/grindeath con un sonido más técnico y con más variaciones de lo normal. El tono del conjunto es alegre a pesar de la crudeza del sonido, encontrándonos una voz regurgitante entrelazada con punteos motivadores, ritmos groovies rockeros y secciones a 200 km/h. En él hayamos una canción llamada Wake Up and Smell the Carcass, que no hace más que evidenciar el exitoso viaje en el tiempo a mediados de los 90s que supone este Torn Arteries. Esta gente no envejece.

 

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Alberto Zambrano

 

 

Trivium – In The Court Of The Dragon

 

En este último año han sido varias de mis bandas favoritas las que han publicado discos, como Gojira o Architects. Sin embargo, la única que me ha convencido plenamente de mejorar su anterior material ha sido TRIVIUM y su In The Court Of The Dragon, (reseña aquí), un trabajo complejo que crece con las escuchas y que se encuentra entre lo mejor que han editado Heafy y los suyos.

 

SPIRITBOX – Eternal Blue

 

Una de las sorpresas del año. Se trata de un disco casi redondo, en el que los sonidos contundentes, la electrónica y los estribillos pegadizos casan a la perfección revestidos con su particular metalcore. Un paso adelante de esta joven banda que podremos ver en directo en el próximo Resurrection Fest. Puedes leer una reseña en este enlace.

 

BALA – Maleza

 

No hay que despreciar el producto nacional. En este año, han sido las gallegas BALA quienes más me han hecho disfrutar con un trabajo crudo y orgánico que va como un puñetazo directo al mentón, como era de esperar de este reciente fichaje de Century Media que sigue apuntando alto. Puedes leer una review de este disco en este enlace.

 

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Rubén Montejo

 

 

¡Hola a todos! Os dejo por aquí mi top 3 de este pasado 2021. Este año ha sido alucinante respecto a música y me ha costado muchísimo trabajo elegir solo 3 discos. Se han quedado fuera otros 15 o 20 que también me han encantado, pero no caben todos aquí. En 2021 he escuchado un aproximado de 650 artistas/grupos y mis estilos predilectos han sido el thrash metal, el death metal y el metal progresivo. Me dejo fuera obras increíbles como los últimos discos de FEAR FACTORY, CARCASS, BAEST o AT THE GATES, por poner unos ejemplos.

 

VOLA – Witness

 

El tercer trabajo de los daneses progresivos es sin duda alguna para mí el mejor disco del año. Una auténtica delicia de rock y metal progresivo, con un claro sonido djent y con una producción estratosférica. Los temas son melódicos y emocionales, enganchándote con solo una escucha. Una obra maestra y su mejor disco hasta la fecha. 10/10.

 

HUMANITY’S LAST BREATH – Valde

 

Tremendo descubrimiento gracias a la recomendación de un amigo cercano. No soy muy de deathcore pero el haber conocido a esta banda y este disco en concreto ha sido brutal. Música amenazante, asfixiante, extrema, oscura, truculenta e intrincada. Recomendadísimo. Y otro 10/10.

 

CRYPTOSIS – Bionic Swarm

 

Para mí, el disco de thrash metal del año de largo. La banda procecedente de Holanda ha editado un grandísimo disco, jugando con elementos progresivos como Vektor o Voivod, CRYPTOSIS han editado un álbum debut de los más sólidos que he escuchado nunca. Una maravilla y por supuesto, otro 10/10.

 

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Juan Ángel Martos 

 

Resumir un año en tan solo tres álbumes tanto a nivel nacional como internacional es imposible y más en un año en el que grandes bandas como GOJIRA con su Fortitude, SOEN con Imperial, DVNE y su obra magna Etemen Aenka, DMBK con Hilo Negro, BALA con Maleza, DURGA, SUDESTADA, HARAKIRI FOR THE SKY, BALMOG, ARCHITECTS…. Y así podría nombrar casi media centena de trabajos que han destacado este 2021.

Por ello voy a destacar trabajos de bandas pequeñas, bandas desconocidas para mucha gente y que por el currazo que se han sacado deben o deberían conocerlas, así que aquí dejo cinco discazos underground de sobresaliente:

 

INTERNACIONAL

 

 

LOS MALES DEL MUNDO – Descent To Wards Death (ARG)

 

Un tótem oscuro, denso y a la vez agresivo a través de sus cinco canciones, que nos sumergen en una introspección hacia el lado oculto del alma humana, todo ello reflejado en su gran musicalidad, que si bien se basa en el black metal, posee toques atmosféricos y melódicos que despiertan nuestros sentidos, dibujando unos paisajes musicales emergidos desde el mismísimo infierno interpersonal.

 

SURUT – Surut (FIN)

 

Blackened hardcore y el shoegaze, para crear una fusión contemporánea, tan repleta de rabia como de pasajes emocionales donde entran los tintes post; aunque si algo los define sería la palabra intensidad.

 

WHITE VOID – Anti (NOR)

 

Un cóctel que encaja a la perfección creando nuevos pasajes musicales, donde las armonías se transforman en occult rock con toques de post e incluso los solos respiran ese toque sureño bañado por el blues rock. Un proyecto muy interesante, al que le unimos que conceptualmente se basa en la obra de Albert Camus, “Absurdismo”.

 

HIPPOTRAKTOR – Meridian (BEL)

 

Un álbum sublime, donde explora unos paisajes intrincados, entremezclando sutilezas progresivas con unos pasajes contundentes, calculando cada paso milimétricamente, creando una paleta de colores muy interesante, con detalles que podrán llevarte a THE OCEAN, GOJIRA, CULT OF LUNA o incluso MESHUGGAH.

 

NOLTEM – Illusions in The Wake (USA)

 

Un debut de mucha altura donde profesan un black metal atmosférico repletos de paisajes visuales, donde elementos acústicos se entremezclan con la distorsión y la crudeza del black para dejarnos una música repleta de matices, perfecta para fans de bandas como AGALLOCH, SAOR…

 

 

MENCION ESPECIAL

 

BLURR THROWER – Les Voteurs

 

Un proyecto sin nombre de intérpretes y con un artwork que para nada te dice lo que te espera en su interior, ¿o sí?, cuatro temas de black metal atmosférico con tintes post pero con ese regusto underground tan distintivo.

 

 

NACIONAL

 

 

IKARASS – Relapse Into Desolation

 

Album debut, donde despliegan un doom/post metal pesado, oscuro y repleto de contundencia, con claras influencias a bandas como NEUROSIS, ISIS, AMENRA…

 

RAZAK – Eclipse

 

Una sonata intimista de teclados, donde el minimalismo da paso a un corte atmosférico que te eleva al más allá haciendo justicia a su estilo musical donde el post acude para crear unas delicadas notas atmosféricas y el black, pone ese escalofrío en tu piel, despertando tu interior, sin duda un temazo y un debut por todo lo alto.

 

DERIVA – Haiku

 

El trío despliega un post metal/rock instrumental de gran calidad, creando unos ambientes progresivos donde la técnica y la elegancia van de la mano. Las guitarras de Minchy y Muñi aportan esa versatilidad a la estructura musical, alternando pasajes preciosistas con riffs contundentes y metaleros que conjugan a la perfección.

 

MARAGDA – Maragda

 

Rock psicodélico y progresivo para traernos la historia de una civilización que se refugió bajo tierra tras el Gran Desastre. Onírico y embaucador, una variopinta balanza de calidad y técnica en un gran álbum.

 

DEVOTION – The Harrowing

 

Underground extremo, tomando como referencia un death metal oscuro y denso, pero a la vez marcado por unas atmósferas opresoras y melódicas que van más allá de su debut, para marcar una nueva etapa.

 

 

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Irene BM 

 

 

SWALLOW THE SUN – Moonflowers

 

El octavo álbum de estudio de SWALLOW THE SUN se convirtió en uno de mis favoritos de este año tras la primera escucha. El disco trata sobre la muerte de Aleha Stranbridge, difunta esposa de Juha Raivio. El compositor y guitarrista refleja en todos y cada uno de los temas su tristeza y su profunda decepción, incluso en la portada, ya que Juha utilizó su propia sangre para pintar la luna de rojo.

 

Los reyes finlandeses del doom melódico se afianzan con esta composición triste, emotiva y melancólica, que se complementa a la perfección con la desgarradora voz de Mikko. Además de las versiones originales, un segundo CD recoge versiones instrumentales grabadas en la iglesia de Sipoo en Finlandia y tocadas por un cuarteto de cuerda. Un disco imprescindible para los amantes del doom, sin duda.

 

 

MERCURY CIRCLE – Killing Moons

 

El multi-instrumentalista y productor Jaani Peuhu (Swallow the Sun, Iconcrash) tras finalizar la gira con Hallatar, empezó a componer música que se suponía no sería tan heavy. El disco resulta ser doom, como era de esperar, pero también, claramente influenciado por otros estilos dispares, tales como el synth-pop de los 80 o el post punk. Aunque para mí lo más novedoso es ese toque «tribal» que está de fondo a lo largo de todo el disco y, de algún modo, lo unifica. Para sacar a la luz este proyecto Jaani quiso contar con miembros, entre otros, de Children of Bodom y To/Die/For.

 

El resultado es un álbum de estilo completamente novedoso. Pese a que las influencias son más identificables, lo que no lo es tanto es el estilo, totalmente fresco y genuino, aunque dentro de la escena doom. En Finlandia está recibiendo buenísimas críticas tanto por los profesionales como por el público, y para mi se metió directo en mi top 3.

 

 

VOLA – Witness

 

Coincido con mi compañero Rubén en que el tercer lanzamiento de los daneses VOLA es uno de los mejores del año. Para mí es un grupo nuevo, escuché de ellos de casualidad, pero poco a poco oía hablar de ellos constantemente y en todas partes. Así que decidí escucharlo para ver cómo suenan, y ya no me puedo sacar las melodías de la cabeza.

 

En cuanto al análisis del disco, poco tengo que decir, pues es un estilo con el que no estoy familiarizada y poco podría aportar. Pero esto quizás dice mucho en su favor, que alguien que no tiene ni idea de ellos ni escucha su estilo, quede prendada a la primera y además lo elija dentro de su top 3.

 

“Un río cubierto de hierba” fueron las palabras que empleó en 1947 la pionera ecologista estadounidense Marjory Stoneman Douglas para describir el inhóspito paraje de los Everglades, un interminable humedal de 20.000 km de extensión localizado al sur de Florida. Más de medio siglo después, este redactor quisiera retomar las palabras de la susodicha para designar el nuevo trabajo de los floridanos WORM, que como los Everglades en los que se inspira, no es otra cosa que un inmenso río, un torrente expansivo cargado de amenazante vegetación en forma de 44 minutos del más excelso death/doom desplegado a lo largo de este fructífero 2021.

 

Foreverglade (20 Buck Spin Records) supone, en muchos sentidos, la culminación del proyecto sonoro que WORM lleva gestando desde la publicación de su primer LP, Evocation of the Black Marsh (2017), precedido de dos estimables demos y sucedido por el aún más cautivador Gloomlord (2019). En lo conceptual, y como ocurría en los lanzamientos previos, el pantano vuelve a erigirse como eje lírico de este trabajo, inspirándose los seis temas que lo conforman de un modo u otro en el rico imaginario que ofrece dicho entorno. Esta aproximación temática, entre lo naturalista y lo romántico, acerca a WORM en cierto sentido a otro estilo como el black metal escandinavo de los 90’s, que encontró inspiración en los infinitos bosques de su geografía y la oscura crudeza de sus inviernos para superar con gracia y lirismo el monopolio que las temáticas más explícitamente sangrientas ostentaban entonces en la música extrema. Adaptándose a su contexto territorial y climático, la operación localista realizada por los estadounidenses al apoyarse en el pantanoso suelo de su Florida natal resulta muy interesante. Demostrándose capaces de escapar de los lugares comunes que plagan los géneros en los que se inscriben, WORM consigue vislumbrar el lado más siniestro de su naturaleza nativa, valiéndose de una suerte de estética burkiana de lo sublime llevada casi al abstracto en la portada del álbum a cargo de Brad Moore (vid. Morpheus Descends, Tomb Mold, Gatecreeper y otros), en la que una maraña de formas orgánicas se perfilan acechantemente, como hipotéticos habitantes de una marisma vieja como el tiempo mismo. Los lazos con el referido subgénero, no obstante, no se acaban ahí, extendiéndose también a otras elecciones estéticas de la banda, cuyos integrantes recurren en fotos promocionales a su particular versión del corpsepainting popularizado por formaciones como Mayhem, Darkthrone o Emperor, al tiempo que ocultan sus identidades bajo pseudónimos —para ser justos— algo rimbombantes.

 

 

En lo musical, y retomando la cita de Stoneman, Foreverglade fluye como un río, aunque cargado de aguas espesas y glaucas. Con predominancia de los mid-tempos, los temas manan marcados por un aire pausado que desemboca en una atmósfera tupida y asfixiante, algo que WORM consigue sin echar mano de frenetismos percusivos. La peculiar ausencia de blast beats —algo de lo que no todas las bandas de death/doom se atreven a prescindir— es suplida, además de por el preciso manejo del doble bombo por parte de L. Dusk, por una inmensa colección de solos que en muchas ocasiones apresuran el pulso de los temas. Presentes en cada uno de ellos, los solos de Nihilistic Manifesto sorprenden por su finura y tecnicidad, alejándose de la veta más caótica que tan perfectamente encarnaron, por poner un ejemplo paradigmático, Kerry King y Jeff Hanneman durante su labor conjunta en Slayer. En sintonía con la sensación total de control y elegancia que desprende el álbum, los solos se sitúan más bien en la escuela que en el death metal abanderó un primer espada del instrumento como lo fue Chuck Schuldiner, a cuyo espectacular trabajo armónico en The Sound of Perseverance (1998) debe mucho el ejercicio de guitarra desplegado en Foreverglade. La corroboración de este comentario en absoluto gratuito el lector podrá hallarla en Subaqueous Funeral, un tema (casi) instrumental de tres minutos en el que resuenan ecos de tracks tan míticos del mentado álbum como The Flesh and the Power it Holds.

 

Más allá de los límpidos solos y los pasajes más deleitosamente parsimoniosos que copan el tercer vástago de WORM, este ofrece igualmente algunos riffs al más puro estilo vieja escuela que permiten al oyente hacer algo de pie en esta ciénaga sónica en la que lentamente se hunde. Sirvan de ejemplo los dos monolíticos riffs cortesía de Phantom Slaughter que caen como una pesada losa hacia la mitad tanto del tema homónimo que introduce el álbum como de su sucesor, Murk Above the Dark Moor. El músico, piedra angular de la formación, además de cubrir la sección de cuerdas, es el encargado dar voz a este arcano ente natural que es WORM, alternando entre ceremoniales graves y rabiosos agudos cual trasunto contemporáneo de los monstruos de The Swamp Thing (Wes Craven, 1982) y Creature From the Black Lagoon (Jack Arnold, 1954). Es también Phantom Slaughter, junto a Equimanthorn, el responsable de las brillantes melodías con sintetizador que atraviesan el trabajo, cuya presencia constituye uno de los aspectos diferenciadores de la inmensa travesía propuesta en Foreverglade. Basta con atender a los primeros compases de Cloaked in Nightwinds o de Empire of the Necromancers para entender el peso que esta faceta más experimental de la formación tiene en su nueva propuesta. Y es que más allá del uso ornamental, los sintetizadores adquieren aquí un papel protagonista, (des)dibujando melodías que acompañan al trabajo de guitarra para dotarlas de un nuevo sentido. Los temas se imbuyen así de un aire entre lo melodramático y lo solemne, deviniendo una suerte de música litúrgica tan intimidante como hermosa.

 

 

Puede que esos dos últimos adjetivos sean los que mejor resuman el tercer trabajo de los estadounidenses WORM, un álbum que se sitúa (y no lo dice únicamente este redactor) como uno de los mejores lanzamientos del pasado año en lo que ampliamente reconocemos como música extrema. El evidente esfuerzo puesto por la banda a la hora de generar un contenido tan serio y potente es en parte culpable de los halagos que está recibiendo entre los círculos underground, y a los que voluntariosamente me sumo no sin antes destacar la impecable mezcla realizada por Stephen DeAcutis, responsable de la siniestra nitidez que envuelve el sonido general de ese río cubierto de hierba que es Foreverglade. Dicho esto, simplemente queda desear una larga trayectoria al viscoso platelminto en el que se ha constituido WORM, de quien esperamos recibir próximamente nuevo material con los que nigromantes y demás melancólicos puedan musicar los cenagosos rituales a los que son asiduos.

 

Nota: 9’5
Track Seleccionado: Murk Above the Dark Moor

 

Tracklist:
1. Foreverglade (intro) 05:26
2. Murk Above The Dark Moor 07:37

3. Cloaked in Nightwinds 11:14
4. Empire of the Necromancers 07:00

5. Subaqueous Funeral 03:38
6. Centuries of Ooze 09:47

 

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Mucho ha llovido desde que el grupo estadounidense 13th Floor Elevators empleara por vez primera el término ‘psicodélico’ en un álbum musical. Lo hicieron en su primer LP, que llevaba por título una frase esclarecedoramente descriptiva respecto a lo que el oyente podría escuchar en él: The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators (1966). Más de medio siglo después, el término ‘psicodélico’ vuelve a aparecer en un trabajo enmarcado en un subgénero a priori bastante alejado de la paz y el amor que abrazó y difundió la contracultura hippie.

 

El álbum es Psychedelic Realms ov Hell, sus artífices los floridanos WHARFLURCH, y las incógnitas que plantea en torno a las (im)posibilidades a la hora de combinar psicodelia y música extrema son muchas y muy variadas.

 

En lo plástico, el primer álbum de WHARFLURCH es notablemente deudor de la iconografía psicodélica original, que perfiló, entre otros recursos, el uso de tipografías lobulares, la potencia y variedad cromática, y la organicidad y dinamismo de las formas (vid. Rodríguez Clavo, 2013). Siguiendo tales parámetros, la portada de Psychedelic Realms ov Hell se nos presenta teñida de vivos colores y plagada por un sinfín de figuras bulbosas y serpenteantes, tendiendo a un horror vacui al que fueron igualmente proclives álbumes insignia del rock psicodélico como el Disraeli Gears (1966) de Cream o el Odessey and Oracle (1968) de The Zombies. En medio de este hipnótico pastiche visual, varios elementos figurativos introducen al oyente en la propuesta conceptual del álbum que se desplegará a lo largo de sus 6 tracks: un relato en clave sci-fi en torno a la llegada de un hongo extraterrestre a la Tierra y sus alucinógenas consecuencias. De nuevo, a imagen y semejanza del rock psicodélico previo, WHARFLURCH recurre a algo tan icónico de dicho estilo como lo fueron las sustancias psicoactivas. No obstante, ¿Es este envoltorio lisérgico suficiente para definir al lanzamiento, según hace la propia formación, como “psychedelic death metal”? Pongamos el foco en la música.

 

Echando antes la vista atrás, lo cierto es que los primeros trabajos de WHARFLURCH no delataban una vocación especialmente renovadora respecto a los cánones del death metal. Incluyéndose intempestivamente en los terrenos más cósmicos del subgénero (vid. Blood Incantation, Nucleus, Devoid of Thought, Stargazer et al.), sus lanzamientos iniciales a través de EP’s y splits hacían impredecible el presunto viraje psicodélico que ahora nos ocupa. Sea como fuere, Psychedelic Realms ov Hell es, ante todo, una propuesta sólida. Reúne lo que cualquier asiduo a la música extrema podría esperar de un álbum situado en tales parámetros, añadiendo a la brutalidad inherente al género una nota místico/espacial en la que presumiblemente habríamos de encontrar —más allá de los aspectos formales y conceptuales ya comentados— la faceta psicodélica del álbum. Así, a los segmentos machacones de riffs pegajosos y pegadizos se suman otros más contemplativos en los que la banda, aminorando inteligentemente la velocidad, es capaz de dibujar paisajes sonoros más introspectivos y cercanos a lo que podríamos entender de manera amplia como propio de la experiencia psicodélica. En este sentido, podemos destacar los dos minutos finales del tema que abre el álbum, Celestial Mycelium, en los que un alucinado y luminoso solo de guitarra pone el broche final a la primera parte del trayecto propuesto por WHARFLURCH, así como el pausado y meditabundo fragmento central de Phantasmagorical Fumes. Igualmente interesante resulta el cierre de Abandoning Reality, donde la agresión guitarrera previa acaba por fundirse en un pasaje etéreo cercano a la música ambiental gracias al uso de sintetizadores, de nuevo protagonistas en los últimos momentos del tema homónimo que culmina el LP. Al desvariado cromatismo del álbum que aportan los referidos momentos se suma la ocasional aparición de una voz robótica, presente alternativamente al comienzo o final de algunos tracks que, primero como testigo y luego como sujeto protagonista, aporta información en torno a la historia que vertebra el fúngico relato tejido por WHARFLURCH.

 

Por lo demás, sorprende que un trabajo tan bien armado en lo conceptual a la par que ambicioso en su pretensión por expandir las fronteras del death metal resulte, en su conjunto, tan normativo. Y es que, sin ánimo de infravalorar la capacidad transformadora que un par de raciones de setas pueden tener en la trayectoria de un grupo, lo que WHARFLURCH propone en Psychedelic Realms ov Hell parece en ocasiones más un alarde estético que un verdadero compromiso con la experimentación inherente a la psicodelia.

 

Es innegable, como se ha señalado, que el uso de elementos en principio poco frecuentes en el estilo como los sintetizadores resulta hasta cierto punto novedoso, como lo fue en su momento —y estableciendo un paralelismo conscientemente anacrónico— que George Harrison incluyera pasajes con sitar en el precozmente psicodélico Rubber Soul (1965) de The Beatles. Sin embargo, su presencia y usos son limitados, casi ornamentales y meramente accesorios, resultando el producto final en un muy disfrutable álbum de death metal que, desgraciadamente, cae un cierto convencionalismo especialmente flagelante teniendo en cuenta la inspiración psicodélica presente desde su misma concepción y el presumible esfuerzo por la hibridación de géneros.

 

Algunas de las carencias, desde mi punto de vista, del primer álbum de WHARFLURCH, el hipotético lector de estas líneas podrá tal vez verlas subsanadas en otros lanzamientos a cuya escucha quisiera invitarlo. Hypnagonic Hallucinations de BEDSORE (2020) y el recientemente publicado Degenerations de DISKORD (2021) ofrecen, opuestamente, una aproximación más experimental hacia la música extrema sin tratar necesariamente de identificarse con un estilo cercano a la psicodelia, aunque no por ello alejándose de ella en lo esencial. En el álbum de Bedsore, que abrazaba de forma sagaz cuestiones espirituales pero cercanas en lo temático a la esencia más oscura y pesimista del death-doom, se ofrecen algunos momentos verdaderamente alucinatorios, capaces de evocar tanto la ansiedad y el miedo provocado por un mal viaje como a la paz y sosiego resultante de la enriquecedora experiencia interior. Mientras, el álbum de Diskord, absolutamente impredecible, abrumadoramente técnico y recreativamente delirante, se introduce de manera astuta en el farragoso terreno del aperturismo multiinstrumental, generando un complejo ecosistema en el que sintetizadores, cellos e incluso theremines dan lugar a una atmósfera psicótica con las que las partes más agresivas del álbum de WHARFLURCH solo podrían soñar. Pese a todo, como seguramente alguien haya dicho alguna vez bajo los efectos de la psilocibina, los sueños a veces se hacen realidad. Frente a esta incerteza, lo último que deberíamos hacer es desechar las futuras posibilidades que puede ofrecer una banda como WHARFLURCH, pues, independientemente de haber optado por el juego posmoderno de tomar lo aparente para dejar fuera lo significante o esencial de aquello se recupera, se ha demostrado valiente, inquieta y ambiciosa en este su primer álbum. A fin de cuentas, y terminando con este futurible, lo mejor que podremos obtener del próximo lanzamiento de los estadounidenses será un álbum verdaderamente comprometido en su recuperación de un género clásico, y lo peor, visto lo visto, un muy  consistente álbum de death metal.

 

Track seleccionado: Abandoning Reality.

Nota: 7

 

Tracklist

Celestial Mycelium (04:47)

Stoned Ape Apocalypse (04:47)

Abandoning Reality (06:59)

Phantasmagorical Fumes (06:15)

Bog Body Boletus (05:13)

Psychedelic Realms ov Hell (06:30)

 

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Nunca debe juzgarse un álbum por su portada, pero tampoco infravalorar lo que estas pueden decirnos de los grupos cuyos trabajos ilustran. La trayectoria de los británicos CARCASS, que regresan con Torn Arteries (Nuclear Blast Records), constituye un buen ejemplo de cómo la faceta visual de las propuestas musicales supone una interesante vía desde la que aproximarse a estas.

 

Los collages de cadáveres reales que invadían las portadas de los dos primeros álbumes de la banda, Reek of Putrefaction (1988) y Symphonies of Sickness (1989), encarnaban a la perfección el proyecto sonoro de dos piezas fundamentales tanto en la conformación de lo que vendría a llamarse goregrind como en la temprana expansión de los límites del heavy metal extremo. El giro en el sonido de los de Liverpool que trajo consigo su cuarto LP, Hearthwork (1993), quedó también perfectamente reflejado en la cara plástica del álbum, que prescindía de elementos gore para dar paso a una escultura realizada por H. R. Giger en la que se hacía patente el giro conceptual de la formación hacia cuestiones más artísticas, traducidas en lo musical en un death metal de corte más melódico. Tras el mayoritariamente incomprendido Swansong (1996) y su viraje hacia ritmos rockeros más clásicos, CARCASS se sumió en un silencio al que pusieron fin en 2013 con el lanzamiento de Surgical Steel, que se erigió como un trabajo de enorme madurez. Y es que en este, su sexto LP, se daban cita todas las facetas del combo, condensadas en un artwork presidido por un círculo de instrumentos quirúrgicos cuidadosamente dispuestos sobre un austero fondo gris metalizado, recordando al del EP Tools of the Trade (1992), pero abogando en lo musical por un sonido más cercano al de Hearthwork. Todo el recorrido de la banda quedaba astutamente plasmado en la propuesta plástica del entonces su último álbum: el recuerdo de su temprana faceta carnal y sangrienta filtrada por el comedimiento posterior que rigió los álbumes aparecidos tras el incontestable Necroticism: Descanting the Insalubrious (1991).

 

Con Torn Arteries, CARCASS se reafirma en los principios que rigieron Surgical Steel, incluso en su vertiente plástica. Los británicos demuestran nuevamente una notable autoconciencia respecto al momento en que se encuentran, convirtiendo la portada de su nuevo LP en un trampantojo donde diversas frutas y verduras aparecen ensambladas simulando un corazón humano real que destaca sobre un fondo blanco. De nuevo la sangre, pero también un enfoque más conceptual sobre su trabajo, todo ensamblado en 48 minutos de música que revelan que los scousers se sienten capaces de aunar homogéneamente ambas facetas de su trayectoria profesional sin renunciar a nada.

 

Si bien es cierto que el explícito tono splatter de los primeros años de la formación se ha atenuado, continúa habiendo vestigios de esa apuesta por lo repugnante en la temática de algunas canciones, como en el caso de Under the Scalpel Blade. Otros tracks, por el contrario, constatan el nivel de madurez alcanzado por el vocalista Jeff Walker y la continua ampliación de su campo de interés lírico, abordando cuestiones como el medioambiente —In God We Trust— el inexorable paso del tiempo —The Scythe’s Remorseless Swing— e incluso figuras mitológicas de culturas lejanas —The Dance of Ixtab (Psychopomp & Circumstance March No. 1)—. En lo sonoro, Torn Arteries continúa también con la línea establecida por Surgical Steel, priorizando un estilo eminentemente deudor de Heartwork y Swansong. El álbum se presenta, pues, como una ecléctica mezcla entre pasajes de absoluta violencia sonora (véase la segunda mitad del tema homónimo que abre el álbum) con momentos más melódicos, como los primeros compases de The Devil Rides Out y de The Scythe’s Remorseless Swing. A esta firme mezcla entre un potente guitarreo que fluctúa entre el death y el thrash metal se suma una galería de riffs rockeros que atestiguan las influencias más clásicas de Bill Steer, quien se encarga además de aderezar los temas del álbum con algunos elegantes solos de notable carga emocional, como el que cierra Eleanor Rigor Mortis o los que podemos hallar esparcidos a lo largo de los nueve minutos de duración de Flesh Ripping Sonic Torment Limited, el tema más largo grabado hasta el momento por la formación.

 

Sin ánimo de desatender la excelente labor percusiva de Daniel Winding, especialmente fina en el empleo de los platos, y habiendo ya puesto el foco en las líneas que vertebran el trabajo a la guitarra de Steer, no podemos concluir esta reseña sin hacer referencia al trabajo vocal de Jeff Walker, quien a sus 52 años continúa lanzando intachables guturales. Su voz, que ha adquirido con el tiempo una nota añeja, vuelve a alternarse con los growls más graves y secos de Steer, siguiendo una fórmula vocal a la que la banda lleva recurriendo desde sus inicios y que encuentra en la producción limpia y contundente del álbum un ecosistema ideal que habitar.

 

Con todo, Torn Arteries se presenta como la sólida propuesta a prever de una banda que lleva haciendo música más de veinte años. Teniendo poco que demostrar, y habiendo sufrido una notable evolución a lo largo de su carrera, CARCASS parece disfrutarse con un lanzamiento en el que los escasos cambios sufridos por su sonido respecto a Surgical Steel ponen la nota más agria. La posible frustración de aquellos oyentes que esperasen constatar la continua progresión de los británicos queda, sin embargo, subsanada por un álbum absolutamente disfrutable y dinámico. Mientras, para los añorantes de tiempos pretéritos quedan las palabras de Bill Steer recogidas en una entrevista que concedía recientemente a la revista Rolling Stone: “If somebody doesn’t get what they want from a Carcass album, they will easily find it elsewhere”. A tal fin, este redactor remite al hipotético lector ávido del goregrind de los primeros CARCASS a los recientes trabajos de Pharmacist, Seeptage, Anatomical Plastination y Effluence, no sin antes desear una larga vida a uno de los grupos más queridos por la comunidad. Keep on rotting, CARCASS!

 

Track seleccionado: The Scythe’s Remorseless Swing.

 

Nota: 8

 

Tracklist

1. Torn Arteries (04:00)

2. Dance of Ixtab (Psychopomp & Circumstance March No. 1 (04:29)

3. Eleanor Rigor Mortis (04:14)

4. Under the Scalpel Blade (03:55)

5. The Devil Rides Out (05:22)

6. Flesh Ripping Sonic Torment Limited (09:42)

7. Kelly’s Meat Emporium (03:23)

8. In God We Trust (03:57)

9. Wake Up and Smell the Carcass/Caveat Emptor (04:36)

10. The Scythe’s Remorseless Swing (05:20)

 

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Desde lo más profundo del árido ecosistema sonoro valenciano nos llega, para alegría de muchos, el primer sencillo de WEEPING STONE. El joven cuarteto, integrado por Ignacio Alcántara (voz y guitarra), Jano Tatay (guitarra solista), Guillermo Adelantado (bajo) y Alejandro “voltage” (batería), ofrece en este, su nuevo vástago, una interesante aproximación al sonido stoner más clásico.

 

Deudora de formaciones como Kyuss, All Them Witches o Electric Wizard, la propuesta de WEEPING STONE en I Believe in Nothing constituye una sugestiva muestra de su proyecto musical. Tras los limpios acordes que abren el track, la voz de un comedido Alcántara discurre suavemente hacia un estribillo machacón donde un potente riff sube la apuesta, invitando al oyente al noble gesto de sacudir la cabellera como si no hubiera un mañana. Habiendo incitado al pertinente reparto de caspa, el tema retoma cierta calma, dejándose llevar de nuevo por el ritmo de una batería reminiscente de la percusión hip hop más actual para presentarnos, en su último tercio, un vibrante y cromático riff del que un narcotizado Tony Iommi se sentiría muy orgulloso. A partir de este brillante momento… Sota, caballo y rey; el estribillo asoma de nuevo la cabeza para aumentar las revoluciones y sumirse en un breve pero afilado solo de guitarra con el que se cierra el intenso itinerario desplegado a lo largo de cuatro apreciables minutos.

 

Con este competente aperitivo, WEEPING STONE se sitúa en una posición bastante prometedora. Demostrándose capaces de ofrecer un material ambicioso, los valencianos, según confiesan a este redactor, expandirán próximamente su repertorio a través de un EP con seis temas inéditos en los que la influencia de la música electrónica y urbana —junto a demás frivolidades— tratarán de ampliar los límites de la impronta stoner que vertebra su sonido. Con esto en mente, solo queda esperar el nuevo lanzamiento sin perder de vista las actuaciones venideras a lo largo y ancho de la capital del Turia que planea la banda, a la que desde esta plataforma deseamos sort, salut (i força al canut).

 

El enigma del vasto espacio ha sido, para muchos, una inagotable fuente de inspiración, aunque fuera para ver en sus infinitos misterios la sombra de una amenaza. Algunos de los indescriptibles horrores nacidos de la pluma de H.P. Lovecraft encontraban su génesis en la infinitud del cielo, al igual que otros monstruos más conocidos por su presencia en pantalla como el xenomorfo diseñado por H. R. Giger de «Alien» (Ridley Scott, 1979) o, previamente, los fantásticos imitadores de la fisionomía humana de «La invasión de los ladrones de cuerpos» (Don Siegel, 1956). Pese a la multitud de nuevas formas, en su mayoría enemigas de nuestra especie, que el espacio ha podido insuflar a la ciencia ficción en sus vertientes literaria y cinematográfica, su carácter generador de pesadillas de carne y hueso (y en ocasiones baba) no ha sido lo único capaz de cautivar a aquellos que han alzado sus ojos hacia él. Nos referimos a aquellos que, en su labor creadora, han visto en lo extraterreno un campo estético con entidad propia, un no-lugar en que cuestiones como la infinitud, la vacuidad, la creación y la destrucción se dan cita: espejo y fuente, en suma, de las incógnitas que asolan al ser humano.

 

Ambas visiones, la del espacio como seno de lo inhóspito y como elemento lírico de corte místico en que se reflejan algunas de las preocupaciones atávicas del hombre, coexisten en el nuevo álbum de los italianos DEVOID OF THOUGHT: Outer World Graves (Everlasting Spew Records, 2021). Enmarcados en la fructífera veta del en ocasiones llamado cosmic death metal, DEVOID OF THOUGHT se sitúa al final de una estirpe de agrupaciones cuyo origen conceptual y sonoro se remonta a las dos míticas demos que la agrupación estadounidense Timeghoul lanzó a principio de los 90 —Tumultuos Travelings (1992) y Panaramic Twilight (1994)— así como a los planteamientos tecnicistas de los también estadounidenses Atheist.

 

Al rebufo de Blood Incantation (vid. Starspawn, 2016, y Hidden History of the Human Race, 2019), revitalizadores de esta corriente cósmica en que se enmarca DEVOID OF THOUGHT, la agrupación lombarda ofrece en su primer LP un trabajo bastante deudor de lo que pudimos escuchar primero en las dos demos (Astral Necrosis y Cosmic Apoptosis, 2017 y 2019 respectivamente) y los tres splits lanzados junto a Valium I, Into Coffin y Undeath. Con una duración total de 40 minutos y 50 segundos, DEVOID OF THOUGHT recicla en Outer World Graves tres temas aparecidos en los referidos trabajos anteriores: Four Cerulean Ways, Stargrave y Sidereal Breath (este último rebautizado como Sidereal Necrosis en el nuevo álbum), a lo que agrega las nuevas composiciones Perennial Dreams y Effigies of a Distant Planet, este último el tema más largo del disco al alcanzar los 11 minutos de duración. Como era de esperar, el peso de la propuesta recae en los intrincados, rápidos y mutables riffs que infestan sus temas, y sobre los que se levanta la voz del vocalista y guitarrista, Andrea Collaro, a medio camino entre la bestia irreconocible del planeta desconocido y el humano moribundo que flota a la deriva suspendido en el vacío espacial más absoluto. Es precisamente esta dialéctica entre lo monstruoso y la actitud lírica y contemplativa frente al espacio exterior lo que domina el álbum. Frente a la brutalidad sonora inherente al subgénero en que este se enmarca, DEVOID OF THOUGHT nos ofrece en Outer World Graves unas letras escritas mayoritariamente en primera persona en las que el sujeto protagonista sufre cambios en su corporeidad, cual personaje de un film de David Cronenberg, o se enfrenta cara a cara a la infinita negritud del espacio con la única compañía de las estrellas moribundas. El espacio como un espejo de lo terreno. «As above now, so below», según dicta un verso de Sidereal Necrosis, penúltimo track del álbum.

 

 

No obstante, para el gusto por el frenetismo sónico del que ahora escribe, la propuesta de DEVOID OF THOUGHT alcanza sus mayores cotas al reducir unas cuantas marchas su velocidad. Es en los pasajes más contemplativos de los temas donde la formación italiana consigue dibujar con precisión algunas de las sensaciones aquí referidas en relación a las cuestiones más líricas a las que puede remitir el espacio exterior al ser tomado como elemento vertebrador de una creación artística. A tal respecto cabría destacar la construcción inicial de Four Cerulean Ways, tema que al progresar ofrece algunos riffs de extraña belleza deudores del clásico Nespithe de Demilich (1993), así como los minutos centrales de la monumental Effigies of a Distant Planet. Lo mismo podemos decir de Sidereal Necrosis, en cuya parte central un riff pegajoso y reptante acompañado de un coro de voces agónicas se acelera paulatinamente para dejar paso al frenesí final, marcado por una pátina de epicidad nostálgica. Los minutos finales de Stargrave ofrecen, del mismo modo, uno de los pasajes más introspectivos a través de la prolongación de un riff sencillo hasta su paulatina desaparición con el cierre del track, como una luz agonizante que marca el cierre el álbum.

 

En términos de producción, Outer World Graves es, objetivamente, el lanzamiento más pulido hasta la fecha de DEVOID OF THOUGHT. A través de una mezcla equilibrada en la que todos los instrumentos resultan audibles, coexistiendo equitativamente, el sonido general del álbum resulta grave, profundo y ominoso, en sintonía con su propuesta conceptual y estética. No obstante lo dicho, y como ocurre con muchas bandas que transitan de sus primeras publicaciones a través de demos y splits a un LP, es perceptible una ligera pérdida de la frescura que presidía los primeros lanzamientos de los italianos, marcados por un sonido más opaco, afilado, primitivo y, ¿por qué no decirlo? Cutre, en el mejor de los sentidos. Pese a esto (una cuestión presupuestaria al fin y al cabo), DEVOID OF THOUGHT se cimenta con su primer álbum como una de las formaciones más prometedoras de la órbita del cosmic death metal a través de una propuesta técnicamente compleja, musicalmente atractiva y conceptualmente elaborada.

 

Track seleccionado: Effigies of a Distant Planet.

Nota: 8’5/10

 

Tracklist
1. Perennial Dream (04:59)
2. Four Cerulean Ways (06:44)
3. Effigies of a Distant Planet (11:19)
4. Sidereal Necrosis (09:01)
5. Stargrave (08:38)

 

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